¿Qué es la estética relacional?
¿Cocinar y cenar puede ser arte? ¿Qué tal deslizarse por un tobogán en medio de un museo? ¿O construir y administrar una tienda, pintar un río, hablar con extraños, producir refrescos en una cooperativa y promover recreaciones históricas?
Según la Estética Relacional, sí, ¡todas estas cosas pueden ser arte! La estética relacional es el arte que, en la era de la velocidad tecnológica y las comunicaciones virtuales, centró su atención en la conexión humana. Es el arte de la colaboración, el contacto y el vínculo de persona a persona. Es algo que desdibuja las líneas entre arte e intercambios sociales, entre instituciones y espacio público.
El nacimiento de la estética relacional
En 1992, la gente fue a la Galería 303 en Nueva York para ver el trabajo del artista argentino-tailandés Rirkrit Tiravanija. No había lienzos en las paredes, ni esculturas en el suelo, ni collages informativos. Más bien, Tiravanija se apoderó de una sala de la galería para preparar una cena pad thai para su audiencia.
Esta cena fue, de hecho, la obra de arte real. No la comida en sí, sino todo el evento y la reunión. Las conversaciones entre los presentes, la experiencia de compartir alimentos y las interacciones que allí se dieron, todo esto fue parte del trabajo.
Tiravanija Sin título (gratis) es una representación perfecta de los intereses que se apoderaron del arte de la década de 1990: producciones efímeras e interactivas, una creciente desmaterialidad y un enfoque en experiencias sobre fisico objetos . Artistas jóvenes como Tiravanija exploraban eventos seleccionados, experiencias in situ y situaciones que conectaban o insertaban la obra de arte directamente en el mundo.
En ese momento, obras de arte como esta a menudo eran pasadas por alto por los críticos, descartadas como inclasificables o desordenadas, y comparadas constantemente con los movimientos de vanguardia de la década de 1960. El crítico de arte y curador Nicolas Bourriaud fue el primero en intentar seriamente comprenderlos. Para Bourriaud, el arte que estaba cobrando impulso en la década de 1990 no podía analizarse adecuadamente comparándolo con movimientos anteriores. Exigía un nuevo paradigma teórico. Al identificar la tendencia a la interactividad, la desmaterialidad y un creciente interés por las relaciones humanas y sociales, Bourriaud acuñó el término estética relacional .
El término se utilizó por primera vez en la exposición de arte colectiva de 1996. Tráfico en el Museo Contemporáneo CAPC de Burdeos. Como curador, a Bourriaud se le ocurrió el concepto de estética relacional mientras hablaba de la exposición con sus artistas destacados, entre los que se encontraban Rikrit Tiravanija, Vanessa Beecroft, Pierre Huyghe, Carsten Höller, Jorge Pardo, Gabriel Orozco, Liam Gillick, Christine Hill y otros. artistas clave en el arte relacional.
En 1998, Bourriaud publicó su libro Estética relacional , que se convirtió en una especie de éxito de ventas en el mundo del arte y dio origen a su propia industria posterior de comentarios y críticas. Compuesto por una colección de ensayos sobre el arte de la década, el libro clasificó el arte relacional como Un arte que toma como horizonte teórico el ámbito de las interacciones humanas y su contexto social, en lugar de la afirmación de un espacio simbólico independiente y privado. .
La genealogía de la estética relacional
La teoría de la estética relacional se basa en una serie de prácticas artísticas radicales que saltó a la fama a mediados del siglo XX. Aunque los objetivos y sensibilidades de los artistas relacionales son diferentes a los movimientos de las décadas de 1960 y 1970, se basan en las innovaciones de varios de esos grupos artísticos innovadores.
Los sucesos de Allan Kaprow
A mediados de la década de 1950, el artista Alan Kaprow acuñar el termino Sucediendo para denotar un evento artístico que presentó algo espontáneo, algo que simplemente sucede . En realidad, los acontecimientos de Kaprow estuvieron bien planificados y fueron extremadamente participativos. El término pronto se hizo popular como una forma de referirse a prácticas y representaciones artísticas.
La Internacional Situacionista
La Internacional Situacionista fue un grupo intelectual, artístico y revolucionario que operó desde 1957 hasta 1972. Los artistas de la Internacional Situacionista buscaron construir situaciones o eventos en los que las personas entrarían en contacto directo entre sí y con el espacio que los rodea, alterar las reglas del mercado del arte y la base misma del capitalismo burgués sociedad del espectaculo .
Los situacionistas crearon y promovieron prácticas como la derivado (la acción de caminar sin rumbo y perderse en la ciudad), la psicogeografía (el estudio de las relaciones entre las personas y el espacio geográfico que habitan), y desviación (el acto de apropiarse y subvertir anuncios y otros medios de propaganda consumista).
Fluir
Fluir fue un movimiento artístico internacional y multidisciplinario activo en los años 1960 y 1970. Operando a menudo a través de una subversión humorística y lúdica, Fluxus se declaró un no-movimiento, produciendo anti-arte. Los artistas trabajaron en expresa oposición al objeto de arte como mercancía. La música experimental, las actuaciones y los acontecimientos de Fluxus tenían como objetivo colapsar los límites entre el arte y la vida cotidiana, incluyendo en ocasiones la participación del público.
Interactivos de Hélio Oiticica
En las décadas de 1960 y 1970, Hélio Oiticica comenzó a alejarse de sus obras modernistas hacia nuevas formas radicales. Oiticica creó obras de arte portátiles que combinan la línea entre escultura, vestimenta, danza y performance. Sus instalaciones sensoriales como Edén , tropicalia, y el Cosmococas son obras fundamentales en el arte contemporáneo brasileño que introdujeron nuevas formas de prácticas interactivas en el mundo del arte.
LA COMIDA de Gordon Matta-Clark
En 1971, el artista estadounidense Gordon Matta-Clark abrió FOOD, un restaurante en Soho, Nueva York. FOOD, que era al mismo tiempo un proyecto de arte y una empresa de prestación de servicios, empleó artistas como personal y experimentó con arte gastronómico socialmente comprometido, colapsando los límites entre la cocina, el arte escénico y la vida cotidiana.
Los años 1990 y la forma relacional
Tras el final de La guerra fria , la década de 1990 experimentó un rápido avance de la globalización y el consumismo desenfrenado. Era la década del boom tecnológico digital, de Internet y de la World Wide Web. La comunicación se volvió digitalizada e instantánea.
La llegada del espacio virtual conectó diferentes lados del mundo, pero también permitió que múltiples áreas de las relaciones humanas se convirtieran en productos y áreas de consumo. Inmediatamente después de estos desarrollos surgió el arte relacional. Las obras relacionales buscaron destilar experiencias sociales en arte, creando vínculos directos con el mundo y dirigiendo su atención a las conexiones humanas en un momento en que se mercantilizaban cada vez más.
El objeto general del arte relacional no es el resultado de las interacciones sino las interacciones mismas. Nicolas Bourriaud afirma en su emblemático libro Estética relacional (1998) que El arte es un estado de encuentro. . Este espacio-tiempo de colaboración y comunicación a veces se denomina microtopía . Las ideas sociales de la estética relacional no tienen el objetivo final de cambiar el mundo vislumbrando un reordenamiento social utópico, como fue a menudo el caso en los movimientos de vanguardia de principios del siglo XX. En cambio, el arte relacional a menudo crea estas microtopías como un mundo que cobra vida en un evento, incluso si está contenido en las reglas específicas de la obra de arte. Los artistas que trabajaban con estética relacional jugaron con reglas institucionales, a veces subvirtiendo las expectativas de cómo debería ser una obra de arte exhibida en una galería o museo, y en otras ocasiones involucrando a personas completamente ajenas a las instituciones artísticas.
Obras de arte relacionales clave
Como muchos movimientos de arte contemporáneo que no son bastante movimientos, la estética relacional no tiene un conjunto de reglas o límites estrictos. Algunos ejemplos de trabajo relacional importante incluyen de todo, desde instalaciones interactivas, esculturas participativas, entrevistas callejeras, intervenciones urbanas y sucesos.
Estos incluyen el de Rirkrit Tiravanija. Sin título (gratis/fijo) eventos relacionados con la comida como la cena pad thai de 1992. La pieza fue reactivado varias veces en diferentes lugares, en 1995, 2007 y 2011. Otros ejemplos incluyen Gillian Wearing Señales que dicen lo que tú quieres que digan y no Señales que dicen lo que otra persona quiere que digas (1992-1993), donde el artista pedía a desconocidos que escribieran lo que quisieran en un cartel y los fotografiaba.
También hay esculturas de Félix González-Torres como Sin título (Retrato de Ross en Los Ángeles) (1991) que consta de un montón de caramelos que representan al novio de la artista, Ross Laycock. La pila de dulces tiene un peso ideal de 175 libras, el peso que tenía Laycock antes de contraer el SIDA. La obra anima al público no sólo a tocar la obra de arte sino también a comérsela. A medida que el público se lleva los dulces, el trabajo disminuye, en referencia a la enfermedad.
Christine Hill Boutique del Pueblo Es un proyecto iniciado en 1993 que aún continúa. Se materializa en varias tiendas creadas por la artista, donde vende diversos productos, recuperando el elemento humano en las transacciones comerciales. Jans Haaning chistes turcos (1994) presentó una actuación en la que el artista reproducía chistes turcos grabados en las calles de Oslo, confundiendo y excluyendo a los noruegos que no sabían turco mientras conectaba a noruegos e inmigrantes que sí lo sabían.
En casa de Jeremy Daller Batalla de Orgraeve (2001) el artista montó una recreación de un conflicto histórico entre la policía y los trabajadores en huelga, involucrando a personas que estaban allí para el evento real. Posteriormente, Daller exhibió una grabación de la recreación y registros históricos del conflicto real en instalaciones que desdibujan los límites entre la ficción y la historia registrada.
Carsten Höller, por su parte, instala toboganes gigantes en edificios normales. El artista ha trabajado con diapositivas en varias ocasiones, desde el Valerio diapositivas de la Bienal de Berlín de 1998 hasta el enorme Sitio de prueba toboganes en la Tate Modern en 2006. El juguete incita a las personas, especialmente a los adultos, a participar en el juego.
Después de la estética relacional
La estética relacional ha sido criticada desde sus inicios, particularmente en los círculos artísticos estadounidenses y británicos. Las críticas comunes argumentaron que el concepto era demasiado vago, de tal manera que técnicamente todo el arte podría considerarse relacional. Surgieron preguntas sobre la naturaleza de las audiencias que participaron en las obras de arte y su efectividad como proceso “democrático” contra el elitismo del mundo del arte. Muchos también han argumentado que el término se había vuelto banal, ya que la palabra relacional comenzó a usarse indistintamente con interactivo o participativo .
La teoría ha sido revisada y revisada varias veces por otros, incluido el propio Nicolas Bourriaud. Su investigación en estética relacional está estrechamente ligada a sus trabajos posteriores, como Post-producción (2003) y Edad moderna (2009). Estética relacional (el concepto), obras de arte relacionales y Estética relacional (el libro) siguió siendo popular e influyente, particularmente entre artistas y estudiantes de arte. Es seguro decir que la estética relacional hizo el importante trabajo de introducir nuevos marcos de referencia al arte y nuevas formas de pensar sobre las prácticas y formas del arte.