Bruce Nauman: apóstata contra el arte

cien viven y mueren , Bruce Nauman , 1984, NY Times

El genio creativo de Bruce Nauman ha aparecido en todos los medios imaginables. Ampliamente reconocido por sus instalaciones de luces irreverentes, el artista camaleónico no posee un estilo por excelencia, sino que se transforma en sus materiales como si fuera una predeterminación. Desde la escultura inquietante hasta la fotografía, el video y el dibujo, hoy Bruce Nauman continúa desafiando la descripción tan intensamente como su génesis hace sesenta años.

Primeros años de vida y obra de Bruce Nauman

Intitulado, Bruce Nauman, 1965, sfmoma

La infancia turbulenta de Nauman comenzó en la década de 1940 en Fort Wayne, Indiana. Su padre, un ingeniero, el artista vagó de un pueblito del Medio Oeste a otro, sin nunca encajar realmente. Mostró muy poco interés en las artes visuales, pero en cambio prefirió los instrumentos musicales, un testimonio temprano de su versatilidad en los medios. Durante la década de 1960, estudió matemáticas y física con especialización en pintura en la Universidad de Wisconsin hasta su graduación en 1964. Dos años más tarde, completó su maestría en bellas artes de UC Davis. Entre sus instructores se encontraban los pioneros de la vanguardia Manuel Neri, William T. Wiley y Robert Arneson, inconformistas escultóricos que impulsan los recintos a través de un plan de estudios amplio y relajado. Nauman también resolvió abandonar la pintura por completo mientras asistía a Davis, alegando que sus abundantes materiales simplemente se interpuso en el camino. Slender con una paleta de colores apagados, su último lienzo Intitulado (1965) guarda poca semejanza con el vibrante cuerpo de trabajo por el que el artista es conocido hoy en día.

El final de la década de 1960 marcó una época experimental para Bruce Nauman. Concibió sus primeras esculturas de fibra de vidrio en 1965 y adoptó un enfoque poco convencional para el vaciado y el moldeado. Utilizando resina de poliéster, Nauman creó un Intitulado serie que evalúa la potencialidad física de su nuevo medio, modelos monocromáticos fundidos dos veces en fibra de vidrio. Sin embargo, dado que se basaba en un prototipo de arcilla hecho a mano, también asumió un gran riesgo al manejar su fragilidad. Sin embargo, su apuesta inevitablemente valdría la pena. Nauman trabajó incansablemente al comienzo de su carrera en la década de 1960 para centrarse en una idea que contemporáneo los conceptualistas habían comenzado a postular: las técnicas creativas reemplazaron los resultados finales como fuente de significado. Yo era un artista y estaba en el estudio, entonces cualquier cosa que estuviera haciendo en el estudio debe ser arte, Bruce Nauman una vez. comentó sobre sus primeros años. En ese momento, el arte se convirtió más en una actividad y menos en un producto.

Cómo Process Art inspiró a Nauman

Mi nombre como si estuviera escrito en la superficie de la luna, bruce nauman , 1968, WikiArt

Nauman se adscribe a un género artístico hipercentrado en la metodología. Doblado arte de proceso, el estilo favorece la técnica sobre los efectos secundarios, viendo el trabajo manual como creatividad en sí mismo. Muchos atribuyen su génesis al monumental momento. jackson pollock goteaba pintura sobre un lienzo en blanco, aunque el proceso de arte se remonta más a las raíces en dadaísmo. En lugar de fijarse en los resultados finales, los artistas de procesos disfrutan de la fisicalidad de sus medios, disfrutando de una rutina de principio a fin. Ensamblar, clasificar y modelar fueron facetas igualmente importantes en la creación de una obra maestra. La reduplicación fue particularmente importante en el trabajo de medios mixtos de Nauman a fines de los años sesenta y setenta. Similar al erudito Marshall McLuhan frase famosa, su medio era de hecho su mensaje. Nauman formuló miles de cuentos matizados a través de instalaciones de luz, video y sonido, examinando simultáneamente su papel artístico mientras lo cumplía.

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Primera exposición de Nauman en Nueva York

Plantillas de neón de la mitad izquierda de mi cuerpo tomadas a intervalos de diez pulgadas , Bruce Nauman, 1966

Galería Leo Castelli fue anfitrión de Nauman primera exposición de Nueva York en 1968. Llenando el diminuto espacio con sus nuevos experimentos, el artista exhibió instalaciones rudimentarias de luz y video para demostrar su destreza artística, como su ahora famoso Plantillas de neón de la mitad izquierda de mi cuerpo tomadas a intervalos de diez pulgadas (1966). Sin embargo, por mucha fe que Castelli tuviera en él, los críticos recibieron su trabajo con críticas mixtas. Los curadores europeos mostraron una gran afinidad por Nauman desde el principio. Los disidentes en Estados Unidos, particularmente en Nueva York, no fueron tan amables. Escrito en relación a su exposición en The Leo Castelli Gallery, historiador Robert Pincus Witten proclamó el narcisismo infantil de la producción de Nauman. Probablemente, su condición de forastero de San Francisco provocó celos territoriales. O tal vez la ciudad de Nueva York simplemente no estaba lista para su previsión natural. Sin embargo, Nauman demostraría que los oponentes estaban equivocados durante su próxima década en California.

Por qué Bruce Nauman rechazó el minimalismo

El verdadero artista ayuda al mundo al revelar verdades místicas (Letrero de ventana o pared), Bruce Nauman, 1967, Galería Nacional de Australia

minimalismo ocupó el prestigio hegemónico durante la ascensión a la fama de Bruce Nauman en la década de 1960. Por esta misma razón, el escultor buscó contrarrestar conscientemente el orden creativo imperante, que incluía a ilustres figuras como Barnett Newman y Donald Judd. Para entonces, el arquetipo de un artista se había convertido en una sobria caricatura de las tendencias perfeccionistas, un fenómeno que Nauman describió como cada vez más engreído. Me sorprendió lo mal hechos que estaban, una vez criticó los primeros trabajos de Judd en un New York Times entrevista. En comparación con las técnicas formalistas rígidas, abstractas y planas, el trabajo de Nauman fue perceptiblemente alegre, un espejo defectuoso que representa su auténtico viaje como artista. Aunque nunca se confirmó, historiadores incluso plantean la hipótesis de que sus elaborados títulos son una subversión directa de las tendencias conformistas de etiquetar una pieza sin título. Atado con su dinámico arsenal multimedia, el provocador sacudió la modernidad hasta la médula al comprometerse a seguir su propio código de conducta.

A principios de la década de 1970, la carrera de Nauman se disparó a alturas sin precedentes. Se mudó a Pasadena, se sumergió en el aspecto performativo del arte y comenzó a diversificarse en sus círculos sociales. Entre sus compañeros inspiradores se encontraban músicos y bailarines, de quienes Nauman aprendió a perfeccionar aún más su proceso creativo. Su escultura de luz azul neón y rojo. El verdadero artista ayuda al mundo revelando verdades místicas (letrero de ventana o pared) (1967) ejemplifica mejor este período, su título garabateado dentro de una espiral vertiginosa. Al fusionar un lenguaje fantasioso con materiales producidos comercialmente, el artista evocó su formación matemática a través de la relatividad espacial del espectador. Desde la distancia, el revestimiento de neón rojo parecía ser un número seis, con la inscripción de Nauman visualizada solo tras una inspección más cercana. Destacado en foros internacionales como Kunsthalle de Berna y el museo municipal, La intriga institucional de Nauman culminó en 1972, cuando le ofrecieron su primera retrospectiva oficial en un museo.

Primera retrospectiva de Bruce Nauman

La Brea/Art Tips/Rat Spit/Tar Pits, bruce nauman , 1972, LACMA

El Museo de Arte de Los Ángeles y The Whitney co-curaron la obra de Nauman extravagancia itinerante. Viajando a través del país desde Nueva York a Los Ángeles, Marcia Tucker y Jane Livingston lo organizaron con aspiraciones de llegar a Europa. La colección de la exposición presentó nuevas obras que Nauman completó a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970, incluida su primera instalación al aire libre a gran escala. Concebido para rodear LACMA, su La Brea/Art Tips/Rat Spit/Tar Pits (1972) encaramado junto a los prehistóricos La Brea Tar Pits, iluminado en rojo neón y verde. Como puede sugerir su título, la pieza contenía anagramas de La Brea, un juego de palabras ingenioso pero aparentemente sin propósito. Sin embargo, la trivialidad era exactamente el objetivo de Nauman. Utilizando contrastes de colores llamativos, resaltó acertijos lingüísticos para confundir frases y connotaciones cotidianas. Sin embargo, a pesar de sus logros innovadores, algunos medios demonizaron la retrospectiva de Nauman como insípida. Una creciente vorágine mediática llevó al artista a reconsiderar su trayectoria de vuelo.

Los últimos años de Nauman en California

libras de plata, bruce nauman , 1974, MoMA

Bruce Nauman es un notoriamente persona privada. Ya sea positivo o negativo, detestaba ser el centro de atención, su paranoia aumentaba con su estrellato. A mediados de la década de 1970, la prominencia lo empeoró y disminuyó severamente su producción artística. Sin embargo, de esta reclusión surgió una originalidad increíble, incluidos los ahora renombrados medios basados ​​en texto de Nauman. De hecho, concibió su letrero de neón de 1974 libras de plata en un intento por recuperar el control sobre sus propios métodos, una contrapartida a una exposición a gran escala que conmemoró en París. Los conjuntos superpuestos de tubos rojos y verdes revelaron anagramas en francés para el término libros, o libros. Para marcar el final de una era memorable, también creó su última obra escultórica en Pasadena. pieza de estudio en 1979. La maqueta mezclaba materiales anteriores a través de los cuales Nauman exploraba sus inclinaciones geométricas. Con eso, se despidió con nostalgia de su California natal, en el camino hacia nuevos comienzos en Nuevo México.

Cuando Nauman se mudó a Nuevo México

Violines Violencia Silencio, bruce nauman , 1981, Tate Modern

Nauman se hizo un nombre novedoso en la década de 1980. Entre las exuberantes colinas onduladas del condado de San Miguel, construyó un nuevo estudio en un pequeño pueblo al sur de Santa Fe llamado Pecos . Allí, también desarrolló un lenguaje pictórico avanzado, reemplazando sus luces de neón simplificadas con modos de expresión más siniestros. En Violines Violencia Silencio (1981) , amarillo y rosa los tubos de neón yuxtaponen seis palabras en un triángulo formado libremente, contrarrestando la musicalidad con la serenidad. En 1983, Nauman transmitió sus ideas a la Fundación Stuart, que eventualmente erigió su resplandeciente Vicios y virtudes en fachadas a lo largo de San Diego años después. Indiscutiblemente su trabajo más famoso, la década de ruptura de Nauman alcanzó su punto máximo con su 1984 Cien Viven y Mueren. Cuatro columnas imponentes, 100 frases sin sentido y una mezcla de pigmentos fluorescentes resumieron perfectamente nuestra paradójica experiencia humana. Un algoritmo complejo iluminó palabras seleccionadas mientras otras se oscurecían para producir una eufonía visual del lenguaje.

Si bien la percepción pública de la vanguardia se transformó, también lo hizo la creciente reputación de Nauman. Celebró varias exposiciones individuales bien recibidas a lo largo de la década de 1980, incluidas temporadas en baltimore, Alemania, y Londres. Para 1987, había solidificado su creciente interés en la participación del espectador con obras como tortura de payaso , una proyección de videos grotescos centrados en sus motivos característicos. La vigilancia, el estrés, el sondeo y los juegos de palabras se combinaron hasta el infinito para desorientar al público, en alusión a la obsesión fundamental de Nauman: la repetición. Tras un paréntesis de casi veinte años, también volvió a la fundición con su obra de 1988 Sin título (Dos lobos, dos ciervos), hecho usando taxidermia desmembrada de una tienda cercana de Nuevo México. Anatómicamente, las criaturas al estilo de Frankenstein parecían de otro mundo, girando en un carrusel que recordaba a un matadero. Nauman prosperó en el apogeo de su fabricación multimedia. En 1989 se casó con la también artista. susan rothenberg, y la pareja se mudó a una finca en las cercanías de Galisteo, donde todavía residen.

Trabajo reciente de Nauman

Vista de instalación de Aliméntame/Anthro-Socio , Bruce Nauman, 1993, El guardián

El video se convirtió en la principal preocupación de Nauman durante las décadas de 1990 y 2000. Explorando su propio poder comunicativo, ensayó sistemáticamente la relación contextual entre el cuerpo y el espacio circundante, curioso por el tiempo como concepto relativo. Por ejemplo, su obra de 1993 Aliméntame/Anthro-Socio presentaba a un actor giratorio gritando aliméntame, ayúdame, cómeme, lastímame, incompleto sin la inmersión del espectador. A diferencia de sus contemporáneos, los temas seleccionados por Nauman dieron forma situacionalmente a sus instalaciones de video, y no al revés. En 1999, fue galardonado individualmente con un León de Oro en el 48 Bienal de Venecia, el premio más alto para presentaciones de películas. La Academia Estadounidense de las Artes y las Letras lo incorporó como miembro en 2000 y en 2004 recibió un premio imperial. Otorgado por la Asociación de Arte de Japón, el galardón distingue a los artistas que han contribuido significativamente al desarrollo de las artes y la cultura internacionales. Bruce Nauman había personificado lo que significaba ser considerado una figura decorativa mundial.

Estudios de Contrapposto, I a VII, bruce nauman , 2016, Museo de Arte de Filadelfia

Hoy, vive una vida humilde en su granja de Nuevo México. Pocos sospecharían su complejo sin pretensiones de albergar un estudio en un cobertizo diminuto, junto a pastos verdes para el pastoreo de caballos. Aunque su arte aún juega un papel importante, Nauman se ha expandido a otros sectores comerciales, incluso ocasionalmente vendiendo acciones salvajes. Sin embargo, ha madurado creativamente durante su tiempo en Galisteo. Una de sus obras más recientes, Estudios de contrapposto, I a VII (2016) , investiga el sonido y el video representando a Nauman golpeando un opuesto pose. Actuando como un doppelganger de su primer famoso Camina con Contraposto (1968), los medios manipulados digitalmente representaron sus movimientos en una película positiva y negativa, hacia adelante y hacia atrás, respectivamente. Incluso cuando se enfrenta a lo inevitable del envejecimiento, el enfoque de Nauman sobre la corporeidad no ha cambiado mucho a lo largo de los años. Más bien, su comprensión de su reloj biológico ha dado paso a exámenes más íntimos de su psique. Su futuro puede contener ideas aún mayores.

El legado cultural de Bruce Nauman

Bruce Nauman en Nuevo México , Alec Soth, 2018, NY Times

El trabajo de Bruce Nauman funciona como una inquietante prueba de fuego social. No importa cuán agresivo, provocativo o simplemente horrible, el artista continúa expandiendo sus límites tanto intelectuales como físicos para desconcertar, hechizar y lamentar a una audiencia internacional. A los ochenta y un años, ha resistido críticas odiosas, elogios abrumadores e incluso un cáncer de intestino casi fatal, ninguno de los cuales ha detenido su perseverancia constante. Estimulando una profunda incomodidad mental, su anti-arte ha relajado la conciencia pública para bien o para mal, transportándonos indirectamente a través de su búsqueda creativa de la libertad. Bruce Nauman continuará polarizando a los espectadores mucho después de su lamentable fallecimiento.