Fotorrealismo: comprender el dominio de la mundanidad

Autobús con reflejo del edificio Flatiron por Richard Estes , 1966-67, vía Smithsonian Magazine y Marlborough Gallery, Nueva York

El fotorrealismo es un movimiento de arte radical de la década de 1960 en América del Norte que vio a los pintores copiar fotografías en detalle en lienzos enormes y expansivos. A lo largo del movimiento fotorrealista, los artistas demostraron un virtuosismo técnico magistral en la pintura que no se parecía a nada antes, uniendo los dos medios opuestos de la pintura y la fotografía de una manera nueva.

Artistas tan variados como Malcolm Morley, Chuck Close y Audrey Flack adoptaron el estilo fotorrealista para observar la nueva cara brillante de la cultura urbana de la posguerra, transformando temas humildes o banales como postales antiguas, mesas desordenadas o escaparates de tiendas en fascinantes obras de arte. . Pero, sobre todo, el movimiento de arte fotorrealista marcó un período trascendental en la historia del arte porque desde entonces el material fotográfico ha jugado un papel vital en el desarrollo de la pintura contemporánea.

La cámara: la herramienta de un pintor para el fotorrealismo

SS Ámsterdam frente a Róterdam por Malcom Morley , 1966, a través de Christie's

Desde su invención en el 19elLa fotografía del siglo XIX inevitablemente tuvo un impacto en la naturaleza y el papel de la pintura. El papel de la pintura ya no era capturar la precisión de la vida, por lo que la pintura era libre de ser algo completamente diferente: muchos han argumentado que este cambio condujo a 19ely 20el-arte del siglo más allá en los reinos de la abstracción , donde la pintura podía comportarse como quisiera. Pero a principios de la década de 1960, muchos artistas se estaban cansando de arrojar pintura por sí misma, buscando algo nuevo y fresco. Entran los artistas Malcolm Morley y Richard Estes. El pintor británico Morley es a menudo citado como el primer artista en explorar el fotorrealismo creando copias minuciosamente detalladas de postales con idílicos transatlánticos navegando por el deslumbrante agua azul en un estilo que él llamó superrealista.

Cena por Richard Estes , 1971, vía Smithsonian Magazine y Marlborough Gallery, Nueva York

Pisándole los talones a Morley estaba el pintor estadounidense Richard Estes, que siguió la tendencia con representaciones meticulosamente renderizadas de la brillante fachada de Nueva York, desde las ventanas pulidas de los restaurantes de la década de 1950 hasta el brillo metálico de los automóviles nuevos. Las superficies reflectantes que empleó fueron un escaparate deliberado de su dominio magistral de la pintura y se convertirían en una gran influencia en el fotorrealismo. Este nuevo estilo de pintura parecía, inicialmente, como un regreso a las tradiciones del realismo, pero en realidad, era un reino completamente nuevo de territorio desconocido. Lo que diferenció el trabajo del fotorrealismo de los pintores altamente realistas del pasado fue un intento deliberado de replicar cualidades únicas de la imagen fotográfica, como se describe en la publicación. arte en el tiempo : Los artistas fotorrealistas de las décadas de 1960 y 1970 investigaron el tipo de visión que era exclusivo de la cámara... el enfoque, la profundidad de campo, los detalles naturalistas y la atención uniforme a la superficie de la imagen.

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Fotorrealismo, Pop Art y Minimalismo

ferreteros por John Sal , 1981 , a través de las Galerías Nacionales de Escocia, Edimburgo

Me gusta Arte pop y minimalismo, El fotorrealismo surgió en la década de 1950 en Europa y Estados Unidos como una reacción contra los lenguajes tremendamente emotivos de Expresionismo abstracto. El arte pop fue lo primero, allanando el camino con un enfoque descarado en el glamour ingenioso de la publicidad y la cultura de las celebridades inyectado con colores ácidos brillantes y diseños simplificados. El minimalismo era genial y elegante en comparación, una versión refinada y refinada de la abstracción con cuadrículas repetitivas, geometría y color restringido. El movimiento fotorrealista surgió en un término medio entre estas dos vertientes, compartiendo la apropiación de cultura popular con el Pop Art , y la racionalidad limpia y metódica del Minimalismo. En contraste con la diversión descarada del Pop Art, los artistas fotorrealistas observaron temas banales con una ironía irónica e inexpresiva que carecía de emoción humana: se puede ver un contraste principal entre Andy Warhol motivo pop icónico de latas de sopa campbell, 1962 y las observaciones fotorrealistas de John Salt de un escaparate de ferretería en ferreteros , 1981. El fotorrealismo también chocó con el minimalismo al presentar elementos de contenido narrativo o realista en oposición a su lenguaje puro y limpio de simplicidad reductiva.

Artistas destacados

Chrysler del 64 por Robert Bechtle , 1971, a través de Christie's

A principios de la década de 1970, el fotorrealismo se aceleró y se convirtió en un gran fenómeno en América del Norte. Los líderes en el nuevo estilo incluyeron a los artistas californianos Robert Bechtle, Ralph Goings y Richard Mclean y en Nueva York a los pintores Chuck Close, Audrey Flack y Tom Blackwell. En lugar de un grupo unificado, cada artista trabajó de forma independiente, acercándose a un estilo fotorrealista dentro de su propio marco conceptual. Robert Bechtle pintó escenas que llamó la esencia de la experiencia estadounidense, reflejando la iconografía visual de la publicidad con escenas suburbanas ordinarias de familias y sus confiables automóviles como el último símbolo del lujo capitalista. Sin embargo, su enfoque en la chapa plana y brillante es demasiado perfecto, lo que sugiere que la oscuridad se esconde detrás de esta fachada superficial. Richard Mclean también produjo una visión idealizada de la vida estadounidense, pero presentó temas ecuestres o bovinos en lugar de la expansión suburbana, documentando jinetes inteligentes, cuidadores de animales y caballos brillantes bajo un sol abrasador como el verdadero emblema del sueño americano.

Medallón por Richard Mclean , 1974, a través del Museo Guggenheim, Nueva York

Nace un movimiento

Inicialmente, se arrojaron varios nombres a este variopinto grupo de jóvenes artistas emergentes, incluidos el Nuevo Realismo, el Superrealismo y el Hiperrealismo, pero fue el galerista de Nueva York Luis K. Meisel quien acuñó por primera vez el término 'Fotorrealismo' en el catálogo de la Museo Whitney exhibición veintidós realistas, 1970. Tras el éxito de esta muestra, Meisel se reinventó posteriormente como animador individual del fotorrealismo en la década de 1970, dedicando su propia galería del SoHo a la promoción de las obras de arte fotorrealistas, además de publicar una estricta guía de cinco puntos que describe en detalles precisos de cómo debería ser una obra de arte fotorrealista. Otro momento histórico para el movimiento fotorrealista se produjo en 1972 cuando el curador suizo Harald Szeemann dirigió la totalidad Documenta 5 en Alemania como escaparate del estilo fotorrealista titulado Cuestionando la realidad: mundos pictóricos hoy, presentando el trabajo de la friolera de 220 artistas que trabajan con estilos fotográficos de pintura.

¿Cómo lo hicieron?

Gran autorretrato de Chuck Close, 1967-68, a través del Walker Art Center, Minneapolis

Los artistas fotorrealistas exploraron una variedad de trucos inventivos y, a veces, ingeniosos para lograr resultados tan impresionantes y precisos. El pintor neoyorquino Chuck Close hizo retratos enormes y minuciosamente detallados de él y sus amigos combinando varias técnicas revolucionarias. El primero fue aplicar una cuadrícula a una imagen polaroid para dividirla en una serie de pequeños componentes, luego pintar cada parte diminuta a la vez para evitar que se sintiera abrumado por la enormidad de la tarea en cuestión. Comparó este enfoque metódico con 'tejer', ya que la imagen se construye metódicamente fila por fila. Close también aplicó elementos de pintura con un aerógrafo y los raspó con cuchillas de afeitar para lograr áreas más finas de definición e incluso adjuntó un borrador a un taladro eléctrico para trabajar realmente en esas áreas de tono más suaves. Sorprendentemente, reclama su icónico 7 por 9 pies Gran autorretrato, 1967-68 se hizo con solo una cucharadita de pintura acrílica negra.

Segunda Guerra Mundial (Vanidad) por Audrey Flack , 1977, a través de Christie's

Por el contrario, la también artista neoyorquina Audrey Flack proyectaba sus propias imágenes fotográficas en un lienzo como guía para pintar; la primera de sus obras realizada de esta manera fue Retrato de la familia Farb, 1970. Trabajar con proyección le permitió alcanzar un deslumbrante nivel de precisión que no habría sido posible solo con la mano. Flack luego aplicaba finas capas de pintura a sus lienzos con un aerógrafo, eliminando así todos los rastros de su mano en el resultado final. En contraste con los estilos distantes de sus contemporáneos, las pinturas de Flack a menudo estaban investidas de un contenido emocional más profundo, en particular sus estudios de naturalezas muertas que se hicieron eco de la tradición memento mori con objetos cuidadosamente colocados que simbolizan la brevedad de la vida, como calaveras y velas encendidas, como se ve en obras como Segunda Guerra Mundial (Vanidad), 1977.

hiperrealismo

hombre en un banco por Duane Hanson , 1977, a través de Christie's

A raíz del movimiento fotorrealista, surgió una nueva versión inflada del estilo a finales de la década de 1970 que se conoció como hiperrealismo. En contraste con el ojo mecánico e imparcial general de los sujetos fotorrealistas, el hiperrealismo se centró en sujetos deliberadamente emotivos, al tiempo que aumentaba la sensación de asombro y la magnitud de sus sujetos con escalas enormes, iluminación extrema o insinuaciones de contenido narrativo. Curadora independiente, escritora y conferencista Bárbara María Stafford describió el estilo para la revista de la Tate Gallery Papeles Tate como algo que se intensifica artificialmente y se fuerza a volverse más real de lo que era cuando existía en el mundo real.

La escultura fue una rama particularmente importante del arte hiperrealista, en particular los moldes corporales de fibra de vidrio de los escultores estadounidenses Duane Hanson y John de Andrea, que colocan figuras increíblemente realistas en poses o escenarios que insinúan historias no contadas debajo de la superficie. El escultor australiano contemporáneo Ron Mueck ha llevado estas ideas al extremo en los últimos años, produciendo emblemas figurativos surrealistas que hablan de la complejidad de la condición humana con escalas desplazadas destinadas a amplificar su impacto emocional. Su enorme bebé recién nacido en Una mujer, 2006, tiene más de 5 metros de largo, capturando con dramatismo teatral la milagrosa maravilla de traer un niño al mundo.

Una mujer por Ron Mueck , 2006, a través de la Galería Nacional de Melbourne, Australia y El Atlántico

Ideas recientes en fotorrealismo

Chiflado por Jeff Koons , 1999, vía Museo Guggenheim, Bilbao

El fotorrealismo alcanzó su cénit en la década de 1970, pero desde entonces han persistido variaciones del estilo a lo largo de las décadas siguientes. Después de la explosión de la tecnología de la información en la década de 1990, una nueva ola de artistas adoptó formas fotorrealistas de trabajar, pero muchos han ido más allá del literalismo del movimiento artístico fotorrealista al introducir elementos de edición digital creativa en programas de computadora.

Sin título (Océano) por Vija Celmins , 1977, a través del Museo de Arte Moderno de San Francisco

En artista estadounidense Jeff Koons' kitsch, Easyfun-Etéreo serie, incluida la obra Chiflado, En 1999, crea collages digitales con seductores fragmentos recortados de revistas y vallas publicitarias, que luego su equipo de asistentes convierte en pintura en enormes lienzos del tamaño de una pared. En el otro extremo del espectro, la artista estadounidense Vija Celmins hace diminutos dibujos e impresiones en papel en blanco y negro, exquisitamente observados, que transmiten las vastas extensiones del océano o el cielo nocturno lleno de estrellas con diminutas marcas y manchas repetitivas que apenas revelar las huellas de su fabricación.

muertes superficiales por Glen Brown , 2000, vía The Gagosian Gallery, Londres

El pintor británico Glenn Brown adopta un enfoque completamente diferente; Basándose en el lenguaje surrealista del hiperrealismo, hace copias fotorrealistas de obras de arte expresionistas famosas que brillan con un aura de luz antinatural como si se vieran en la pantalla de una computadora. El complejo proceso de Brown de copiar en pintura una fotografía de la obra de arte de otro artista revela cuán estrechamente entrelazadas están nuestras experiencias de ver y hacer pinturas con la experiencia digital actual.