Las maravillas del arte óptico: 5 características definitorias

Vista de instalación de Peter Kogler en Galerie Mitterrand , 2016; con Epoff de Víctor Vasarely, 1969; y Relatividad por M.C. Escher, 1953

Las ilusiones ópticas han fascinado a los artistas durante siglos, pero fue solo a partir de la década de 1960 que el término Arte óptico u Op Art se reconoció como un movimiento artístico verificable por derecho propio. Esta rama de la práctica artística explora las maravillas mágicas de las ilusiones ópticas, excitando los sentidos e interrumpiendo nuestras percepciones fisiológicas y psicológicas con patrones extraños que provocan hinchazón, deformación y desenfoque, o crean aterradoras ilusiones de profundidad, luz y espacio. Ver estas obras de arte puede ser una experiencia verdaderamente alucinante, que nos saca del mundo ordinario y nos lleva a los reinos de lo surrealista y fantástico. En este artículo examinamos cinco de las características más comunes que han definido el Arte Óptico en los tiempos modernos y contemporáneos. Pero primero, echemos un vistazo a la evolución histórica del Arte Óptico y los artistas que allanaron el camino para los practicantes de hoy.

La historia del arte óptico

los embajadores de Hans Holbein el Joven , 1533, vía The National Gallery, Londres

Aunque podríamos pensar en los patrones y colores enloquecedores del arte óptico como un fenómeno contemporáneo, los efectos ópticos han sido un hilo vital de la historia del arte desde la época del Renacimiento. Algunos incluso podrían decir que el descubrimiento de la perspectiva lineal a principios del Renacimiento fue el primer efecto óptico que apareció en el arte, lo que permitió a los artistas crear la ilusión óptica de profundidad y espacio como nunca antes. La cámara oscura también era una herramienta popular entre artistas del renacimiento , lo que les permite alcanzar niveles asombrosos de realismo al proyectar la vida real en el lienzo a través de una lente estenopeica. Algunos incluso experimentaron cómo un cuarto oscuro podría crear extraños efectos de anamorfosis en su trabajo, como Hans Holbein el Joven famosa pintura enigmática los embajadores, 1533, en el que un cráneo distorsionado estirado en primer plano solo se puede ver correctamente desde un ángulo lateral.

entrada al puerto por Georges Seurat , 1888, en la Colección y Museo de Arte Moderno Lillie P. Bliss, vía The New York Times

En el siglo XIX, los artistas puntillistas Jorge Seurat y Paul Signac experimentaron con los efectos ópticos del color, explorando cómo los patrones de pequeños puntos en colores puros y sin mezclar colocados uno al lado del otro podrían 'mezclarse' en el ojo cuando se ven desde la distancia. En las pinturas de Seurat, estos puntos brillantes formaban una 'neblina de calor' fascinante y vertiginosa que disolvía los bordes entre los objetos y el espacio que los rodeaba.

Otros artistas e ilustradores de la misma época jugaron con dualidades surrealistas, donde una misma imagen podía contener dos puntos de referencia distintos, como por ejemplo NOSOTROS. Sierras mujer joven mujer mayor , y de edgar rubin Jarrón, 1915 – Imágenes como estas eran juegos de salón populares, en lugar de obras de arte serias. Pero uno de los artistas más fascinantes que trajo tales ideas al mundo del arte fue el artista gráfico holandés. M.C. Escher, cuyas obras de arte hábiles e imposiblemente surrealistas ilustran un universo vertiginosamente complejo de patrones teselados y realidades alternativas.

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Relatividad por M.C. Escher , 1953, a través de la Radio Pública de New Hampshire

A mediados del siglo XX se produjo una explosión de interés por el arte óptico en toda Europa y más allá; los artistas se sintieron cada vez más atraídos por los mundos de la ciencia, el color y la óptica en un momento en que se estaban realizando avances en la informática, la industria aeroespacial y la televisión. En la década de 1960, el arte óptico había surgido como un movimiento artístico por derecho propio, con artistas como Bridget Riley, Victor Vasarely y Jesus Rafael Soto que realizaban experimentos audaces en el ámbito de la óptica, cada uno con sus propios lenguajes distintivos de geometría abstracta.

El Arte Óptico surgió en la línea de arte cinético, con ambos estilos compartiendo fascinaciones con la tecnología y el movimiento, pero el arte óptico se centró más en formas de arte bidimensionales que tridimensionales. En la época contemporánea, todo esto ha cambiado, ya que los artistas de hoy han ampliado los efectos ópticos vertiginosos en una amplia gama de contextos, desde los espacios de las galerías hasta las calles de la ciudad. Entonces, ¿cómo es exactamente el arte óptico? Aquí hay cinco de las características definitorias que componen este fascinante escenario, junto con algunas de las obras de arte más famosas del mundo.

geometría extraña

Epoff por Víctor Vasarely , 1969, a través de Christie's

Los patrones geométricos son un componente importante en gran parte del arte óptico, lo que permite a los artistas experimentar cómo los arreglos complejos de líneas, colores y patrones pueden pulsar o hincharse en una superficie plana. Como influenciado por las realidades alternativas de M.C. Escher, varios artistas de Op. Sys. de la década de 1960 también jugaron con patrones teselados repetidos, tirando de ellos o estirándolos en nuevas y atrevidas direcciones. El pintor pionero francés Victor Vasarely realizó diseños deslumbrantes durante las décadas de 1960 y 1970 que parecen expandirse desde una superficie plana hacia el espacio exterior, como se ve en Epoff, 1969. A veces conocido como el 'abuelo' del Op Art, su pintura innovadora es ahora mundialmente conocida por su ingenio técnico e inventivo. Es famosa su observación: Experimentar la presencia de una obra de arte es más importante que comprenderla.

Progresión policromada por Jean-Pierre Yvaralh , 1970, a través de Christie's

El hijo de Vasarely, Jean-Pierre Yvaral, siguió los pasos de su padre en las décadas de 1970 y 1980, creando esquemas complejos de color y luz que parecen vibrar con energía resplandeciente. Las líneas horizontales y verticales que fluyen sugieren ondas ondulantes de movimiento, mientras que las modulaciones sutiles y parpadeantes de la luz crean efectos visuales resplandecientes y vertiginosos, como se ve en Progresión, policromía, 1970.

Movimienot

Cambio por Bridget Riley , 1963, vía Sotheby's

El movimiento ha sido una característica clave del arte óptico desde la década de 1960, con varios artistas explorando cómo inducir movimiento en una superficie plana a través de arreglos dinámicos de forma y color. La artista británica Bridget Riley es una de las más conocidas: durante las décadas de 1960 y 1970 estuvo fascinada con el sorprendente efecto óptico de los diseños en blanco y negro de alto contraste, explorando cómo las líneas onduladas y los patrones cerrados y repetidos podían invocar la sensación ondulante de movimienot. Sus pinturas eran tan poderosas visualmente que podían causar hinchazón, deformación, destellos, vibraciones o incluso inestabilidad, imágenes secundarias y desmayos. Más tarde, Riley pasó a experimentar con el color, inspirándose en los efectos de 'calor-neblina' de Georges Seurat creados al colocar colores complementarios uno al lado del otro, una práctica que incorporó a sus patrones geométricos característicos.

Spirales 1955 (del Portafolio Sotomagie) by Jesus Rafael Soto , 1955, a través de Christie's

El artista venezolano Jesús Rafael Soto también estaba fascinado por la invocación del movimiento en el arte, experimentando cómo las formas y líneas que se cruzan pueden inducir efectos visuales confusos y desorientadores en formas bidimensionales y tridimensionales. en su serie espirales, 1955, el movimiento se crea superponiendo círculos blancos concéntricos sobre una serie de círculos negros. La oposición de óvalos aplanados negros con oblongos altos y blancos provoca fricción y una borrosidad radial si los círculos han comenzado a girar y ponerse en movimiento.

La ilusión de la profundidad

Galería Marion, Mural de Panamá por 1010 , 2015, vía Arch Daily

Otro tropo popular para los artistas de Op es la ilusión de profundidad, un efecto que a veces es tan extremo que induce fuertes sentimientos de vértigo. Esta rama del arte óptico es un fenómeno más reciente que ha aparecido en una variedad de contextos, desde las esquinas de las calles hasta las paredes de las galerías. El artista de graffiti alemán anónimo conocido como 1010 hace arrestos instalaciones en sitios públicos de arte que amplían la geometría distorsionada de Vasarely. En las paredes planas, crea la ilusión de túneles cavernosos o cuevas que nos atraen hacia ellos con capas apiladas de colores brillantes y una iluminación dramática de claroscuro, llevándonos hacia su centro oscuro y misterioso.

Ventaja por Aakash Nihalani , 2014, vía Colossal Magazine

El artista estadounidense Aakash Nihalani también realiza instalaciones audaces y deslumbrantemente brillantes que parecen abrir espacio en un plano plano. Trabajando con formas geométricas simples pintadas con contornos caricaturescos y paneles de colores brillantes y ácidos, sus relámpagos, cajas, ventanas e interruptores de luz imaginarios crean nuevas puertas de entrada a las paredes blancas. Estos elementos los animan con un sentido de la diversión juguetón, ridículo y extremadamente grande. A veces trae elementos tridimensionales construidos, como se ve en Ventaja, 2014, donde una veta de electricidad simulada hecha de madera pintada une las dos paredes opuestas de la galería.

Choque de color e impresión

Dimensión (atrás) por Jen Stark , 2013, vía Revista de instalación

Sobre la base del legado de Bridget Riley y Victor Vasarely, muchos de los artistas de Op. Sys. actuales juegan con la discordante disonancia creada al yuxtaponer colores y estampados en conflicto dentro de una sola obra de arte. La artista estadounidense Jen Stark es ampliamente reconocida por sus arreglos fantásticamente brillantes de patrones y colores, que toman la influencia de los sistemas visuales del crecimiento de las plantas, la evolución, el infinito, los fractales y las topografías. Construidas en capas tridimensionales, sus obras invitan a ser vistas desde múltiples ángulos, animándonos a movernos alrededor de ellas para crear efectos visuales parpadeantes y resplandecientes, como se ve en Dimensión (atrás), 2013.

Cromointerferencia espacial by Carlos Cruz Diez , 2018, en Buffalo Bayou Park Cistern, vía The Houston Chronicle

El artista latinoamericano Carlos Cruz Diez también ha llevado el arte óptico a los reinos tridimensionales, explorando cómo las exhibiciones caleidoscópicas de colores estampados pueden transformar nuestra comprensión del espacio. Además de crear amplias instalaciones de arte público pintadas con patrones vivos de Op Art, también ha creado laberintos de luz de colores que él llama cromosaturaciones, sumergiendo los espacios de la galería en exhibiciones prismáticas de patrones brillantes. El escritor Holland Cotter describe ver las obras: La sensación es ligeramente desorientadora, mareante, como si la gravedad hubiera sido manipulada.

Luz y espacio

La Vilette en Suites por Felice Varini , 2015, vía Colossal Magazine

Se han incorporado cualidades escurridizas de luz y espacio en muchas de las obras de arte óptico más poderosas de la actualidad, particularmente en la práctica del artista suizo Felice Varini. Al igual que los artistas de Op. Op. de generaciones anteriores, juega con los lenguajes geométricos de los círculos concéntricos, las líneas onduladas y los patrones repetidos, pero lleva estas nociones al mundo real, expandiéndolas hacia el exterior a través de enormes espacios abiertos. Pintados con colores vivos y sintéticamente brillantes en espacios grises e industrializados, sus patrones parpadeantes traen luz, color y vida a espacios que de otro modo serían aburridos o monótonos. Al igual que la anamorfosis del siglo XVI de Hans Holbein, las vetas de color cuidadosamente pintadas de Varini solo se juntan cuando se ven desde cierto punto de vista, como se ve en La Vilette en Suites, 2015.

El futuro del arte óptico

Vista de instalación de Peter Kogler en Galerie Mitterrand , 2016, vía Galerie Mitterrand, París

Mirando hacia el futuro, muchos de los actuales artistas contemporáneos están explorando cómo tecnología digital puede mejorar el alcance y la gama del Arte Óptico mientras continúa expandiéndose en el espacio tridimensional. Un buen ejemplo es el artista austriaco Peter Kogler, quien trae líneas y patrones sorprendentemente complejos y deformados en entornos inmersivos y que lo abarcan todo, que parecen hincharse y pulsar dentro y fuera de las paredes planas. Diseñados en una computadora, sus patrones únicos han tomado una amplia variedad de formatos que incluyen grabados, esculturas, muebles, papel tapiz, accesorios de iluminación, collages e instalaciones digitales del tamaño de una habitación. Sus visiones fantásticamente surrealistas son como asomarse a un futuro desconocido, donde podemos caminar directamente a los reinos de la realidad virtual.