El arte surrealista y sus artistas
El asesino amenazado de René Magritte, 1927, MoMA
Surrealismo fue un movimiento artístico y literario de vanguardia que surgió a principios del siglo XX. Se centró en la expresión emocional profunda a través de la creación artística y la asociación libre. Se basó en gran medida en el psicoanálisis, que profundizó en la mente inconsciente para identificar impulsos o traumas reprimidos. El surrealismo representó un punto de inflexión en el modernismo y la función del arte en la sociedad, ya que se separó de la estética tradicional a favor del autoanálisis. A continuación se muestran 10 pinturas famosas del movimiento y sus artistas.
Arte dadá y surrealismo temprano
El surrealismo estuvo fuertemente influenciado por el movimiento de vanguardia llamado dadaísmo . Al igual que el surrealismo, el dadaísmo fomentó estilos artísticos no tradicionales, la ironía y la imaginería errónea. andré bretón , el fundador del surrealismo, fue también un miembro clave de la Dada movimiento y creó el método automático de libre asociación, que sería una influencia importante en el arte y la literatura surrealistas.
Célebes (1921) de Max Ernst
Célebes por Max Ernst , 1921, Tate
ernesto max fue un artista, escultor y poeta alemán que fue un miembro clave de los movimientos dadaísta y surrealista. Su trabajo es conocido por su experimentación con la ilusión y lo irracional y se convirtió en un miembro destacado en el uso de Automatismo . También fue pionero en un método llamado ' frotamiento ', que consistía en colocar papel sobre superficies irregulares y luego frotar un lápiz sobre él para crear la silueta de la superficie.
Célebes representa un contenedor de maíz sudanés que se ha transformado en un monstruo mecánico parecido a un elefante. Como muchas pinturas surrealistas, la pieza está ambientada en un vasto y desolado paisaje. Al frente de la pieza hay una figura femenina sin cabeza. Hay numerosos elementos de iconografía inconexa que incluyen peces voladores, latas de aceite y un poste como si fueran imágenes de un sueño. Estos elementos aparentemente aleatorios son producto del automatismo surrealista y de la libre asociación de la mente inconsciente.
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¡Gracias!Carnival of Harlequin (1924-25) by Joan Miró
Carnaval de Arlequín by Joan Miró , 1924-25, Galería de Arte Albright-Knox
Joan Miró fue un artista español y un destacado miembro de la vanguardia del siglo XX. Su trabajo se caracterizó por el uso de colores brillantes, formas geométricas y cambios de perspectiva. Usó estos elementos para crear piezas abstractas simplistas pero evocadoras. Hay dos museos dedicados a su obra, uno en Barcelona titulado Fundació Joan Miró y el otro en Mallorca llamado Fundación Pilar I Joan Miró.
El Carnaval del Arlequín se centra en un arlequín fragmentado en una escena de carnaval. La paleta de colores presenta colores primarios sobre un fondo gris. Ejemplifica el simbolismo y la libre asociación del surrealismo con elementos desconectados que se unen para formar una pieza cohesiva. La ventana de fondo tiene un sol y una montaña geométricos y abstractos. Muchas de las figuras de la pintura están antropomorfizadas y parecen estar bailando, lo que resalta la naturaleza sin sentido de la escena.
El Arte Surrealista y la Exploración del Inconsciente
Influenciados por la teoría psicoanalítica, los surrealistas utilizaron el arte para profundizar en la mente inconsciente. Este fue un método de autoanálisis, desbloqueando actitudes, deseos o traumas subyacentes y transponiéndolos al arte con simbolismo. El uso del psicoanálisis resultó en imágenes altamente emocionales, viscerales y, a menudo, impactantes.
The Great Masturbator (1929) by Salvador Dalí
El gran masturbador by Salvador Dalí , 1929, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia
Salvador Dalí fue un artista español y un miembro destacado del movimiento surrealista. Su trabajo fue conocido por sus paisajes de ensueño e imágenes extrañas. Estuvo muy influido por el psicoanálisis freudiano y utilizó el arte para adentrarse en el inconsciente a través del simbolismo. Si bien amplió su carrera a otros movimientos artísticos, incluidos Cubismo y utilizó medios como la escultura, el grabado y la escritura, fue conocido principalmente por su arte visual surrealista.
El gran masturbador representa una gran figura amorfa basada en una formación rocosa catalana. De la parte superior de la figura sobresale un perfil que recuerda a Gala, la esposa de Dalí, y está rodeado de otras formas corporales grotescas. Pequeñas figuras se encuentran debajo de la gran formación en el paisaje catalán característico de Dalí. Como muchas pinturas surrealistas, su combinación de elementos individuales sugiere una asociación libre, que juntos representan la fascinación y el disgusto conjuntos de Dalí hacia las relaciones sexuales.
La columna rota (1944) de Frida Kahlo
La columna rota por Frida Khalo , 1944, Museo Dolores Olmedo
Frida Kahlo fue un pintor mexicano y un destacado colaborador del movimiento surrealista. Fue conocida principalmente por sus autorretratos altamente autobiográficos. Estos retratos a menudo resaltaban su lucha de por vida contra la enfermedad y la discapacidad, presentando imágenes profundamente personales y, a veces, perturbadoras. Su trabajo también se inspiró significativamente en la cultura mexicana y, a menudo, incluía iconografía o vestimenta tradicional mexicana, colores brillantes y flores.
La columna rota representa las limitaciones de la discapacidad en la vida de Kahlo. A los 6 años contrajo polio, que la dejó con una cojera permanente. Más tarde estuvo involucrada en un accidente de autobús, durante el cual un poste de metal atravesó su pelvis y la dejó discapacitada por el resto de su vida. Ella luce un aparato ortopédico en la pintura, que se le pidió que usara después de su accidente. Su columna vertebral está simbolizada por una antigua columna griega que está fragmentada dentro de su cuerpo para representar su fragilidad física después de su accidente. También es penetrada por muchos clavos, que representan su constante dolor y vulnerabilidad.
Objeto en piel (1936) de Meret Oppenheim
Objeto en piel por Meret Oppenheim , 1936, MoMA
Meret Oppenheim fue una artista suizo-alemana y una destacada colaboradora del movimiento surrealista. Su trabajo se centró en el feminismo y la subyugación de la mujer en la sociedad a través de la fragmentación de los cuerpos femeninos. Estuvo muy vinculada a otros artistas de vanguardia, posando para Hombre rayo y colaborando con Pablo Picasso . También era conocida por experimentar con materiales no tradicionales en el arte.
Objeto en piel es una escultura de una taza de té y una cuchara cubierta con piel de animal. Se inspiró en una conversación entre Oppenheim, Picasso y Dora Maar en un café de París, durante el cual los artistas acordaron que la piel podía cubrir cualquier objeto, sin importar su mundanidad. Ejemplifica el dadaísmo y el surrealismo objeto encontrado ' tipo de escultura, que utilizó y combinó objetos no tradicionales u ordinarios como esculturas artísticas. Objeto en piel ha sido reconocida por su combinación de domesticidad y erotismo, siendo una de las obras de arte más influyentes de los 20elsiglo.
Hospital Henry Ford (1932) de Frida Kahlo
hospital henry ford por Frida Khalo , Museo Dolores Olmedo
hospital henry ford retrata a Kahlo acostada en una cama de hospital después de sufrir un aborto espontáneo. Ella es central en la pintura, sangrando y rodeada de imágenes de fertilidad, salud y parto. Detrás de ella hay imágenes del industrialismo urbano. Un accidente de autobús durante su juventud le había aplastado la pelvis y la columna vertebral, incapacitándola de por vida y dejándola infértil. La pieza, por lo tanto, representa sus sentimientos duraderos de vulnerabilidad, impotencia y dolor causados por su accidente y su lucha con la feminidad y la infertilidad.
Motivos famosos del arte surrealista
La exploración de la mente surrealista produjo imágenes abstractas de paisajes oníricos con un tema y un simbolismo paradójicos. Para conectar estas escenas sin sentido, los surrealistas utilizaron motivos repetidos como si fueran parte de un sueño recurrente. Estos motivos se convirtieron en símbolos reconocibles e incluso icónicos del arte surrealista.
La lámpara del filósofo (1936) de René Magritte
La lámpara del filósofo por René Magritte , Colección privada
René Magritte fue un artista belga y un miembro prolífico del movimiento surrealista. Ha creado numerosas obras maestras surrealistas y siguió siendo un colaborador perdurable del período a lo largo de su carrera. Su arte fue conocido por sus elementos de ilusionismo, ironía e ingenio. También introdujo varios motivos icónicos en el movimiento, siendo el más famoso una pipa de tabaco. Fue influenciado por sus compañeros artistas Max Ernst y Giorgio de Chirico .
La lámpara del filósofo presenta el uso de Magritte del motivo de la pipa. Es un autorretrato que representa el perfil de Magritte con una mesa al fondo. La nariz de Magritte se extiende, casi como la trompa de un elefante, dentro de la tubería como para parodiar la inteligencia del filósofo. La mesa detrás de él sostiene una vela que se extiende hacia arriba como una serpiente, un gusano o el cable de una lámpara eléctrica. La pieza está llena de ironía humorística y elementos irreales, ejemplificando la naturaleza satírica del Surrealismo.
La persistencia de la memoria (1931) de Salvador Dalí
La persistencia de la memoria by Salvador Dalí , 1931, MoMA
La persistencia de la memoria es una de las obras maestras surrealistas más conocidas, que introduce el motivo del reloj derretido de Dalí en el modernismo del siglo XX. La pieza está ambientada en la costa catalana con el mar de fondo. El centro de la pintura es una forma inerte que se asemeja a un perfil facial, rodeada de relojes derretidos y un cronómetro. Llama la atención entre las nociones de tiempo y realidad, aludiendo a la metamorfosis infinita del mundo en que vivimos.
Gradiva (1939) by André Masson
Materiales por André Masson , 1939, colección privada
André Masson fue un artista francés que se vinculó con el surrealismo, aunque nunca se identificó formalmente como parte del movimiento. Su trabajo fue conocido por su antigua iconografía grecorromana y su representación de imágenes eróticas y grotescamente violentas. También fue un pionero del Automatismo y sigue siendo una de sus influencias más importantes.
Materiales representa un personaje de la novela de 1902 de Wilhelm Jensen 'Materiales,' que se centró en un joven arqueólogo que experimenta delirios de una estatua antigua. Gradiva, objeto de la obsesión del arqueólogo, fue adoptada posteriormente por Freud y los surrealistas como símbolo del deseo. La pintura representa una escena de la novela en Pompeya, en la que Gradiva se convierte en piedra. Presenta imágenes metamórficas, violentas y eróticas y representa un momento de culminación sexual. A pesar de que Materiales es el ejemplo más famoso de imágenes grecorromanas en pintura de Masson, repitió el tema a lo largo de su obra.
El hijo del hombre (1964) de René Magritte
el hijo del hombre por René Magritte , 1964, colección privada
el hijo del hombre es un autorretrato que representa a Magritte frente al mar con traje y bombín. Su rostro está oscurecido por una manzana verde, pero el espectador puede ver sus ojos sobresaliendo por el borde. El tema del rostro oscurecido aparece en dos de las otras pinturas de Magritte realizadas durante el mismo período, La gran Guerra (1964) y El sabor de lo invisible (1964). Es una de las pinturas más reconocidas de Magritte y se ha reiterado continuamente en la cultura pop moderna.