10 de las obras de arte más increíbles de Max Klinger

 

El arte de Max Klinger es reconocido hoy como uno de los principales ejemplos del simbolismo alemán. Nacido en la ciudad de Leipzig en 1857, Max Klinger se ganó el título de artista gráfico más prolífico del siglo XIX. Educado en las Academias de Karlsruhe y Berlín, ganó reconocimiento público en 1878 con una serie de dibujos titulada Paráfrasis sobre encontrar un guante . Temáticamente, su trabajo va desde pinturas históricas tradicionales hasta grabados extraños de visiones oníricas. Preocupado por el “lado oscuro” de la psique humana y los problemas sociales, sus grabados describen la vida del hombre moderno del siglo XIX. Como parte de la Secesión de Viena, Klinger contribuyó a la difusión de las ideas del arte moderno en Alemania antes de fallecer en 1920.

 

1. Paráfrasis sobre encontrar un guante Serie

 

Paráfrasis sobre encontrar un guante es la primera serie que ganó el reconocimiento público del arte de Max Klinger. Se exhibió en la 52ª Exposición de la Academia en Berlín y provocó tensiones entre el público alemán. Sin embargo, fue comprado por el Galería Nacional de Berlín . Después de su éxito, la serie impresa, o “ciclo”, como la llamó Klinger, pronto se convirtió en su principal medio de expresión.

 

En el primer dibujo, vemos una pista de patinaje donde se divierten varias personas, similar a las ilustraciones de las revistas contemporáneas. En la segunda, la artista se centra en los dos protagonistas de la serie, una señora a la que se le cae el guante y un señor que patina detrás de ella y se agacha para recogerlo. En la tercera imagen, está sentado en la cama, el guante frente a él sobre las sábanas. Podemos concluir que no se lo ha devuelto a la dama, como exige la etiqueta, sino que lo ha guardado como recordatorio. Aparentemente, es un fetiche que alimenta su imaginación, que en las siguientes ocho imágenes lo enfrentará a una serie de sueños y pesadillas. Gradualmente, Klinger lleva al espectador de un evento cotidiano al mundo de lo fantástico.

 

2. Retrato Busto de Friedrich Nietzsche  

 

El filósofo Friedrich Nietzsche impactó enormemente el arte de Max Klinger y su cosmovisión personal. Se podría decir que el artista era admirador del filósofo e incluso tuvo sesiones en vivo con él para una serie de bustos. Después de la muerte de Nietzsche, se le pidió que hiciera una máscara mortuoria, pero no pudo hacer el encargo ya que vivía en París en el momento . Aunque la hermana del filósofo, la artista Elisabeth Förster-Nietzsche, terminó haciendo el busto, se le pidió a Klinger que reelaborara la máscara. Klinger describe la máscara en una de sus cartas: “Un rostro de agonía del alma tan ilimitada e inexpresable, sin distorsión, sin arrugas, solo la mayor profundidad de dolorosa resignación”.

 

Este busto de Friedrich Nietzsche se basa en un estudio en el que trabajó Klinger, alrededor de 1902, después de la muerte del filósofo. Muestra un rostro melancólico cuya mirada apunta hacia adentro. El busto muestra a un pensador que 'sabe', no a un orador. Es una de las imágenes más potentes de Nietzsche y contribuye en gran medida a las ideas de la apariencia del filósofo.

 

3. galatea

 

Una estatua de la diosa del mar Galatea fue realizado por Max Klinger en 1906. Es una mujer de casi cuatro pies de altura acompañada por un niño fundido en plata pulida y sentado en un trono de mármol. La estatua fue realizada para la prestigiosa exposición de arte contemporáneo alemán en Weimar.

 

Galatea es una de las cincuenta nereidas de la mitología griega y la diosa de los mares en calma. En el mito, su amante Akis fue aplastado bajo una roca por el Cíclope Polifemo después de que ella rechazó sus avances. Afligida por el dolor, transformó a su amante muerto en un arroyo.

 

La figura de Klinger resuena con el aura primordial de un ídolo. Galatea era conocida por el público alemán a través de la famosa descripción de Goethe de la triunfante Galatea en Fausto II : “Tumba en aspecto como los dioses, en una inmortalidad digna…” Junto con un niño varón, representa la unión arquetípica entre el cuerpo y la mente, lo femenino y lo masculino, la sexualidad y la psique, lo que significa que el arte de Max Klinger se inspiró en la filosofía de Nietzsche y El psicoanálisis de Freud .

 

4. la hora azul

 

El Hora azul , pintado en 1890, es uno de los cuadros más conocidos de Max Klinger y un elemento crucial para comprender el simbolismo alemán. La pintura se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Leipzig.

 

Simbolismo influyó mucho en el arte de Max Klinger, incluidos todos los diversos medios en los que dominaba. El Hora Azul muestra cómo Klinger se comunicó con el círculos de arte contemporáneo y sus ideas simbolistas. Para los pintores simbolistas, la luz y el color se fusionaron para convertirse en un medio de expresión por derecho propio, divorciado del tema de la imagen. Gracias a esto, la imaginería simbolista parecía eludir la percepción normal. Para dar a la imagen un estado de ánimo y ambiente particular, la paleta de Max Klinger Hora Azul está disminuido. Para los simbolistas, el color azul enfatiza la soledad, la melancolía y el anhelo. Un fuego oculto calienta la escena y arroja una luz parpadeante sobre los cuerpos de las mujeres, contrastando el color azul y evocando una sensación de calidez y pasión indefinible.

 

5. El Monumento a Beethoven

 

Hacia el apogeo de su carrera, cuando esperaba crear una obra de arte total (una obra de arte total), el arte y las ideas de Max Klinger sobre lo que es el arte se volvieron más complejos.

 

El arte multimedia de Max Klinger se personifica mejor en el monumento a beethoven , expuesta en la exposición de la Secesión de Viena en 1902. El propio artista financió la escultura, con la intención de rendir homenaje a un hombre considerado un genio musical. Es una escultura de tamaño natural de el compositor romántico alemán Ludwig van Beethoven .

 

Como modelo para el rostro, el artista utilizó la máscara mortuoria del compositor, que combinó con elementos artísticos tradicionales y simbolistas. Klinger hizo que la figura pareciera más realista al contrastarla con un trono de bronce y una “tela” sobre las rodillas de la figura. La iconografía de la estatua asociaba a Beethoven con figuras antiguas como Zeus y Prometeo . El aura de lo divino da la idea de la ofrenda privada de los artistas al dios de la música, similar a los obsequios votivos a las deidades presentados en las sociedades antiguas.

 

6. Sentencia de París

 

El Juicio de París es un tema común en la historia del arte, en el que un artista representa un episodio importante de la Guerra de Troya. El príncipe troyano París se sienta frente al tres diosas : Afrodita, Atenea y Hera, juzgando cuál es la más hermosa. El mensajero de los dioses, Hermes, parece desinteresado y mira a lo lejos.

 

La pintura se exhibió por primera vez en 1887 en el Palacio de Exposiciones del Estado en Lehrter Bahnof en Berlín. Tanto el público como la crítica reaccionaron con incomprensión y rechazo. Para un tema que es típicamente clásico y común, todavía no cumplió con los estándares del establecimiento artístico del siglo XIX. Klinger niega a las figuras femeninas cualquier idealismo e invierte las ideas de los roles de género del siglo XIX. sentado al lado Hermes , que no tiene elementos típicos de la iconografía, París parece avergonzado más que nada. La libertad con la que las diosas presentaron sus encantos a París conmocionó al público.

 

7. Una vida Serie

 

Mientras vivía en Berlín, el arte de Max Klinger se llenó cada vez más de problemas sociales contemporáneos. Su obra de crítica social fue deudora de su temprano interés por literatura francesa realista Y arte. El arte de Max Klinger se considera generalmente como el primer intento de los artistas visuales alemanes de abordar la cuestión social de la prostitución , destacando la hipocresía de la moral burguesa y las injusticias que sufren las mujeres de la ciudad.

 

A través de los quince grabados, la serie Una vida , publicado en 1884, muestra a una joven de clase media obligada a ejercer la prostitución después de que su pareja la deja embarazada y la abandona. A lo largo de la serie, se adentra más en las profundidades de la sociedad urbana, que la rechaza continuamente. Finalmente se la ve desnuda y exhausta en Atrapó , con una multitud de espectadores rodeándola. Ella se queda boquiabierta y ridiculizada por ellos. Su piel pálida contrasta con la tonalidad oscura del grupo, cuya individualidad desaparece en su entorno, sugiriendo apatía y crueldad.

 

8. Un amor Serie

 

El arte de Max Klinger también explora en profundidad los temas propios del movimiento simbolista contemporáneo. Él estaba familiarizado con Arnold Böcklin en 1887, considerado por los historiadores del arte uno de los representantes más importantes del simbolismo alemán. Ese mismo año, Klinger asumió La manera de Böcklin de presentar una narrativa .

 

Mientras vivía en Roma, Klinger produjo otro serie de impresión basada en la crítica social titulada Un amor . A través de los grabados, seguimos a una berlinesa moderna perseguida por un pretendiente. En el transcurso de la serie, él la seduce, la impregna y la abandona, dejándola morir en el parto. Podemos ver la influencia de Böcklin a través del abandono del naturalismo en la representación de una narrativa. En Un amor , la narración es más bien evocada, con ejemplos de una mujer guiada por una figura alegórica de la Vergüenza hacia la Muerte. Esta figura sombría arrebata a su bebé en la última escena.

 

9. Sobre la muerte II Serie

 

Durante la década de 1890, Klinger comenzó a trabajar en su último gran ciclo, Sobre la muerte II , que finalmente se publicó en 1910.

 

Para estas doce planchas, se basó en el tema bien establecido baile de la muerte (“danza de la muerte” o “danza macabra”) en el arte alemán. Como muchos artistas alemanes del siglo XIX, Klinger se interesó por este tema a lo largo de su carrera. Sobre la base de la tradición iconográfica de artistas del Renacimiento como Hans Holbein el Joven, sus grabados implican, en lugar de mostrar, la muerte como el último ecualizador.

 

la primera imagen, noble Noche (una obra maestra en sí misma), representa a un hombre, probablemente el propio artista, acostado junto a un camino iluminado por la luna, aparentemente contemplando el significado de la vida. Cuando el camino desaparece en la oscuridad, vemos un lirio y una mariposa, que simbolizan la pureza humana y el regreso del alma a sus orígenes al final de la vida.

 

Otro grabado de la serie es el Filósofo , que es considerada la mejor obra técnicamente de la serie. La figura del filósofo había dedicado toda una vida de labor intelectual a descubrir los secretos de las cosas. A pesar de todos sus esfuerzos, su espejo revela solo su yo inmutable e inalterable.

 

10. Obras inspiradas en el darwinismo

 

Similar a la filosofía de Friedrich Nietzsche, la teoría evolutiva de charles darwin jugó un papel importante en el arte y la cosmovisión de Max Klinger. El interés de Klinger por las obras de Darwin comenzó a la edad de dieciocho años. Su arte gráfico investiga los misterios del comportamiento y la psicología humanos, particularmente aquellos afectados por impulsos biológicos. Algunas de sus primeras artes gráficas de mediados de la década de 1870 documentan la teoría de Darwin sobre la lucha por la existencia y la lucha por la pareja.

 

El cuaderno de bocetos de Klinger de 1874 a 1877 contiene escenas de violencia y sexualidad, muchas de las cuales se convirtieron en fuentes para sus grabados posteriores. Obras como las goyescas. Caza de zorros , con animales perseguidos por bestias, o Buitres con una liebre muerta, documentar un incidente observado en el patio trasero de la casa de sus padres en Leipzig. El lado oscuro de la cadena alimenticia de la naturaleza se representa sombríamente en Siesta I , de su primera serie gráfica publicada, Bocetos grabados . En él, dos langostas disfrutan de una sobremesa junto al cadáver de un pescado que han consumido.