Estas son las 10 pinturas de paisajes más sublimes de todos los tiempos

Wanderer Above Sea Fog de Caspar David Friedrich, 1817, vía Kunsthalle Hamburg (izquierda); White Night de Edvard Munch, 1901, a través del Museo Nacional de Arte, Arquitectura de Diseño, Oslo (derecha)

Las pinturas de paisajes sublimes son uno de los temas más teatrales y emotivos de la historia del arte, combinando belleza, drama y devastación en igual medida. El término 'sublime' fue definido por el filósofo Edmund Burke Una investigación filosófica sobre el origen de nuestras ideas de lo sublime y lo bello en 1757 como belleza mezclada con algo extra, un cierto peligro, miedo u horror, o lo que él llamó: cualquier cosa que sea de algún modo terrible o esté familiarizada con objetos terribles u opere de una manera análoga al terror. Burke también ha llamado sublime nada menos que a la emoción más poderosa que la mente puede sentir. ¡No es de extrañar que los artistas estuvieran ansiosos por adoptar el estilo!

Pintura de paisaje sublime a través de la historia

Aunque el término sublime podría describir varios temas, las pinturas de paisajes sublimes han sido algunas de las más perdurables y cautivadoras de todas. Incluso antes del famoso texto de Burke, los pintores desde la época medieval han aumentado las nubes de tormenta arremolinadas, los acantilados afilados y las montañas irregulares con picos nevados para transmitir una maravilla y un terror abrumadores a las audiencias cautivadas. Perdámonos en algunas de las pinturas de paisajes más impresionantes y sublimes de todos los tiempos, desde la era del Renacimiento hasta los tiempos modernos y contemporáneos.

1. Pieter Brueghel the Elder, Paisaje con la Huida a Egipto, 1563

Paisaje con la Huida a Egipto Pieter Brueghel the Elder , 1563, vía The National Gallery, Londres

Pieter Brueghel the Elder’s, Paisaje con la Huida a Egipto, 1563 tipifica la pintura de paisaje sublime de la Renacimiento del norte , combinando paisajes impresionantes con narrativa religiosa. Las diminutas figuras de María y José se tambalean a lo largo de un peligroso acantilado en primer plano, huyendo de la persecución en Belén. El paisaje está estrechamente ligado a su historia, ya que un paisaje pálido y distante representa la tierra familiar que están dejando atrás, mientras que el oscuro y ominoso primer plano al que se dirigen está envuelto en la oscuridad y el peligro de lo desconocido. Breughel buscó contrastar áreas de quietud y movimiento dentro de esta única imagen, pintando las rocas y las montañas como una constante constante e inmóvil, en comparación con el movimiento constante del agua, las personas y las aves. Este equilibrio de opuestos entre oscuridad/luz, fragilidad/permanencia y quietud/movimiento es la razón por la que este sublime paisaje se ha convertido en una de las imágenes más perdurables de todos los tiempos.

2. Philip James De Loutherbourg, Una avalancha en los Alpes, 1803

Una avalancha en los Alpes Philip James De Loutherbourg , 1803, vía Tate, Londres

Philip James De Loutherbourg, residente en Gran Bretaña y nacido en Francia, pintó Una avalancha en los Alpes en 1803, en un momento en que el pintoresco pero peligroso Alpes franceses eran una encarnación cada vez más popular del paisaje sublime. Además de pintor, De Loutherbourg también trabajó como diseñador de escenarios teatrales, un papel que le permitió invertir un drama abrumador en sus lienzos a través de una iluminación, profundidad y movimiento severos. Aquí, las lejanas montañas francesas están comenzando a desmoronarse en una avalancha, lanzando terriblemente enormes nubes de polvo y humo a lo largo de la escena y oscureciendo el cielo. Un destello de luz blanca en el centro atrae nuestra atención hacia los pequeños y aterrorizados espectadores que son minúsculos frente a las rocas que caen a su alrededor, que pronto serán destruidos por las fuerzas elementales de la naturaleza.

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3. José Mallord William Turner, Tormenta de nieve: Aníbal y su ejército cruzando los Alpes, 1812

Tormenta de nieve: Hannibal y su ejército cruzando los Alpes por Joseph MallordWilliam Turner , 1812, vía Tate, Londres

JMW Turner Tormenta de nieve: Aníbal y su ejército cruzando los Alpes, 1812, tipifica la belleza agonizante de la Romanticism era , con nubes de tormenta monstruosas y arqueadas que se elevan sobre las personas pequeñas debajo. Dedicado a Aníbal Barca, comandante de el ejercito cartaginés en 200-100 a. C., la pintura muestra a los soldados de Aníbal intentando cruzar los Alpes en 218 a. C., con miembros de tribus salasianas luchando en la retaguardia de Aníbal. Aquí, la tormenta se convierte en una poderosa metáfora de la lucha que amenaza la vida, ya que las nubes negras y enojadas forman un vórtice aterrador y arremolinado que empuja a los pequeños e indefensos soldados. En la distancia, el sol es un orbe resplandeciente de luz fascinante, un rayo de esperanza en medio de la tragedia de la guerra. Pero más allá de las referencias narrativas, esta sublime paisaje de Turner es, en última instancia, un reflejo de la pura y destructiva brutalidad de la naturaleza, que amenaza con engullir cruelmente a las personas de abajo.

4. Gaspar David Friedrich, vagabundo sobre la niebla del mar, 1817

Caminante sobre la niebla del mar Gaspar David Friedrich , 1817, vía Kunsthalle Hamburgo

Una de las pinturas de paisajes más icónicas y sublimes de todos los tiempos, del pintor alemán Caspar David Friedrich, vagabundo sobre la niebla del mar, 1817, encapsula el espíritu soñador e idealista de romanticismo europeo . De pie, solo, en una roca alta y oscura, una figura solitaria contempla su lugar en el universo, mientras una niebla brumosa pulula sobre los valles distantes y las montañas más allá. Friedrich transmite el paisaje sublime aquí como un terreno inhóspito e incognoscible, que refleja la fascinación del siglo XIX por la naturaleza salvaje y desenfrenada.

A diferencia de otros artistas de la época que tendían a crear pequeñas figuras para enfatizar la magnitud del paisaje, Friedrich le da a su figura un papel central pero cuando se ve desde atrás conserva su anonimato como un 'vagabundo' abstracto, actuando como un símbolo para todos los soñadores melancólicos del siglo XIX y más allá. La escena es una toma imaginaria del campo montañoso de Alemania; Para crear tales lugares místicos, Friedrich buscó en su interior, escribiendo: Cierra tu ojo físico, para que puedas ver tu imagen primero con el ojo espiritual. Luego trae lo que viste en la oscuridad a la luz, para que pueda tener un efecto en los demás, brillando hacia adentro desde afuera.

5. Karl Eduard Biermann, el cuerno mojado, 1830

El Wetterhorn Karl Eduard Biermann , 1830, vía Alte Nationalgalerie, Berlín

de Karl Eduard Biermann el cuerno mojado, 1830, resume el sublime estilo de pintura paisajista del pintor alemán, con un terreno vasto y accidentado en medio de una espectacular iluminación teatral. El primer plano escarpado está cuidadosamente pintado en ricos tonos oscuros de verde y marrón, y nos lleva hacia una franja de árboles y rocas que desaparecen en la sombra negra. En el fondo, una cadena montañosa épica está iluminada por un rayo de luz solar, enfatizando sus agujas heladas y puntiagudas como un lugar místico e inalcanzable, mientras que las nubes se arremolinan en lo alto como si amenazaran con estallar en una tormenta. Al igual que muchos pintores románticos, Biermann enfatiza el asombro, la maravilla y la escala aterradora de la escena al colocar dos figuras diminutas en primer plano que nos permiten imaginarnos a nosotros mismos en medio de la escena. Intentan trepar a través de rocas irregulares y hierba pantanosa, mientras una cascada furiosa pasa junto a ellos y atrapa la luz como un relámpago, dividiendo su peligroso viaje en dos.

6. Arnold Bocklin, la isla de los muertos, 1880

La isla de los muertos por Arnold Bocklin , 1880, a través del Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

Una de las pinturas de paisajes más inquietantemente sublimes jamás realizadas, la del pintor alemán Arnold Bocklin. la isla de los muertos, 1880, transmite una isla imaginaria que se eleva desde el mar contra un cielo oscuro y melancólico. El cuadro fue encargado por Marie Berna, que acababa de enviudar, y solo pidió un cuadro para soñar. Respondiendo a su pedido, Bocklin invistió su imagen con alusiones a la muerte y al duelo. En primer plano, una figura blanca fantasmal es conducida hacia la isla en un pequeño bote de remos junto a un objeto que parece un ataúd. El remero ha sido comparado con el carácter griego antiguo de Caronte el barquero , que transportaba las almas de los muertos a través del río Estigia hasta el Hades. A lo largo de la isla hay filas de cipreses amenazadoramente oscuros tradicionalmente asociados con los cementerios, mientras que las rocas resplandecientes irregulares más allá están cortadas con puertas y ventanas sepulcrales. En contraste con muchos paisajes sublimes, la quietud espeluznante invade la escena, otorgándole un silencio inquietante; El propio Bocklin incluso describió el trabajo como tan silencioso que uno se asustaría cuando llamaran a la puerta.

7. Edvard Munch, Noche Blanca, 1901

noche Blanca Edvard Munch , 1901, a través del Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño, Oslo

Edvard Munch hecha Noche Blanca, 1901 en su carrera posterior, en un momento en que había abandonado la figuración en favor de los paisajes atmosféricos, pero se mantuvo la misma ansiedad omnipresente de su arte anterior. Esta sublime pintura de paisaje retrata a su Noruega natal en pleno invierno, mirando hacia un fiordo helado a través de amenazadores árboles oscuros. Un bosque de abetos forma un borde dentado tan afilado como el filo de una sierra, una advertencia del peligroso hielo que hay más allá. Los árboles negros en primer plano sugieren rostros o criaturas fantasmas, pero apenas se reconocen bajo el manto del anochecer. Combinando la brillante luz de la luna con estas cualidades de peligro y amenaza, la escena nocturna de invierno de Munch captura la belleza sublime del invierno noruego. Reflexionando sobre las formas en que sus escenas de paisajes podrían fusionar las observaciones con la mente interior, Munch escribió: La naturaleza no es solo todo lo que es visible para el ojo... también incluye las imágenes internas del alma.

8. Akseli Gallen-Kallela, lago keitele, 1904

lago hervir por Akseli Gallen-Kallela , 1904, vía The National Gallery, Londres

Askeli Gallen-Kallela lago keitele, 1904, transmite el famoso lago finlandés como un fascinante espejo de luz atravesado por corrientes de viento en zigzag. La pintura se realizó en un momento en que se sentía un creciente deseo de independencia en Finlandia. Celebrando la gran naturaleza virgen del país, esta sublime pintura de paisaje se convirtió en un potente símbolo del nacionalismo y el orgullo finlandeses. Aunque no hay señales de vida humana, las corrientes naturales de movimiento que se ven corriendo a través del agua son una característica bien conocida del lago. Estas vetas de movimiento eran tan conocidas históricamente que en la antigua cultura finlandesa se vinculaban con el personaje mitológico de Väinämöinen , de quien se decía que dejaba ondas mientras viajaba por el lago. Estas representaciones sutiles del movimiento tenían un gran simbolismo nacionalista para Gallen-Kallela, celebrando la misteriosa y enigmática belleza de la antigua cultura finlandesa y sus estrechos vínculos con la tierra. Los describió como, rayas plateadas en la superficie del agua serena son las ondas que anuncian la pasión por venir.

9. Tomás Morán, El Gran Cañón del Colorado, 1904

El Gran Cañón del Colorado por Tomás Morán , 1904, a través de Christie's

En Thomas Moran El Gran Cañón del Colorado, 1904, la gran extensión de este famoso parque nacional se transmite en una enorme escala panorámica de siete por diez pies. Líder tanto en las escuelas del río Hudson como en las de las Montañas Rocosas, el pintor estadounidense Moran estaba tan cautivado por el terreno virgen peligrosamente hermoso de Colorado que se sumergió profundamente en un paisaje donde pocos se habían aventurado antes que él, pintando más de treinta escenas que capturaban este paisaje único y sublime. . Al observar con fascinación el gran espacio abierto más allá de él, escribió, su tremenda arquitectura lo llena a uno de asombro y admiración, y su color, formas y atmósfera son tan deslumbrantemente hermosos que, por mucho que uno haya viajado, se abre un nuevo mundo. a él cuando contempla el Gran Cañón.

Esta escena transmite una visión idealizada y romantizada de la gran Cañón mientras rocas afiladas caen dentro y fuera de la luz antes de desvanecerse en el horizonte lejano, mientras una tormenta invasora se acumula en lo alto. El público quedó tan deslumbrado por las representaciones de Moran de la gran naturaleza estadounidense que hoy en día se le atribuye haber influido en la creación de el sistema de parques nacionales que ha preservado la integridad del paisaje sublime de Estados Unidos.

10. Peter Doig, Chaqueta de esquí, 1994

Chaqueta de esquí por Peter Doig , 1994, vía Tate, Londres

pintor escocés de Peter Doig Chaqueta de esquí, 1994, es una ráfaga de energía y movimiento como la nieve. Basado en una imagen fotográfica con aprendices de esquí esparcidos por una montaña japonesa, Doig distorsiona e interrumpe deliberadamente la imagen original, cortándola en dos partes por el medio y volviéndola a unir para crear un espeluznante espejo. Rorschach efecto. Doig es bien conocido por fusionar material fotográfico con marcas pictóricas, lo que permite que los dos estilos en conflicto jueguen entre sí, como se ve en esta imagen, donde los árboles cuidadosamente pintados están rodeados por lavados en capas sueltas de rosa, blanco y verde. Estos pasajes acuosos de pintura sugieren las cualidades frías y resbaladizas del hielo y la nieve que impregnan la imagen y le otorgan una peligrosa incertidumbre, lo que refuerza el miedo de los diminutos esquiadores que luchan contra el traicionero terreno escarpado que los rodea.

Legado de la pintura de paisaje sublime

Lo sublime fue declarado 'anticuado' en el siglo XIX, desvaneciéndose a favor del impresionismo francés. Sin embargo, la pintura de paisajes sublimes hizo una reaparición en el siglo XX cuando los expresionistas abstractos exploraron los mismos temas existencialistas y trascendentes en su pintura. Artistas como Mark Rothko, Clyfford Still y Robert Smithson han utilizado elementos de lo sublime en su trabajo.