¿Jeff Koons es realmente un artista?

 

En algún momento, a muchos de nosotros nos han hecho la pregunta: ¿que es arte? Tal vez todas las clases de historia del arte en la escuela secundaria comiencen con el maestro haciendo la misma pregunta en una sala llena de alumnos, lo que puede provocar miradas en blanco o un intenso debate. Sin embargo, no hay una respuesta correcta o incorrecta. Históricamente, para ser un artista digno y elegible para su inclusión en el canon occidental se requería el sexo masculino y, en diversos grados, la blancura y el privilegio. Los tres requisitos tácitos los cumple el artista vivo mejor pagado de la actualidad, Jeff Koons.

 

¿Quién es Jeff Koons?

 

jeff koons es una figura polarizante en el arte contemporáneo; a menudo la gente lo ama o lo odia. Nacido en 1955 y oriundo de York, Pensilvania, Jeff Koons asistió a la Facultad de Arte del Instituto de Maryland y luego de un viaje lleno de acontecimientos al Museo Whitney, se transfirió al Instituto de Arte de Chicago. Como el autoproclamado 'hombre de ideas' detrás de esculturas, pinturas y diversas fabricaciones controvertidas y, en ocasiones, infames, Koons ha sido franco sobre su ausencia en la producción material de su trabajo. en un Conoce a los artistas entrevista, Jeff Koons explica vagamente el encanto metafísico de la luz y el reflejo.

 

 

Sobre las imágenes de él caminando por su estudio con pantalones azul marino y una camisa abotonada, usará palabras de moda aquí y allá que suenan agradables y esclarecedoras sin decir mucho de la sustancia real. Parece como si nadie pestañeara ante esta escena profundamente irónica. En otras palabras, una obra que lleva el nombre de Jeff Koons generalmente se considera arte.

 

¿Quién es considerado un artista?

 

Meterse en las aguas de quién es o no un artista puede volverse turbio. Esto se debe en parte a la subjetividad del arte y su problema histórico e institucional de vigilancia canónica. En ese sentido, cambiemos la investigación a otra parte. Dado que Jeff Koons no tiene nada que ver con la producción material de las obras que llevan su nombre, ¿realmente se le puede considerar un artista?

 

 

¿Los artistas realmente tienen que hacer su propio arte para llamarlo propio? Quizás todo esto oculta un problema más profundo en juego. Según la economista y periodista contemporánea Allison Schrager, '... los artistas que prosperan son aquellos con la inteligencia política para cortejar a las mejores galerías al principio de su carrera o marcarse a sí mismos para convertirse en estrellas de Instagram'. En el mercado del mundo del arte en el que el ganador se lo lleva todo, es posible que quienes triunfen no sean los mejores artistas ni produzcan un gran trabajo a partir de las ideas más originales o creativas. Jeff Koons' El ascenso a la fama se debe más a un exitoso esquema de marketing de negocios y controversia.

 

¿Cómo puede ayudar el Renacimiento?

 

A pesar de su inexistente contribución a la producción material final de su obra, un fotorrealista pintando como Labios o escultura como Pantera Rosa todavía acredita a Jeff Koons y Jeff Koons solo. Digamos que Koons simplemente está parado sobre los hombros de gigantes como marcel duchamp , a quien se suele considerar el padre del arte conceptual. Pero solo para revolver un poco la olla, ¿debería la idea de algo y su subproducto infinitamente instagrameable reemplazar las habilidades individuales, la competencia y la capacitación necesarias para ser un artista? Mirar el pasado también puede ser sorprendentemente esclarecedor. Para otro golpe de dulce nostalgia, aventurémonos a través de la historia del arte hasta el Renacimiento del norte .

 

Esto puede parecer una comparación dispar, pero tenga en cuenta el mito predominante de un artista como un genio singular originado en el Renacimiento. Al igual que sus homólogos italianos, los talleres florecieron en todo el norte de Europa. Por contexto, en la introducción de su catálogo pintura holandesa temprana, (1986), producido para la Galería Nacional de Arte, John Oliver Hand y Martha Wolff advierten al lector que las atribuciones de estudio o taller indican que una pieza fue “Producida en el taller o estudio del artista mencionado, por estudiantes o asistentes, posiblemente con algún participación del artista mencionado. Es importante que el concepto creativo sea del artista nombrado y que el trabajo esté destinado a dejar el estudio como suyo”. Una de esas atribuciones se aplica al taller de Tournai de Robert Campin y a una de las primeras pinturas holandesas más célebres y conocidas, el Tríptico de la Anunciación (Retablo de Merode), (1427-28).

 

 

Robert Campin (1378/9-1444), comúnmente conocido como el Maestro de Flémalle, fue una figura fundamental en el Renacimiento del Norte. Junto con su contemporáneo Jan van Eyck, a Campin se le atribuyó el desarrollo del estilo naturalista de la pintura sobre paneles y una gran atención a los detalles característicos de la región y la época. Aunque no tiene fecha ni firma, la evidencia estilística y técnica sugiere que el retablo se hizo en etapas durante un período de cinco años, ca. 1427-32. Se desconoce el alcance de la participación de Campin en la producción de la pieza y, en general, se cree que tuvo dos aprendices para ayudarlo, a saber, Rogier van der Weyden y Jacques Daret.

 

De acuerdo con la tradición flamenca y la práctica general del Renacimiento del Norte, el Retablo de Merode es un brillante ejemplo de la unión entre la interpretación hábil de las formas y la imbución de significado. Como afirma Erwin Panofsky en su libro Pintura holandesa temprana , (1953), “cuanto más se regocijaban los pintores [flamencos] en el descubrimiento y reproducción del mundo visible, más intensamente sentían la necesidad de saturar de significado todos sus elementos. Por el contrario, cuanto más se esforzaban por expresar nuevas sutilezas y complejidades de pensamiento e imaginación, más ansiosamente exploraban nuevas áreas de la realidad”. Aunque la religión informó el simbolismo y el significado de sus obras, las ideas detrás de una pintura como la Retablo de Merode no eran menos válidas que las ideas individualizadas de los artistas de hoy.

 

 

La exploración de la forma y la función conceptual no es exclusiva del arte contemporáneo, ni tampoco es un desarrollo nacido de la era moderna. La única diferencia, quizás, es la habilidad técnica requerida de los artistas, respaldada por sus asistentes o talleres, para realizar sus ideas. Dicho esto, es importante distinguir la división del trabajo del trabajo subcontratado por completo. Como un mito involuntario nacido del Renacimiento, la naturaleza paradójica entre la percepción de un artista individual y la mentalidad grupal de un taller está bien documentada. Aunque usamos la misma terminología, el taller de Jeff Koons no se parece a un taller renacentista como el de Campin. Los maestros artísticos de los siglos pasados ​​no necesitaban dar crédito a sus alumnos o asistentes, ya que la relación entre el artista y los miembros de su taller era mutuamente beneficiosa.

 

Después de trabajar con el Maestro de Flémalle, Van der Weyden y Daret se convirtieron en artistas por derecho propio. La influencia estilística de Campin es evidente en el trabajo de sus alumnos después de su salida de su estudio, al igual que la habilidad, el crecimiento y la experiencia adquirida como aprendices. Dada la descripción de su estudio como un escenario de fábrica, la relación entre Koons y sus asistentes parece bastante explotadora, beneficiando al primero a expensas del segundo. Con el sistema de Koons de subcontratar la fabricación por completo, sus ideas solo se pueden producir con un nivel básico de explotación inevitable. Independientemente de Jeff Koons' elocuencia al atribuir valor y significado social a cualquier producto de su fábrica, el significado de una obra, tal como la entiende su público, debe tener en cuenta el método de su fabricación.

 

La marca Jeff Koons y el problema de la autoría

 

Por cada obra de arte que aparece en su sitio web, Jeff Koons recibe tanto el crédito como la propiedad de los derechos de autor. Aunque, al igual que un arquitecto, el alcance de la contribución de Koons a la construcción práctica es nulo. Cuando el plan de un arquitecto sirve como hoja de ruta para los contratistas contratados para construir su diseño, Koons no se responsabiliza por el ingenio técnico y el conocimiento de propiedad de cómo se diseña su idea o concepto. Esa parte, como el trabajo manual que hace que sus ideas se hagan realidad, también se subcontrata.

 

 

Todo esto plantea la pregunta: si Jeff Koons no es un artista, ¿qué es él? En pocas palabras, no hay una respuesta simple. Lo que no se puede refutar es el excelente arte de vender y las habilidades de marketing de Koons. ¿Se puede decir lo mismo de su perspicacia artística? Por un lado, el mundo del arte ha respondido definitivamente a esa pregunta con un rotundo Sí . Por otro lado, si vamos a tomar algo de las conversaciones sobre la descolonización de la historia del arte en los círculos académicos, debemos investigar no solo al artista y su arte, sino también la forma en que se produce su arte.

 

Salvo el acceso a la fabricación subcontratada, Jeff Koons es otro hombre blanco que se comercializó con éxito como artista mientras reclamaba la obra y el trabajo de otros como propios. No se necesita mucha autorreflexión, ya sea figurativa o una distorsión literal teñida de rosa mirando fijamente a un globo venus espectador, saber que eso dice más sobre el consumismo que cualquier cosa producida por un estudio de Jeff Koons.