Richard Serra: el escultor de ojos acerados

Richard Serra domina el tiempo y el espacio a la perfección a través de la escultura de acero. Desde su ciudad natal de San Francisco hasta áreas remotas de Nueva Zelanda, el artista ha poblado pintorescos panoramas de todo el mundo con sus formidables instalaciones. Su potente personalidad sigue despertando una curiosidad similar.

Primeros años de Richard Serra

ricardo serra , 2005 Guggenheim Bilbao

ricardo serra creció como un espíritu libre en San Francisco durante la década de 1930. Jugando entre las dunas de arena en su propio patio trasero, tuvo poca exposición a las bellas artes en los primeros años de su vida. Pasó tiempo con su padre inmigrante de clase trabajadora, instalador de tuberías en un astillero marino local. Serra recuerda uno de sus primeros recuerdos en la base al presenciar el lanzamiento de un petrolero, donde quedó instantáneamente hechizado por su considerable entorno. Allí, miró con anhelo el casco del barco, admirando su robusta curva mientras zumbaba en el agua. Toda la materia prima que necesitaba está contenida en la reserva de esta memoria, afirmó Serra en su vejez. Esta aventura finalmente aumentó su confianza en sí mismo lo suficiente como para comenzar a dibujar, experimentando con su feroz imaginación. Más adelante en la vida, volvería a visitar estas fascinaciones a través de alusiones obvias a sus días junto a su padre en Marine Shipyard en San Francisco.

donde entrenaba

Interacción de color por jose albers , publicado en 1963, Yale University Press

California también sirvió como base de operaciones durante su entrenamiento inicial a fines de la década de 1950. Serra obtuvo una licenciatura en inglés de UC Berkeley antes de transferirse a su campus de Santa Bárbara, donde se graduó en 1961. Su interés por el arte aumentó particularmente mientras asistía a Santa Bárbara, debido a sus estudios con los famosos escultores Howard Warshaw y Rico Lebrun. Posteriormente, obtuvo su M.F.A. de Yale, durante el cual conoció a los contemporáneos Chuck Close, Brice Marden y Nancy Graves. (En particular, los consideraba a todos mucho más avanzados que él). En Yale, Serra también se inspiró mucho en sus maestros, principalmente en el pintor abstracto de renombre mundial Josef Albers. En 1963, Albers estimuló la creatividad de Serra al solicitarle que revisara por pares su interacción de color, un libro sobre la enseñanza de la teoría del color. Mientras tanto, también trabajó arduamente en acerías para mantenerse durante todo su mandato educativo. Esta ocupación única sentaría las bases de la próspera carrera escultórica de Serra.

Grande Femme III por Alberto Giacometti , 1960, y Esquina Bisecada: Cuadrado por Ricardo Serra , 2013, exposición conjunta de Gagosian Galleries y Fondation Beyeler, Basilea

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En 1964, Serra obtuvo una beca de viaje de Yale para estudiar en el extranjero en París durante un año. Al mantenerse en contacto con sus compañeros de clase desde casa, también encontró una fácil introducción a la esfera contemporánea de la ciudad. Su futura esposa, Nancy Graves, le presentó al compositor Phil Glass, quien pasó un tiempo con la directora Nadia Boulanger. Juntos, el grupo frecuentó el legendario abrevadero intelectual de París, El domo , donde Serra conoció al escultor suizo Alberto Giacometti. Pronto descubrió una fuente de influencia aún más valiosa. En el Museo Nacional de Arte Moderno, Serra pasó horas esbozando ideas aproximadas dentro del estudio reconstruido del difunto escultor Constantin Brancusi. También tomó prolíficas clases de dibujo al natural en Academia de la Grande Chaumière , sin embargo, prevalecen pocas reliquias de este período de tiempo. Rodeado de nuevos medios, el artista despertó creativamente en París, aprendiendo de primera mano con qué elegancia una escultura puede dictar el espacio físico.

Su primer show individual fallido

Folleto para Exposición individual en la galería La Salita por Ricardo Serra , 1966, Archivos SVA

Una beca Fulbright llevó a Richard Serra a Florencia en 1965. En Italia, juró abandonar por completo la pintura y, en cambio, centró su atención en la escultura a tiempo completo. Serra remonta su transformación exacta a cuando visitó España, tropezando con el maestro de la Edad de Oro. Diego Velazquez y su icónico Las Meninas . A partir de entonces, resolvió evitar el simbolismo complejo, preocupado por la materialidad, y menos por las ilusiones bidimensionales. Sus creaciones posteriores, denominadas ensamblajes, comprendían madera, animales vivos y taxidermia, yuxtapuestos para provocar reacciones emocionales extremas. Y Serra hizo precisamente eso cuando exhibió estas provocaciones enjauladas durante su primera exposición individual en la galería de Roma. La Salita in 1966. No solo lo hizo Tiempo escribió una crítica mordaz sobre la horrible debacle, pero la indignación pública de los artistas italianos locales también resultó ser demasiado para Roma. La policía local cerró La Salita antes de que Richard Serra causara su conmoción muy publicitada.

Cuando se mudó de regreso a los EE. UU.

lista de verbos por ricardo serra , 1967-68, MoMA

Nueva York conoció a Richard Serra con más entusiasmo ese mismo año. Al establecerse en Manhattan, rápidamente se entusiasmó con la escena vanguardista de la ciudad, entonces dominada por los minimalistas que legitimaron la escultura como inherentemente valiosa, independientemente de su capacidad para articular los problemas internos de uno. De hecho, el precursor Robert Morris incluso invitó a Serra a participar en una muestra colectiva minimalista en Galería Leo Castelli ; y apoyó su trabajo junto a voces influyentes como donald judd y y Flavin. Sin embargo, lo que al artista le faltaba en un brillo acorde lo compensaba con un valor intrépido. Como dijo el propio Serra, su obra difería fundamentalmente de la de sus compañeros porque quería bajar y ensuciarse. Para sobresalir entre la multitud, posteriormente acuñó una ahora legendaria letanía de verbos intransitivos titulada deslumbrado , garabateado con acciones manuales como dividir, rodar y enganchar. Este precursor de Process Art también serviría como un modelo simple para la lucrativa carrera de Serra por venir.

Primeras esculturas de la década de 1960

Apoyo de una tonelada por ricardo serra , 1969, MoMA

Para probar su filosofía experimental, Serra recurrió a materiales eclécticos como el plomo, la fibra de vidrio y el caucho. Su entorno multimedia también había afectado profundamente su visión de la escultura, particularmente su propensión a empujar a los espectadores más allá de los límites visuales de una pintura. Entre 1968 y 1970, Serra crea una nueva serie escultórica, Chapoteo , vertiendo plomo fundido sobre una esquina donde chocaron la pared y el piso. Eventualmente, sus canales captaron la atención del devoto Jasper Johns, quien luego le pidió que recreara su serie en el estudio de John's Houston Street. Ese mismo año, Serra también dio a conocer su famoso Apoyo de una tonelada , una estructura de aleación y plomo de cuatro placas apiladas para parecerse a un inestable castillo de naipes. Aunque parecía que podría derrumbarse, en realidad era independiente. Podrías ver a través de él, mirarlo, caminar alrededor de él, comentó Richard Serra sobre su producto geométrico previsto. No hay forma de evitarlo. Esta es una escultura.

Cambio específico del sitio de la década de 1970

Cambio por Ricardo Serra , 1970-1972

Richard Serra alcanzó la madurez durante la década de 1970. Su primera divergencia metodológica se remonta a cuando ayudó a Robert Smithsonian con Embarcadero en espiral (1970), un remolino construido con seis mil toneladas de rocas negras. Avanzando, Serra contempló la escultura en relación con la especificidad del sitio, reflexionando sobre cómo el espacio físico se cruza con el medio y el movimiento. Provocando una sensación de gravedad, vitalidad y masa, su escultura de 1972 Cambio demuestra mejor esta desviación hacia obras al aire libre a gran escala. Sin embargo, la mayoría de estos primeros arquetipos no se crearon en los EE. UU. En Canadá, Serra instaló seis losas de concreto en la granja del coleccionista de arte Roger Davidson para acentuar los contornos y zigzags de su paisaje accidentado. Luego, en 1973, instaló su escultura asimétrica Alargar en el Museo Kroller-Muller en los Países Bajos. El trío de placas de acero obligó a los transeúntes a detenerse, reflexionar y reubicarse para poder percibirlo correctamente. Desde Alemania hasta Pittsburgh, Richard Serra completó su década disfrutando de un éxito considerable en todo el mundo.

Por qué Richard Serra causó controversia

Arco inclinado por Ricardo Serra , 1981

Pero controversia lo acosó en la década de 1980. Después de disfrutar de una recepción positiva en los EE. UU., Serra provocó un gran revuelo en su terreno de Manhattan en 1981. Comisionado como parte de un Servicio General de los EE. UU. arte-en-arquitectura iniciativa, instaló una escultura de acero de 12 pies de altura y 15 toneladas, Arco inclinado , diseccionando la Plaza Federal de Nueva York en dos mitades alternas. En lugar de centrarse en la distancia óptica, Serra buscó alterar por completo la forma en que los peatones navegaban por la plaza, eliminando por la fuerza la inercia para impulsar la actividad. Sin embargo, la protesta pública evitó de inmediato la intrusión en un viaje matutino ya agitado y exigió que se retirara la escultura antes de que Serra completara la construcción. arco inclinado El escrutinio internacional inevitablemente presionó al gobierno municipal de Manhattan para celebrar audiencias públicas para decidir su destino en 1985. Richard Serra testificó con aplomo sobre el eterno entrelazamiento de la escultura con su entorno, proclamando su cita más famosa hasta la fecha: quitar la obra es destruirla.

Fondo de defensa de arco inclinado por ricardo serra , 1985, Fundación para las Artes Contemporáneas, Ciudad de Nueva York

Desafortunadamente, ni siquiera un axioma convincente podría persuadir a los neoyorquinos a buscar sangre. A pesar de que Serra demandó a los Servicios Generales de EE. UU., la ley de derechos de autor determinó Arco inclinado pertenecía al gobierno y, por lo tanto, debería manejarse en consecuencia. En consecuencia, los trabajadores del almacén desmantelaron su notoria losa en 1989 para transportarla a un almacenamiento fuera del estado, para nunca volver a salir a la superficie. No obstante, la debacle de Serra planteó preguntas más amplias dentro discurso crítico del arte público , principalmente el de la participación del espectador. ¿Quién es el público de una escultura al aire libre? Los críticos creían que las piezas fabricadas para plazas públicas, parques municipales y sitios conmemorativos debían asumir la responsabilidad de mejorar una comunidad determinada, no interrumpirla. Los partidarios mantuvieron el deber de una obra de arte de ser audaz y sin disculpas. Mientras reconsideraba las variaciones socioeconómicas, educativas y étnicas de su audiencia, Serra salió del incidente con una noción más clara de exactamente para quién debería crear arte. Partió entonces para distinguir su nuevo repertorio a lo largo de las décadas siguientes.

Esculturas Recientes

Elipse torcida por ricardo serra , 1996 Guggenheim Bilbao

Richard Serra continuó creando esculturas de acero Corten a gran escala durante la década de 1990. En 1991, Storm King lo invitó a honrar su propiedad con tenedor schunnemunk, cuatro placas de acero colocadas entre exuberantes colinas ondulantes. Serra también tomó un impulso cada vez mayor de los jardines zen japoneses durante este período, hipnotizado por el concepto de escultura como un juego interminable de escondite, que nunca se comprende a primera vista. Del mismo modo, su 1994 Serpiente decoró el Guggenheim Bilbao con caminos serpenteantes forjados en acero, alentando a los espectadores a deambular por el espacio negativo. Entre arcos monumentales, espirales vertiginosas y elipses redondas, Serra también reformó sus perspectivas estructurales. Su vocabulario artístico rebosaba de formas curvilíneas mientras rebuscaba en sus recuerdos italianos, ideando un nuevo Elipse torcida (1996) serie. Elipse Torque Doble , su obra más popular, contrarresta la fachada angular de la iglesia romana San Carlo alle Quattro Fontane encerrando a los espectadores en un contenedor fluido y circular. La serenidad recién descubierta envolvió el innovador oasis escultórico de Serra.

José por ricardo serra , 2000, Fundación de Arte Pulitzer, St. Louis

Aprovechando el impulso de sus elipses bien recibidas, los instintos vigorizados de Serra dieron forma a su práctica durante la década de 2000. Comenzó su década con una serie spin-off espirales torcidas, inaugurado a través de una escultura elíptica de acero laminado dedicada a Joseph Pulitzer. Contrastando cielos azules felices con la paleta de colores cambiantes de su medio, Joe (2000) encapsuló un reino autónomo dentro de la Fundación de Arte Pulitzer, expuesto al flujo y reflujo de la vida cotidiana. En 2005, Serra regresó a su San Francisco natal para instalar su primera escultura pública en la ciudad, Lastre. Ese mismo año, el Guggenheim Bilbao también conmemoró la cuestión del tiempo, una exposición permanente que muestra las siete elipses de Serra. Allí, pasajes serpenteantes invocaban la falta de seguridad en audiencias vulnerables, traicionando la lógica a pesar de una construcción aparentemente estable. Desde entonces, también ha actualizado esculturas en qatar, y celebró exhibiciones rotativas en galerías de primer nivel como Gagosian. Su carrera contemporánea perdura hoy incluso a los 80 años.

¿Cuál es el legado cultural de Richard Serra?

Richard Serra junto a su arco inclinado por Arturo Mones , 1988, Museo de Brooklyn

Ahora, Richard Serra es ampliamente considerado como uno de los mejores escultores estadounidenses del siglo XX. Tanto los artistas como los arquitectos lo citan como motivación para impulsar continuamente la instalación pública a la vanguardia de la vanguardia, cambiando su propósito de institucional a utilitario. Sin embargo, a pesar del éxito de la crítica, algunas historiadoras feministas creen que la valentía machista de Serra es un prototipo patriarcal de la América de la posguerra. Los pioneros modernistas posteriores, como Judy Chicago, rechazaron estos ideales masculinos como obsoletos y reposicionaron la escultura para que pareciera impresionante a pesar de su uso de materiales grandiosos. A pesar del rechazo de las siguientes generaciones, las obras maestras seminales de Serra siguen siendo difíciles de ignorar, un subproducto directo y palpable de su poderosa presencia artística. Los espectadores de todo el mundo deambulan por estos santuarios de meditación todos los días con la esperanza de comprender su genio complejo una vez más, recordando nuestra corporeidad con una visión renovada en cada instancia. Richard Serra se eleva como un testamento tentador del arte como una función social, sublime pero nunca completamente estático, siempre evocando lo extraordinario.