Casas de artistas: espacios creativos y estudios de arte de pintores famosos
Claude Monet en Giverny , 1920 (izquierda), Portrait of Frida Kahlo , Florencia Arquín , 1948, Archives of American Art (centro), y Georgia O'Keeffe , 1968, Galería Nacional de Retratos, Institución Smithsonian (derecha)
El entorno de un artista puede finalmente entrelazarse con su trabajo y legado. Claude Monet está asociado con Giverny, Francia, como Frida Kahlo lo está con Coyoacán, México. Mirar a estos artistas a través de la lente de su entorno puede conducir a nuevos conocimientos sobre sus técnicas, procesos y creencias artísticas. Abramos el telón y miremos las casas y los estudios de arte de los pintores más influyentes de la historia.
The New Mexican Homes and Art Studio de Georgia O'Keeffe
O'Keeffe abriendo las cortinas de su estudio por Tony Vaccaro , 1960, Museo Georgia O'Keeffe
Las amplias ventanas en el estudio de arte de Georgia O'Keeffe Contempla los extensos paisajes de Nuevo México. Fue este paisaje el que primero cautivó a O'Keeffe y eventualmente se convertiría en su hogar por el resto de su vida y carrera. Su conexión con la tierra le proporcionó un renovado sentido de independencia. Le dio la capacidad de crear un espacio que era distintivamente suyo.
Ghost Ranch: el salvaje telón de fondo del suroeste de O'Keeffe
Rancho Fantasma, Patio por Todd Webb , 1955-1981, Museo Georgia O'Keeffe
Hay dos lugares en Nuevo México que Georgia O'Keeffe usó como su casa/estudio. Ghost Ranch, o Rancho de los Burros, era un rancho para turistas donde la gente podía alquilar habitaciones y trabajar en la tierra. O'Keeffe se quedaba durante los veranos y regresaba a Nueva York para visitar a su esposo, Alfred Stieglitz, hasta su muerte.
Mi patio delantero, verano por Georgia O'Keeffe , 1941, Museo Georgia O'Keeffe
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¡Gracias!El rancho se encuentra entre las capas escarpadas de una mesa y la tierra plana del desierto. La mesa está cubierta con arenisca de color óxido y sedimentos que van desde púrpuras, azules y amarillos. Un desierto está sembrado de arbustos verdes y árboles que salpican el paisaje. Aunque la tierra es impresionante, Ghost Ranch fue difícil de manejar. Estaba aislado sin teléfono y tenía un sistema de riego deficiente. En busca de un hogar que fuera cultivable, pero hermoso, llevó a O'Keeffe a su segundo hogar.
Caserío Abiquiú: Donde la Naturaleza se Encuentra con la Arquitectura
Abiquiu House, Vigas y Studio Door de Georgia O'Keeffe por Georgia O'Keeffe , 1964, Museo Georgia O'Keeffe
El exigente esfuerzo de administrar Ghost Ranch llevó a O'Keeffe a descubrir la casa Abiquiú. Estaba en mal estado e inicialmente inhabitable, pero O'Keeffe sabía que tenía que tenerlo. Cuando visitó la propiedad, su enigmática presencia la atrajo. Las renovaciones incluyeron la incorporación de la arquitectura vista en la región con influencias nativas americanas y españolas. Vigas hechas de troncos de cedro se alinean en los techos, y los ladrillos de adobe se hicieron con la propia tierra de O'Keeffe.
Interior de la casa y estudio de Georgia O'Keeffe por Jack Boucher , Servicio de Parques Nacionales
Estos temas también atravesaban el interior de su casa. O'Keeffe tenía tragaluces, ventanales y puertas abiertas para permitir que la luz natural entrara en su casa. Su mobiliario se combina con elegantes paredes de adobe sin adornos y una decoración minimalista. La casa Abiquiú crea una presencia tranquilizadora en comparación con la salvaje vida silvestre fuera de su puerta. Está en armonía con el paisaje salvaje y rústico del suroeste de Estados Unidos.
El Nuevo Paisaje Mexicano: Donde el Arte Refleja la Vida
Casa Abiquiu de Georgia O'Keeffe, Patio por Georgia O'Keeffe , 1964 (izquierda), y puerta a través de la ventana por Georgia O'Keeffe , 1956,Museo Georgia O'Keeffe (derecha)
La tierra circundante del desierto inspiró en gran medida las pinturas de O'Keeffe en su carrera. Sus casas, particularmente en Abiquiú, son geométricamente lineales con sus vigas, paredes lisas de adobe y caminos. Las puertas y ventanas abiertas dejan pasar la luz natural creando diferentes formas, líneas y tonos. Estas pinturas lineales recuerdan sus pinturas de los elegantes rascacielos modernos de Nueva York. La diferencia en Nuevo México es el uso de tonos tierra naturales que ella veía todos los días fuera de su ventana.
Si bien Nuevo México todavía atrae a artistas, actualmente se ha convertido en sinónimo de Georgia O'Keeffe. Son sus representaciones de sus majestuosas mesas y extensos paisajes las que continúan desconcertando y creando discusiones sobre su trabajo.
Estudio de arte de East Hampton de Jackson Pollock y Lee Krasner
Jackson Pollock y Lee Krasner en un campo por Wilfrid Zogbaum , 1949, Archivos de Arte Americano, Institución Smithsonian
El horizonte de la ciudad de Nueva York se pasó por alto por los pacíficos valles y arroyos de East Hampton por jackson pollock y Lee Krasner . Pollock, que sufría de depresión y alcoholismo, optó por vivir en el campo lejos de la exigente ciudad. La tierra circundante estaba llena de pastizales y pantanos con una variedad de vida silvestre y flores. Eligieron una casa que una vez perteneció a un pescador y convirtieron la casa y el granero en su estudio de arte. El campo ofreció no solo más libertad en el espacio, sino también la posibilidad de que ambos artistas expandieran sus ambiciones creativas.
The Art Studio: proceso y suministros de Pollock
jackson pollock por Hans Namuth, 1950, Galería Nacional de Retratos, Institución Smithsonian
El granero ofreció a Pollock más espacio para crear sus pinturas a gran escala en comparación con Nueva York. Un ejemplo de esto es cuando Peggy Guggenheim encargó a Pollock un mural. Según los informes, derribó una pared de su apartamento para colocar la pintura a gran escala. El espacio recién adquirido le permitió colocar el lienzo en el piso y tener espacio para moverse alrededor de la imagen. Este estudio de arte fue el espacio donde Pollock mostró su técnica de pintura para el fotógrafo. Hans Namuth como se muestra arriba.
Jackson Pollock en su estudio por Rudy Burckhardt , 1950, Archivos de Arte Americano, Institución Smithsonian
El espacio se llenaría con los diversos suministros que utilizó. Hay latas de pintura, pinceles gruesos, trapos y otros suministros como se ve en la foto de arriba. Las pinturas de casa o de esmalte que usaba eran muy fluidas y salpicaban el piso debajo de él. Incluso hoy en día, las manchas de pintura permanecen en el piso de madera. Pollock usaba materiales no convencionales como palos, cepillos viejos o hilvanadores de pavo para pintar. También usaba rocas, vidrio, hilo o arena mientras pintaba.
La influencia del paisaje de East Hampton
Jackson Pollock, Isla Larga por Marta Holmes , 1949, Revista Vida
Se ha debatido cuánto inspiró el mundo natural el trabajo o los procesos de Pollock. Sin embargo, muchas de las series que Pollock creó mientras vivía en East Hampton tienen títulos inspirados en la naturaleza. Realizó obras como Ritmo de otoño (Número 30) y Niebla de lavanda (Número #). Sus títulos de series incluyen Sonidos en la hierba y el Arroyo Accabonac serie, que lleva el nombre del arroyo que corría detrás de su casa.
Las estaciones por Lee Krasner , 1957, Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York
En comparación con Pollock, es más conocido que Krasner usó la naturaleza como fuente de inspiración. Lee Krasner Las estaciones fue una pintura que creó después de la muerte de Pollock. Krasner usaría el estudio de arte del granero después de la muerte de Pollock, pero clavó lienzos en la pared en lugar de en el piso. Las pinceladas gestuales y las figuras orgánicas conducen a la idea del cambio de estaciones que habría presenciado. Realizó obras como Algodoncillo , Charla de aves , o Derecha Pájaro Izquierda que tienen imágenes o títulos inspirados en la naturaleza.
Tanto Pollock como Krasner crearon algunas de sus pinturas más memorables en East Hampton. La escenografía también ha atraído a artistas como willem de kooning , Roy Lichtenstein , y marca rothko . Sigue siendo una atracción para los visitantes hoy en día por su conexión con la compleja vida de Jackson Pollock.
Frida Kahlo’s Casa Azul
Retrato de Kahlo sentada afuera en el patio de la Casa Azul, su hogar en Coyoacán, México por Florencia Arquín, 195-?, Archivos de Arte Americano, Institución Smithsonian
El azul de añil es la pintura cobalto brillante utilizada tradicionalmente para ahuyentar los malos espíritus y proteger a sus habitantes. Esto es lo que cubre Frida Kahlo’s Casa Azul, un paraíso que ella creó. Sus paredes de colores brillantes albergan un exuberante jardín tropical en su centro. La casa está llena de objetos, plantas, animales y arte que coleccionaba Frida. Estos objetos y su hogar son representaciones de su herencia y el amor de su hogar, México.
El dormitorio: un retrato de la realidad
Frieda Kahlo en su dormitorio por Bernard G. Silberstein , 1940, Instituto de Artes de Detroit
El dormitorio de Frida fue un lugar donde pasó gran parte de su vida. Contrajo polio cuando era niña y sufrió múltiples lesiones cuando resultó herida en un accidente de autobús cuando era joven. El padre y la madre de Frida le dieron materiales de arte y un caballete especial para usar en la cama, que es donde estudiaba y practicaba su arte. Sobre su cama había un espejo que usaba para pintar sus autorretratos.
el sueño (la cama) por Frida Khalo , 1940,Colección privada
Hacia el final de su vida, fue confinada a su cama una vez más. Estos tiempos de aislamiento llevan a Kahlo a pintar imágenes de las cosas que la rodeaban. Estos incluyen a su familia, objetos en su propio dormitorio y, por supuesto, a ella misma. En la vida real, una figura esquelética de Judas descansaba sobre la cama de Kahlo y aparece en la pintura. El sueño . Se usó no solo como un recordatorio de la muerte, sino también como un símbolo de los ciclos de vida en constante cambio.
Las Colecciones de Diego y Frida
Frieda Kahlo en la Sala de Diego Rivera con Figura de Judas por Bernard G. Silberstein , 1940, Instituto de Artes de Detroit
Frida y su esposo, Diego Rivera , artefactos coleccionados y arte popular de México. Estos incluyen pequeñas figuritas, juguetes, retablos (pequeños cuadros de altar), figurillas de barro de Metepec y figuras de Judas (o figurillas de fiesta) hechas de papel maché. Estas figuras y su ubicación dentro del hogar representan su pasión por establecer el orgullo por el arte y la cultura indígenas. La colección de estos objetos refleja Mexicanidad , o el acto orgulloso de celebrar sus ancestros y herencia. Estos objetos también crearon una conexión entre Frida y el mundo exterior.
El jardín: renacimiento de un hogar
La pirámide por Miguel Tovar, Museo Frida Khalo
Cuando Casa Azul se convirtió en propiedad de Frida y Diego, se le hizo un cambio de imagen, incluido el jardín. Frida también recolectó plantas y las incorporó al patio de Casa Azul. Un elemento destacado es la pirámide ubicada en el jardín. Esta es una de las pocas piezas que representan claramente la presencia de Diego en el hogar. La pirámide se basa en la pirámide de Teotihuacan y se usa para exhibir artefactos prehispánicos. Otras plantas ubicadas en el jardín incluyen caléndulas, cactus, palmeras frondosas y otras plantas tropicales nativas de México y América Central y del Sur.
Still Life: Pitahayas por Frida Khalo , 1938, Museo de Arte Contemporáneo de Madison
Las plantas, las flores y las frutas/vegetación eran imágenes constantes que se veían en las pinturas de Kahlo. Se utilizaron para bodegones, el fondo de sus autorretratos o como híbridos humano/planta. Sus imágenes de plantas que crecen de humanos o viceversa muestran la relación entrelazada entre la vida y la muerte. Ella continuamente hace referencia a este tema en una variedad de sus pinturas como la pintura que se muestra arriba.
Las pinturas y colecciones de objetos de Frida son ejemplos de su amor por la cultura mexicana indígena y moderna. Es este deseo de conectarse con sus lazos con México lo que define a Casa Azul. Es donde comenzó su vida y su carrera y es donde su legado sigue floreciendo en la actualidad.
La casa de Charleston de Vanessa Bell y Duncan Grant
beca duncan por Godfrey Argent , 1968, National Portrait Gallery, Londres (izquierda) y vanessa campana por Duncan Grant , 1917, National Portrait Gallery, Londres (derecha)
los grupo de bloomsbury se fundó en un ideal colectivo de rechazar las restricciones sociales instituidas por sus padres de la era victoriana. El arte de estos miembros no se ejemplifica mejor que el Hogar de Charleston en Sussex, Inglaterra. No se dejó sin pintar ninguna pared, marco de cama, chimenea o bañera dentro de la casa. Dos miembros que vivían y pintaban en la casa eran vanessa campana y beca duncan . Su hogar es una manifestación literal de sus ideas de diseño, así como una expresión de sus puntos de vista sobre su forma de vida. La casa es un santuario que fue apartado de las constricciones de la sociedad tradicional que ellos rechazaban.
Superficies pintadas y decoración de Charleston
Puerta pintada en Estudio Clive Bell , The Charleston Trust (izquierda) y la habitación del jardín, Charleston Trust (derecha), East Sussex, Inglaterra
Es el sueño de los niños dibujar en las paredes de sus casas impunes. Este sueño lo realiza el grupo de Bloomsbury porque no tuvieron miedo de descubrir salidas de libertad artística. Los estilos artísticos de Bell y Grant son evidentes en la decoración de la casa. Las habitaciones y los objetos del hogar están decorados con formas simples, colores llamativos y pinceladas expresivas. Los temas iban desde la naturaleza muerta de frutas, flores o la forma humana. Bell and Grant incluso diseñó sillas, alfombras, sofás, almohadas y lámparas, que luego fueron fabricadas por la Talleres Omega .
Estudio Duncan Grant, Chimenea, Fideicomiso de Charleston, East Sussex, Inglaterra
Bell y Grant usaron estampados de cachemir o cuadros y combinaciones de círculos, rayas y puntos para crear un ritmo entre las diferentes partes de la casa. Su uso del color varía desde amarillo mostaza, azul cielo pálido, naranjas óxido intenso o verdes menta pálido. Aunque hay una variedad de colores utilizados dentro de la casa, todos logran coincidir en unidad. Esto se debe a su estilo expresivo constante y es un testimonio de su uso magistral de la teoría del color.
Un Jardín Encantador: Lleno de Encuentros y Flores
Duncan Grant y Angelica Garnett en el jardín de Charleston , Charleston Trust, East Sussex, Inglaterra (izquierda) y lirios de aro por Vanessa Bell , 1919, Instituto de Arte Courtauld (derecha)
La campiña inglesa de Sussex con árboles y huertos atrajo a Vanessa Bell a la propiedad. Finalmente, Bell llenó los jardines de flores, que se convirtieron en una fuente de inspiración para sus pinturas. El jardín es donde se llevarían a cabo las reuniones entre los miembros de Bloomsbury. La creación del jardín es similar a la del Giverny de Monet o al jardín de Frida en Casa Azul. Fue una fuente de inspiración artística, pero también de indulto. El jardín influyó en la pintura de Bell lirios de aro , que representa una naturaleza muerta con objetos similares a los encontrados en su casa de Charleston.
La casa y el jardín de Charleston es una colección de personas que se unen para crear algo que sea identificable de manera única para ellos. Debido a las constantes idas y venidas de la gente y la decoración en constante cambio, la casa de Charleston sigue siendo, en última instancia, un hogar compartido por muchos.
Jardines de Claude Monet: un estudio de arte al aire libre
Claude Monet frente a su casa en Giverny , 1921, Museo de Orsay, París
Después de moverse de un lugar a otro durante su carrera artística, fue Giverny quien se convirtió en de Claude Monet casa definitiva. Hay rosas trepadoras y enredaderas que envuelven el frente de la casa de Giverny. Las puertas de color verde brillante contrastan con los rojos vivos de los rosales del frente. El frente de su casa es solo el comienzo de la habilidad de Monet para crear una obra maestra de tierra y jardín. Giverny se convirtió en la fuente de inspiración de algunas de sus obras más reconocibles que aún continúan cautivando a los espectadores en la actualidad.
Los jardines de flores de Giverny
Claude Monet en Giverny , 1908, Museo de Arte de Denver
Monet fue particular sobre qué tipos de flores plantó y dónde las plantó. Arreglaría sus flores por colores, mezclando especies raras con la flor más común, desde rosas, tulipanes, margaritas, girasoles o dedaleras. Se permitió que sus jardines crecieran abundantemente con árboles que cubrían sus macizos de flores y rosas trepadoras que se extendían a lo largo de las paredes de su casa. Monet trató su jardín como si estuviera creando una pintura. El color gobernaba por encima de todo y las combinaciones de estos colores se planificarían tan meticulosamente como sus pinturas impresionistas .
El jardín del artista en Giverny por claude monet , 1900, Museo de Orsay, París
Los jardines de Monet dan la sensación de sumergir a los espectadores en su mundo tal como lo hacen sus pinturas. Similar a las pinceladas brumosas de sus pinturas, uno no puede decir dónde termina la casa y comienza el jardín, fusionando los dos en uno. Un ejemplo es la pintura. El jardín del artista en Giverny . Las flores de color púrpura brillante en esta pintura se destacan contra el fondo verde borroso de su casa y los árboles. Incluso en esta pintura, el espectador puede ver la ubicación deliberada de sus macizos de flores para crear distintas formas y colores dentro de la pintura.
El puente japonés y el estanque de nenúfares
fotografía sin título, Durand-Ruel Archives, album no. III , Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
Monet hizo construir el puente en un estilo japonés que estaba rodeado de glicinias, bambú, lirios y un estanque de nenúfares debajo. Crear sus propias escenas en los jardines le permitió tener un espacio constante donde podía enfocarse y estudiar una escena específica. Las pinturas de Monet del estanque se centraron en los reflejos del agua más que en los objetos físicos en sí. La idea de reflejos e inmersiones lleva a Monet a crear múltiples representaciones de esta única escena.
La pasarela japonesa por claude monet , 1920-22, MoMA
Una de estas interpretaciones del puente japonés se ve en la pintura de arriba. En la década de 1920, el uso del color y la aplicación de pintura de Monet cambió en Giverny. Sus colores se transformaron de verdes y azules calmantes a rojos y amarillos enérgicos. Sus pinceladas estaban menos controladas y las líneas se colocaban libremente en el lienzo. Esto podría deberse al envejecimiento de la vista de Monet, pero aún así hay un cambio visible en este trabajo en comparación con los anteriores.
The Art Studio: La creación de la serie Water Lily de Monet
Claude Monet en su estudio en Giverny by Henri Manuel, 1920
Monet es conocido por crear sus pinturas en el aire libre estilo. Caminaba por el campo de Francia o flotaba en un barco de estudio por el Sena para crear sus pinturas al aire libre. Sin embargo, para sus pinturas sobre paneles a gran escala de sus nenúfares, necesitaba mudarse a un estudio de arte. Monet tenía sesenta y tantos años cuando comenzó la serie, y son algunas de las más grandes en las que ha trabajado.
Giverny creció a lo largo de los años y Monet con él. Continuamente agregó a sus jardines y huertos existentes, lo que le permitió nunca viajar lejos de casa. Su inspiración siempre estuvo a unos pasos de distancia y lo llevó a la creación de sus obras más famosas.