5 características que definieron el movimiento de arte rococó

El lado francés del movimiento de arte rococó representó solo una fracción de lo que el rococó en su conjunto tenía para ofrecer. Desde la sátira y la domesticidad hasta la religión, hay mucho más en este movimiento de lo que las obras esponjosas, lascivas y pastorales de Fragonard o Boucher te harían creer. El rococó era algo más que asuntos sin sentido y la vida elegante de la aristocracia. ¡Tiene muchas más capas de lo que uno podría pensar!

1. Domesticidad y lo mundano en el arte rococó

el pastor clemente , de François Boucher, 1736-1739, imagen escaneada de Nineteenth-Century European Art: Third Edition

¿Qué tiene de fascinante Jean-Baptiste-Simeon Chardin es que se siente como un prefacio temprano a la movimiento realista . Hay una suavidad en sus pinturas que aún da un aire de calidez que la aristocracia querría ver en el arte con personas de clase baja como tema. Sin embargo, la falta de ornamentación y detalles dramáticos hace que parezca la pieza menos rococó de la que se hablará, especialmente por rococó francés estándares

El arte rococó francés era más conocido por la frivolidad y la romantización de la vida cotidiana, pero rara vez se trataba de la misma manera mundana que Chardin. En el otro extremo del espectro estaba François Boucher, quien se destacó en romantizar el ámbito cotidiano y hacerlo palpable y atractivo para los ricos y acaudalados. Su trabajo el pastor clemente es un ejemplo perfecto. A pesar de que Chardin era francés, tomó una dirección completamente diferente con su trabajo.

Gracia por Jean-Baptiste-Simeon Chardin , 1740, a través del sitio web de las colecciones del Louvre

Su Gracia centrado en la domesticidad de la clase burguesa, como muchas de sus obras, que atrajo a la aristocracia. Este trabajo bastante mundano y modesto era tan diferente de lo que era típico durante el Rococó francés que la aristocracia no pudo evitar interesarse. Representa a una madre animando a sus hijos a decir su oración diaria durante el almuerzo, y revela una modestia para Tercer Estado vida familiar que era admirable.

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Durante este tiempo hubo poca o ninguna documentación de los empobrecidos, a través del arte, porque no era un tema que se considerara apropiado para los ojos de los ricos y acaudalados; entonces, cuando vieron esta pintura por primera vez, asumieron que era una familia de campesinos, en lugar de una familia de clase trabajadora decentemente acomodada. La mayor parte de la clase alta vivía vidas de ignorancia y suposición, en este sentido.

Gracia (Primer plano) de Jean-Baptiste-Siméon Chardin , 1740, a través del sitio web de las colecciones del Louvre

Es aún más evidente en este trabajo que Chardin tiene una inclinación por el realismo y la atención al detalle al observar el simple detalle del vapor agregado sobre la comida. Esta sensación de realismo hace creer al espectador que Chardin estuvo allí y vio a esta familia con sus propios ojos. Pudo mostrar una representación precisa de la vida doméstica mundana con cuidado. También está la olla en la parte inferior derecha, el ligero brillo en el borde y el deslustre pueden ayudarlo a sentir que está observando una escena y no una imagen.

bodegón con frasco de vidrio y fruta por Jean-Baptiste-Simeon Chardin , 1728, a través de la Galería de Arte Estatal de Karlsruhe

Otro aspecto sorprendente de las obras rococó de Chardin fue que reflejaban Bodegón holandés pinturas Su bodegón con frasco de vidrio y fruta es otra pieza que establece aún más su inmensa atención al detalle. Desde las crestas de la fruta hasta su reflejo en el matraz, Chardin se aseguró de documentar cada detalle con su pincel. Algo que fácilmente se podría haber pasado por alto, como el reflejo distorsionado de la naranja en la copa de plata, fue representado con destreza. Si bien el arte rococó francés típico está orientado a los detalles, nunca lo fue para temas tan mundanos, y Chardin reveló otra forma en que se podría representar el rococó.

2. Imaginería religiosa y frescos épicos

La Inmaculada Concepción por Giovanni Battista Tiépolo , 1767-1769, via Museo del Prado, Madrid

Cuando miras el arte rococó francés, no suele haber esta atención a la iconografía y las imágenes religiosas, a menos que tenga cualquier cosa que ver con los dioses griegos y romanos. Sin embargo, la imaginería cristiana y católica no prevalecía en absoluto. Seguro que la gente iba a la iglesia y podía apreciar un buen fresco cualquier día, pero durante su tiempo libre, la piedad era la menor de sus preocupaciones, ¡porque había demasiada diversión!

Esto podría verse como irónico porque tienes piezas como La Inmaculada Concepción del artista rococó italiano Giovanni Battista Tiépolo . Partiendo de la suposición de que era católico, como la mayoría de sus cohortes venecianas, no debería sorprender que se tomara en serio la imaginería religiosa y apreciara las obras del Eras del arte clásico y alto renacentista , que se manifiesta fuertemente en su obra.

Institución del Rosario por Giovanni Battista Tiepolo, 1738-1739, imagen escaneada de Arte europeo del siglo XIX: Tercera edición

Su Institución del Rosario es una maravillosa mezcla de arte rococó y los clásicos. Tiene la sensación ligera y aireada que se espera de Rococó, a diferencia de su trabajo anterior durante su fase de experimentación y tenebrismo. El cambio se puede atribuir a su fascinación por las obras de paolo veronese visto en el Palacio Undine. Este fresco del techo conmemoraba el advenimiento de las prácticas devocionales en la Iglesia Católica, desde la oración hasta las meditaciones, las cuales eran ayudadas por el rosario. El fresco da la ilusión de mirar hacia el cielo abierto, más allá del reino primitivo. Él usa sin problemas trampantojo a lo largo de la pintura.

Institución del Rosario (Primer plano) de Giovanni Battista Tiepolo, 1738-1739, imagen escaneada de Arte europeo del siglo XIX: Tercera edición

Hay tantos detalles en esta obra de arte porque comunica la institución real del rosario como un cuento épico. En la parte superior de las escaleras, Santo Domingo entrega rosarios a aquellos que desean escapar del dolor y el pecado del reino terrenal y ser bienvenidos al cielo a través de la práctica religiosa y la fe. Abajo, si miras de cerca el fondo, hay una mano descolorida y de aspecto fantasmal que emerge de la oscuridad como si también fuera a ascender a los cielos.

Esto es evidente debido a que la Virgen María y el niño Cristo se ciernen sobre él en el reino de los cielos con ángeles. La ilusión del fondo que se derrama desde el fresco conecta la pintura con los espectadores en el sentido de que toca nuestro reino y agrega interés. Debido a su técnica, el arte mismo se convierte en una metáfora visual; guía nuestros ojos para ver el transporte del alma que es conducido por la religión de la tierra al cielo.

Institución del Rosario (Primer plano II) de Giovanni Battista Tiepolo, 1738-1739, imagen escaneada de Arte europeo del siglo XIX: Tercera edición

Por último, existe la teoría de que este fresco pretendía ser propaganda religiosa. Esta obra de arte es una respuesta a la Contrarreforma de la Iglesia. El uso de imágenes tentadoras y trampantojos fue para que la iglesia católica pudiera traer de vuelta a más personas del sistema de creencias protestante que fue el resultado de la Reforma. En la fe protestante, existe la creencia de que no hay necesidad de imágenes en una fe tan romántica como en la fe católica. En ese sentido, se puede decir que la Iglesia tuvo la ventaja porque debido a la curiosidad humana había más comodidad en lo conocido que en lo desconocido. Usar su trabajo de esta manera alinea a Tiepolo más con los ideales acérrimos de William Hogarth, que significaba enviar mensajes a través del arte en lugar de solo apelar a los caprichos de la aristocracia.

La apoteosis de la monarquía española por Giovanni Battista Tiépolo , década de 1760, a través del Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

La apoteosis de la monarquía española es más de lo que esperarías ver en las imágenes religiosas del movimiento de arte rococó, pero incluso entonces, la naturaleza épica cambia el peso del fresco. No es lo mismo ver casualmente a una Venus modesta que ver a tu monarquía equiparada a los dioses. Los frescos de Tiepolo contribuyeron al fortalecimiento de la influencia de la Iglesia Católica y el poder de las enseñanzas de Dios. No solo eso, ayudó a elevar a los aristócratas en lugar de simplemente entretenerlos y halagarlos.

3. La teatralidad de lo cotidiano en el rococó francés

huevos rotos por Jean-Baptiste Greuze , 1756, a través del Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

Al igual que Chardin, vemos destellos de lo cotidiano en el arte de Jean-Baptiste Greuze. Sin embargo, a diferencia de Chardin, greuze dramatiza la vida de la gente común en lugar de simplemente representarla casualmente. Hay más del teatro que se espera del movimiento de arte rococó. Sus pinturas tienen un sentimiento más neoclásico que las obras de Chardin, lo que da crédito a cómo las personas ricas tenían un interés en la vida de la clase media de la manera más superficial.

La nobleza quería ser entretenida, sobre todo. No importaba la precisión, lo que importaba era la historia y el atractivo estético, por eso las obras de Guillermo Hogarth desconcertó e insultó a muchos. de Greuze huevos rotos se trata de la indignación de una familia por la pérdida de la virginidad de su hija. Por lo tanto, se transmite una metáfora a través de los huevos rotos esparcidos, que los aristócratas encontraron divertidos en su escándalo. Greuze todavía apelaba al drama que a los ricos les encantaba del rococó francés.

La maldición del padre – El hijo desagradecido por Jean-Baptiste Greuze , 1777, a través del sitio web de las Colecciones del Louvre

La maldición del padre – El hijo desagradecido es otro excelente ejemplo de las escenas escandalosas en las que prosperó la aristocracia. En esta pintura, el hijo desea dejar atrás a su familia para unirse al ejército, mientras que toda su familia se opone. Hay ira, frustración y miedo que emanan de esta pintura. También hay diversión si miras hacia el extremo derecho, donde el amigo del hijo mira entretenido por el absurdo del momento. Los movimientos dramáticos que crea Greuze recuerdan al Neoclásico y Barroco obras que igualmente entretienen en un nivel superficial y alegórico. Al crear este efecto, Greuze pudo elevar la vida de la clase baja.

4. Retrato y tema innovadores

Alegorías de los Cuatro Continentes: Personificación de América by Rosalba Carriera , antes de 1720, vía The Cooper Hewitt Collection

lo que establece Rosalba Carriera’s trabajo aparte de De La Tours y demás, es su delicada sutileza cuando se trataba de cómo combinaba colores y atención al detalle, sin idealizar por completo a sus sujetos. Su Alegorías de los cuatro continentes La serie es un buen ejemplo de esto. Sus obras de arte son un equilibrio de forma realista e ideal, a diferencia de muchas obras rococó francesas que buscan transmitir solo una forma ideal. También se aseguró de usar pequeños detalles en sus pasteles para dar una idea de los asuntos de su tema en lugar de revelar todo como solían hacer muchas piezas rococó. Es evidente que utilizó una paleta restringida para lograr este nivel de equilibrio y unidad en las obras individuales.

Alegorías de los Cuatro Continentes: Personificación de África by Rosalba Carriera , antes de 1720, a través del sitio web del Smithsonian

A diferencia de muchos pintores antes que ella, Carriera no tuvo reparos en pintar casualmente temas extranjeros. Parece que cada vez que se representaba a un extranjero era porque se estaba muriendo, siendo villano, empobrecido o sexualizado, pero Carriera le dio a sus espectadores algo diferente. Eso no quiere decir que todos Sin embargo, los artistas permanecieron dentro de estas casillas. Retrato de Jean-Baptiste Belley de Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson es un buen ejemplo de pintar respetuosamente un tema extraño. Pero luego, en el otro extremo, tienes su La rebelión de El Cairo , que es la guerra y la muerte y la villanización de los extranjeros. Carriera ayudó a contribuir a los aspectos más sutiles del rococó en lugar del drama y los accesorios mínimos, probablemente inspirando a personas como Chardin con las formas en que retrató a sus modelos de una manera más simple que sus colegas.

5. Juicio y cinismo en el arte rococó

Antes por William Hogarth , 1736, a través del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York

William Hogarth, el rey rococó de la amargura y la sátira, es un excelente ejemplo de lo que la gente no piensan cuando piensan en el arte rococó. No hay adornos, no hay cobertura de azúcar, solo la cruda verdad de la vida en la clase alta. Cuando nos brindan imágenes de mujeres de William Hogarth, se muestran miserables o en un estado de manía. Representa a las mujeres de una manera en la que nunca son felices o, si lo son, es esencialmente la calma antes de la tormenta. Este coqueteo no se parece en nada a las obras de Jean-Honoré Fragonard . No hay romance, solo la incomodidad de una mujer y el impulso de un hombre para satisfacer sus impulsos sexuales, independientemente de cómo se sienta la mujer. En Antes, la falta de entusiasmo de la mujer es aún más evidente en el libro sobre la piedad en su vanidad.

Después por William Hogarth , 1736, a través del Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

El otro grabado de Hogarth, apropiadamente llamado Después es la segunda parte de Antes . Hay una falta de especias y pelusa en el asunto que se considera típico del movimiento de arte rococó. No parece que la mujer se divirtiera, solo que el hombre se había llenado, subiéndose los pantalones a toda prisa para irse. Suuso característico del perrotransmite la inestabilidad en su relación, primero en Antes con él ladrando salvajemente a los dos, al perro de espaldas en este trabajo, con una tranquila aceptación pero decepción. No sorprende que el quid de la interpretación del rococó de Hogarth sea esencialmente darle la vuelta a todo, desde el rococó francés. Estaba empeñado en cambiar lo que debería ser el movimiento de arte rococó, en todas sus obras de arte cínicas.