El breve pero extraordinario movimiento artístico del grupo Der Blaue Reiter
Caballo azul I (Caballo azul I) por Franz Marc , 1911, a través del Museo Lenbachhaus, Múnich; Fotografía de Franz Marc , 1910; Proyecto de portada de Der Blaue Reiter Almanac por Wassily Kandinsky , 1911, a través del Museo Lenbachhaus, Múnich; Fotografía de Wassily Kandinsky , a través del Museo de Leicester
El comienzo de los 20elsiglo trajo consigo revoluciones y avances en la forma en que se veía y creaba el arte. Der Blaue Reiter o The Blue Rider Group se fundó en Munich, Alemania, en respuesta a los métodos tradicionales del arte. Su arte exploró las relaciones entre el arte, la música, el color y el espiritualismo. Aunque el grupo duró poco, su arte e ideas contribuyeron al desarrollo del expresionismo alemán.
El comienzo del jinete azul
la montaña azul por Wassily Kandinsky , 1908/09, a través del Museo Guggenheim, Nueva York
El grupo fue fundado por una mezcla de emigrantes rusos y artistas alemanes nativos en 1911. Algunos de los nombres más reconocibles del grupo incluyen Wassily Kandinsky y franz marc quienes fueron los miembros principales que dieron forma a la visión general del grupo. Otros artistas incluyen Alexéi Von Jawlensky , gabriele munter , Marianne von Werefkin , agosto mack , y Pablo Klee . Formaron el grupo en rechazo a otro movimiento artístico alemán, Neue Künstlervereinigung München (Nueva Asociación de Artistas de Munich). Se esforzaron por crear una nueva ola de arte moderno que se separara del arte convencional y conformista de sus predecesores. Se interesaron en crear arte que expresara emociones en lugar de representar escenas literales. Si bien cada artista individual abordó el tema y la técnica de manera diferente, todos compartieron las mismas ideas de crear arte como una conexión con lo espiritual a través del uso del color.
El significado detrás del nombre Der Blaue Reiter
el jinete azul de Wassily Kandinsky, 1903
El nombre del grupo se puede simplificar en el sentido de que a Marc le gustaban los caballos y a Kandinsky le gustaban los jinetes, por lo que juntos crearon el nombre Der Blaue Reiter. Sin embargo, hay más sustancia en la razón por la cual los caballos, los jinetes y el color significaron tanto para este grupo y contribuyeron a su nombre e identidad duradera.
La pintura el jinete azul se ve como la pintura que se convirtió en la base del nombre del grupo Der Blaue Reiter. Kandinsky pintó la imagen en 1903 y es una de las primeras pinturas en las que hizo la transición a un estilo más abstracto. El jinete en el nombre llegó a simbolizar la transición del mundo físico al espiritual. Esta idea es de los guerreros y caballeros cristianos medievales, como San Jorge, que inspiró al grupo. La historia de San Jorge matando a un dragón juega un papel importante en las primeras obras de Kandinsky. Para ellos, esto representaba la muerte de lo viejo y el nacimiento de un comienzo. El jinete es portador de un despertar divino y un renacimiento del arte. Los miembros de Der Blaue Reiter vieron el materialismo de su época como un bloqueo contra la comprensión espiritual de la mente y el alma.
¿Estás disfrutando de este artículo?
Suscríbete a nuestro boletín semanal gratuito¡Unirse!Cargando...¡Unirse!Cargando...Por favor revise su bandeja de entrada para activar su suscripción
¡Gracias!
Los grandes caballos azules por Franz Marc , 1911, vía Walker Art Center, Minneapolis
El color azul se convirtió en la manifestación literal de lo trascendente y divino que estos artistas usaban en su arte. El azul fue visto como el color más espiritual y relajante que se ve constantemente en una variedad de obras de arte del grupo. El azul se usaba con frecuencia junto con los caballos de Franz Marc, ya que juntos representan el viaje del mundo material a uno más celestial. El azul también está conectado con la masculinidad, mientras que el amarillo era más femenino. El rojo representaba el mundo físico y natural en comparación con la extramundanidad del color azul. La combinación de azul y el jinete representa la batalla entre el bien y el mal. A ellos, los males de principios del 20elsiglo fueron las tecnologías modernas, las ciencias y el industrialismo urbano.
El almanaque del jinete azul
Portada del almanaque del jinete azul de Wassily Kandinsky, Franz Marc y Jean Arp , 1914, a través de la Galería de Arte de Ontario, Toronto
Los jinetes azules Almanac es una colección de ensayos, ilustraciones y partituras musicales que se ha convertido en la base de los objetivos del grupo. En la portada del libro está el emblema del grupo de San Jorge. La primera edición incluyó 1200 copias con 50 ediciones de lujo que incluyen xilografías de Wassily Kandinsky y Franz Marc. Las xilografías de edición limitada tituladas (Arquero) Arquero , de Kandinsky; y Fabletier (Criatura fantástica) , de Marc sólo aparecen en la primera edición. El grupo solo publicó este primer libro cuando la Primera Guerra Mundial interrumpió los planes por un segundo. El libro también contiene partituras musicales de Arnold Schönberg y Alexander Scriabin, y Schönberg contribuye con un ensayo y partituras para tres composiciones. También se incluye el Sonido amarillo (Der gelbe Klang) de Kandinsky. El libro contenía no solo imágenes del trabajo del grupo, sino también de otros artistas, incluidos Pablo Picasso , Vincent Van Gogh , y henri matisse .
el jinete azul de Franz Marc y Wassily Kandinsky , 1912, a través del Museo de Bellas Artes de Boston
También hay imágenes de obras de arte medievales, renacentistas, populares y no europeas. Esto incluía estatuas africanas, dibujos asiáticos en tinta, arte popular y pinturas de vidrio al revés de Baviera. Los artistas no capacitados y los artistas populares cuyo arte se habría llamado primitivo durante ese tiempo inspiraron su arte. La simple abstracción de formas y temas llevó a los miembros del grupo a crear imágenes que se desviaban cada vez más del mundo natural. Lo que hace que este libro sea importante es el esfuerzo de colaboración que se puso en su realización. Al colocar imágenes de arte de una amplia gama de culturas, artistas, músicos y críticos, mostró que todo el arte podía vivir simultáneamente en un espacio. Muestra que hay espacio para todo tipo de arte y cuánto influye cada uno en el otro.
La influencia del color
Chica joven con un sombrero floreado por Alexei Von Jawlensky , 1910, a través del Museo Albertina, Viena (izquierda); con cuatro chicas (cuatro chicas) por August Macke , 1912/13, via Museum Kunstpalast, Düsseldorf (derecha)
El color jugó un papel importante en las obras de Der Blaue Reiter. Como se ve en la pintura de arriba, hay una clara distinción entre las aplicaciones de color entre los diferentes miembros del mismo grupo. fauvismo tiene vínculos con el grupo Der Blaue Reiter, en particular con Gabriele Münter y Alexej Von Jawlensky. Similar a un libro para colorear, colocarían el color dentro de líneas gruesas y oscuras para crear contraste y dimensión. Los retratos de Jawlensky demuestran esta conexión entre el color y la emoción. Se centró principalmente en las cabezas de las figuras en lugar de los retratos de cuerpo completo. Usó colores crudos y vivos para mostrar cómo el color puede convertirse en la esencia del ser de uno.
dama en un parque por August Macke , 1914, MoMA, Nueva York (izquierda); con The Blue Mantilla por Alexei Von Jawlensky , 1913, a través del Museo de Israel, Jerusalén (derecha)
Otra inspiración provino de las obras de Roberto Delaunay y orfismo , que inspiraría a August Macke y Franz Marc. Les llamó la atención el uso que hace Delaunay del color, donde se fractura en fragmentos de color. El ritmo juega un papel muy importante en esto, ya que Delaunay creía que los colores se movían ante la visión de uno tanto como el mundo natural. Esto influyó en Macke para pintar formas que se cortan en secciones con formas angulares muy distintas. Sus temas incluyen mujeres en grandes almacenes, paseando por parques, o grupos de mujeres en actividad a las que aplica esta técnica. En comparación con Alexej Von Jawlensky, Macke usa formas muy distintas que son casi cubistas, mientras que Jawlensky usa pinceladas más expresivas con libertad.
El color traspasó los límites de expresionismo ya que los artistas lo usaban para mostrar los sentimientos espirituales más íntimos que sentían mientras pintaban. El uso de los colores se volvió más libre y menos sujeto a la monotonía de la realidad. Empujó los límites exteriores de lo que se consideraba apropiado para la pintura tradicional. El color también jugó una gran importancia para Kandinsky, quien lo usó junto con la expresión de emociones con sonido.
el color de la musica
Impresión III (Concierto) por Wassily Kandinsky , 1911, a través del Museo Lenbachhaus, Múnich
La música y su conexión con el color juegan un papel clave en las pinturas abstractas de Wassily Kandinsky. La sinestesia, la capacidad de oír, saborear u oler el color, es un concepto que introdujo a Kandinsky en el uso del color como representación de los sentidos físicos. Cada color también representaba diferentes secciones de una orquesta y juntas estas combinaciones de colores crean una sinfonía de colores. Esto también tuvo un impacto en el artista Paul Klee y su desarrollo hacia el arte abstracto. La música también fue una gran inspiración para él, ya que tanto él como Kandinsky estudiaron música en su juventud.
Colores basados en Kandinsky con emociones específicas e incluso instrumentos. Sus pinturas son sinfonías de color con cada color provocando una respuesta emocional diferente. El amarillo es un color terrenal, y cuanto más brillante es el amarillo, más caóticos y estridentes sentimientos promueve. El azul es calmante y celestial, lo que ayuda a atenuar los amarillos. Los rojos son poderosos y dinámicos que simbolizan los tambores profundos o el crescendo de las trompetas. El verde es el color más tranquilo, reflejando los tonos suaves de un violín. Las violetas son melancólicas y se asemejan a la música entristecedora de los cuernos o las gaitas. Finalmente, el negro representa el final de una pieza musical mientras que, en cambio, el blanco es cuando todos los demás sonidos se silencian.
Aunque sus pinturas pueden parecer espontáneas y dar la impresión de que Kandinsky las completó en el acto, en realidad esto es falso. Al igual que un compositor que arregla las notas en una partitura musical, Kandinsky pintaba como si las notas fueran pintura y el lienzo una partitura. Cada colocación de color fue intencional y, a veces, le tomó años completar este tipo de pinturas musicales.
Las mujeres del jinete azul
Autorretrato (Autorretrato) por Marianne Von Werefkin , 1910, a través del Museo Lenbachhaus, Múnich (izquierda); con Auto retrato por Gabriele Munter , 1908, Thyssen-Bornemisza Museo Nacional, Madrid (right)
Dentro de Der Blaue Reiter había artistas femeninas como Marianne Von Werefkin, Gabriele Münter, Natalia Goncharova y Clotilde von Derp. Tanto Werefkin como Münter jugaron un papel fundamental con respecto al estilo y los avances que hicieron para las artistas expresionistas. Ambos artistas fueron socios de otros miembros del grupo: Werefkin con Jawlensky y Münter con Kandinsky durante este tiempo. Werefkin incluso haría retroceder su propia carrera y defendería a Jawlensky como artista, incluso creando una exposición para él. Eran mujeres dentro de un grupo de hombres y sufrieron los límites de ser mujeres. Sin embargo, aún pudieron producir obras que allanaron el camino para futuras artistas expresionistas.
Jawlensky y Werefkin por Gabriele Munter , 1908/09, a través del Museo Lenbachhaus, Múnich
El trabajo de Gabriele Münter se caracteriza por su uso de colores llamativos y por delinear sus sujetos con líneas negras y gruesas. Sus pinturas tienen una perspectiva compacta que se registra como plana para el espectador. Ella se enfoca en la composición de color de sus sujetos llenándolos con colores vibrantes similares a los fauvistas franceses. Ya sean retratos o paisajes, las obras de Münter tienen formas simples que reflejan su inspiración en el arte popular tradicional de Baviera e incluso en las pinturas infantiles. Nunca se volvió completamente abstracta como Wassily Kandinsky, sino que creó un arte figurativo que aún se parecía a la realidad. Este movimiento hacia una apariencia simple e infantil es representativo del deseo del grupo de volver a crear un arte que era primitivo. También creó bodegones con imágenes de artefactos bávaros tradicionales o iconografía religiosa.
lavanderas por Marianne Von Werefkin , 1909, a través del Museo Lenbachhaus, Múnich
El arte de Marianne Von Werefkin se centraría en imágenes de mujeres y personas empobrecidas en sus obras. Su obra muestra la diferencia en la representación de la mujer a principios del siglo XIX.elsiglo. En comparación con sus contemporáneos, representó a las mujeres trabajando y encorvadas contra un telón de fondo de corrientes de color. Su uso del color y las pinceladas expresivas fueron influencias de Edvard Munch y Vincent Van Gogh, quienes también usaron el color para expresar el alma. Usó una paleta de colores más oscuros con tonos más profundos de rojos y negros, especialmente para la ropa de las mujeres. Werefkin muestra a las mujeres que fueron trabajadoras y en la fuerza laboral durante el auge del industrialismo. Sus pinturas combinaron las duras realidades de la mujer de su época con el esplendor sobrenatural de sus paisajes.
El único miembro estadounidense de Der Blaue Reiter
Bodegón III por Albert Bloch , 1914, a través del Centro de Arte Des Moines
Albert Bloch es un pintor estadounidense que se mudó a Alemania en 1909. Se unió al grupo Der Blaue Reiter en 1911 después de que Wassily Kandinsky y Franz Marc visitaran el estudio de Bloch. Fue el único artista estadounidense que se unió al grupo. Durante su estancia en Alemania desarrolló su propio estilo al igual que el resto de los integrantes. Usó con frecuencia imágenes de arlequines bailando, payasos tocando instrumentos y realizando Pierrots. Esta fue la interpretación de Bloch de cómo se podía ver la música en una forma de arte visual. En comparación con otros miembros del grupo, Bloch no es tan conocido ni reconocido por su trabajo en el arte moderno. Eventualmente se mudó a Kansas donde enseñó en la Universidad de Kansas hasta su jubilación.
La pintura de arriba es un ejemplo del trabajo de Bloch y su conexión con Der Blaue Reiter. Su Bodegón III no tiene un primer plano o un fondo visibles y, en cambio, Bloch representa objetos que parecen flotar en el aire. Representan la combinación de límites entre los mundos espiritual y físico. Los plátanos y otras frutas parecen estar encerrados en sus propias auras dando vida a objetos aparentemente inanimados. Sus líneas son muy fluidas y onduladas, lo que también se inclina hacia una representación más espiritual de una naturaleza muerta. Siempre conservó el estilo y la filosofía de Der Blaue Reiter incluso después de su final definitivo.
El final del jinete azul
Kornfeld bei Carantec (Campo de maíz en Carantec) por Alexei Von Jawlensky , 1905, via Albertina Museum, Vienna
El comienzo de la Primera Guerra Mundial fue efectivamente el final del grupo. La guerra envolvió a Europa ya los miembros de Der Blaue Reiter. Los miembros rusos del grupo, incluidos Wassily Kandinsky, Alexej Von Jawlensky y Marianne Von Werefkin, fueron enviados de regreso a Rusia debido a su nacionalidad. Tanto Franz Marc como August Macke fueron reclutados por el ejército alemán donde, desafortunadamente, ambos fueron asesinados.
Posteriormente Jawlensky se mudó a Suiza y en 1924 creó el grupo Die Blaue Vier (Los Cuatro Azules) que incluía a Paul Klee, Lyonel Feininger y Kandinsky. Bloch regresó a los Estados Unidos al final de la Primera Guerra Mundial, donde comenzó una carrera en la enseñanza. La mayoría de las obras que creó en Europa fueron destruidas durante los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial. Solo trajo algunas de sus pinturas europeas. Ahora solo se muestran en sus propios registros personales, que incluyen fotografías de las pinturas perdidas.
Durante la Segunda Guerra Mundial, el arte moderno se convirtió en un objetivo del régimen nazi durante las décadas de 1930 y 1940, donde se consideró degenerado y se consideró una ofensa al régimen. Münter continuó creando arte moderno durante este tiempo a pesar de que enfrentó reacciones negativas y restricciones. Mientras que los nazis intentaban confiscar obras de arte, ella escondió sus pinturas, así como las de Kandinsky y las de otros miembros de Der Blaue Rider en su propia casa en Murnau. Durante el régimen nazi, el arte de Jawlensky, Klee y otros miembros del grupo fue llevado y colocado en la exposición Degenerate Art en 1937.