10 obras de arte cubistas icónicas y sus artistas
Las mujeres de Argel by Pablo Picasso , 1955, vendido por Christie's (Nueva York) en 2015 por la asombrosa suma de 179 millones de dólares a Sheikh Hamad bin Jassim bin Jaber Al Thani, Doha, Qatar
arte cubismo fue un movimiento moderno que se conoce hoy como el período más influyente en arte del siglo XX . También ha inspirado estilos posteriores en arquitectura y literatura. Es conocido por sus representaciones geométricas deconstruidas y desgloses de la relatividad espacial. Desarrollado por Pablo Picasso y Jorge Braque entre otros, el cubismo se basó en postimpresionista arte, y en particular las obras de Paul Cezanne, que desafió las nociones tradicionales de perspectiva y forma. A continuación se muestran 10 obras cubistas icónicas y los artistas que las produjeron.
Arte protocubista
El protocubismo es la fase introductoria del cubismo que comenzó en 1906. Este período refleja la experimentación y las influencias que dieron como resultado formas geométricas y una paleta de colores más apagados en marcado contraste con el anterior. fauvista y post-impresión movimientos t.
Las damas de Aviñón (1907) de Pablo Picasso
Las Damas de Aviñón by Pablo Picasso , 1907, MoMA
Pablo Picasso fue un pintor, grabador, escultor y ceramista español conocido como una de las influencias más prolíficas en el arte del siglo XX. Él, junto con Georges Braque, fundó el movimiento cubista a principios del siglo XX. Sin embargo, también hizo contribuciones significativas a otros movimientos, incluyendo Expresionismo y Surrealismo . Su trabajo fue conocido por sus formas angulares y desafiantes perspectivas tradicionales.
Las Damas de Aviñón representa a cinco mujeres desnudas en un burdel de Barcelona. La pieza está representada en colores de bloque de paneles apagados. Todas las figuras se paran frente al espectador, con expresiones faciales ligeramente desconcertantes. Sus cuerpos son angulosos e inconexos, de pie como si estuvieran posando para el espectador. Debajo de ellos se encuentra un montón de frutas posado para una naturaleza muerta. La pieza es uno de los ejemplos más famosos de la divergencia del cubismo con respecto a la estética tradicional.
Casas en L'Estaque (1908) de Georges Braque
Casas en L'Estaque por Georges Braque , 1908, Museo de Arte Moderno, Contemporáneo o Forastero de Lille Métropole
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¡Gracias!Georges Braque fue un pintor, grabador, dibujante y escultor francés que fue un destacado artista tanto en el fauvismo y movimientos cubistas. Estuvo estrechamente relacionado con Pablo Picasso durante los inicios del cubismo y se mantuvo fiel al movimiento durante el resto de su carrera a pesar de cambiar su estilo y uso del color. Su obra más famosa se caracteriza por una coloración audaz y ángulos nítidos y definidos.
Casas en L'Estaque refleja la transición del postimpresionismo al protocubismo. El espectador puede ver la influencia de Paul Cézanne en las pinceladas uniformes y la aplicación de pintura gruesa. Sin embargo, Braque incorporó elementos de la abstracción cubista eliminando la línea del horizonte y jugando con la perspectiva. Las casas están fragmentadas, con sombras inconsistentes y un fondo que se mimetiza con los objetos.
Cubismo analítico
Cubismo analítico en la primera fase del cubismo, que comienza en 1908 y termina alrededor de 1912. Se caracteriza por las representaciones deconstruidas de objetos con sombras y planos contradictorios, que juegan con las nociones tradicionales de perspectiva. También presentaba la paleta de colores restringida del protocubismo.
Violín y candelabro (1910) de Georges Braque
violín y candelabro por Georges Braque , 1910, MoMA de San Francisco
violín y candelabro representa una naturaleza muerta abstracta de violín y candelabro. Está compuesta sobre una retícula con elementos deconstruidos que forman una sola composición, permitiendo al espectador dibujar su interpretación de la pieza. Está representado en tonos apagados de marrón, gris y negro, con sombras yuxtapuestas y una perspectiva aplanada. Se compone principalmente de pinceladas planas y horizontales y contornos nítidos.
Yo y el pueblo (1911) de Marc Chagall
yo y el pueblo por Marc Chagall , 1911, MoMA
Marc Chagall fue un pintor y grabador ruso-francés que utilizó la iconografía de los sueños y la expresión emotiva en su trabajo. Su trabajo es anterior a las imágenes del surrealismo y utiliza asociaciones poéticas y personales en lugar de representaciones artísticas tradicionales. Trabajó en varios medios diferentes a lo largo de su carrera y estudió con un fabricante de vidrieras, lo que lo llevó a dedicarse a su artesanía.
yo y el pueblo representa una escena autobiográfica de la infancia de Chagall en Rusia. Retrata un escenario surrealista y onírico con símbolos populares y elementos de la ciudad de Vitebsk, donde creció Chagall. La pieza es, por tanto, muy emotiva y se centra en varias asociaciones con los recuerdos significativos del artista. Tiene paneles geométricos que se cruzan con colores mezclados, confundiendo la perspectiva y desorientando al espectador.
La hora del té (1911) de Jean Metzinger
La hora del té por Jean Metzinger , 1911, Museo de Arte de Filadelfia
Jean Metzinger fue un artista y escritor francés que escribió el principal trabajo teórico sobre el cubismo con su colega artista. Alberto Gleize . Trabajó en el fauvista y divisionista estilos a principios del siglo XX, utilizando algunos de sus elementos en sus obras cubistas, incluidos colores llamativos y contornos definidos. También fue influenciado por Pablo Picasso y Georges Braque, a quienes conoció cuando se mudó a París para seguir una carrera como artista.
La hora del té representa la hibridación de Metzinger del arte clásico con el modernismo. Es un retrato de una mujer tomando el té en una característica composición cubista. Se asemeja al retrato de busto clásico y renacentista, pero tiene una figura moderna y abstracta y elementos de distorsión espacial. El cuerpo de la mujer y la taza de té se deconstruyen, presentando juegos de luces, sombras y perspectivas. El esquema de color es apagado, con elementos de rojo y verde mezclados.
Cubismo Sintético
El cubismo sintético es el período posterior del cubismo que se extiende entre 1912 y 1914. Mientras que el período anterior del cubismo analítico se centró en la fragmentación de objetos, el cubismo sintético enfatizó la experimentación con texturas, perspectiva plana y colores más brillantes.
Portrait of Pablo Picasso (1912) by Juan Gris
Portrait of Pablo Picasso by Juan Gris , 1912, Instituto de Arte de Chicago
Juan Gris fue un pintor español y un destacado miembro del movimiento cubista. Formó parte de la vanguardia del siglo XX, trabajando junto a Pablo Picasso, Georges Braque y henri matisse en París. También diseñó decorados de ballet para el crítico de arte y fundador de los 'Ballets Russes' Sergei Diaghilev. Su pintura fue conocida por sus ricos colores, formas nítidas y reforma de la perspectiva espacial.
Portrait of Pablo Picasso representa el homenaje de Gris a su mentor artístico, Pablo Picasso. La pieza recuerda a las obras del cubismo analítico, con deconstrucción espacial y ángulos paradójicos. Sin embargo, también presenta una composición geométrica más estructurada, con planos de color claros y toques de color. Los ángulos del fondo se funden con los del rostro de Picasso, aplanando la pieza y mezclando el sujeto con el fondo.
Guitar (1913) by Pablo Picasso
Guitarra by Pablo Picasso , 1913, MoMA
Guitarra representa a la perfección el cambio entre el cubismo analítico y el cubismo sintético. La pieza es un collage combinado con elementos dibujados, hechos de papel y recortes de periódicos, que agregan diversos grados de profundidad y textura. Representa partes inconexas y asimétricas de una guitarra, reconocibles solo por la forma central y el círculo. Su combinación de colores, principalmente beige, blanco y negro, contrasta con un fondo azul brillante, que enfatiza los colores llamativos del cubismo sintético.
El parasol (1914) de Juan Gris
el parasol by Juan Gris , 1914, Tate
el parasol representa una persiana cerrada parcialmente cubierta por una mesa de madera. Es una composición de carboncillo y tiza con elementos de collage, añadiendo texturas propias de una pieza de Cubismo Sintético. Gris usa distorsiones de perspectiva y tamaño entre la mesa y la persiana para agregar un elemento de confusión. El color azul brillante contrae y enmarca la mesa central, agregando variación de textura y un equilibrio asimétrico.
Trabajo posterior con el arte cubista
Si bien la innovación del cubismo alcanzó su punto máximo entre 1908 y 1914, el movimiento tuvo un impacto monumental en el arte moderno. Apareció a lo largo del siglo XX en el arte europeo y tuvo un impacto considerable en el arte japonés y chino entre 1910 y 1930.
Cubist Self-Portrait (1926) by Salvador Dalí
Autorretrato cubista by Salvador Dalí , 1926, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia
Salvador Dalí fue un artista español muy vinculado al surrealismo. Su trabajo es uno de los más notables y reconocibles del movimiento, y sigue siendo uno de sus contribuyentes más destacados. Su arte es conocido por su precisión y se caracteriza por imágenes oníricas, paisajes catalanes e imágenes extrañas. Sin embargo, a pesar de su principal interés por el surrealismo, Dalí también experimentó con los movimientos dadaísmo y cubismo durante la primera mitad del siglo XX.
Autorretrato cubista ejemplifica el trabajo realizado en la fase cubista de Dalí entre 1922-23 y 1928. Fue influenciado por las obras de Pablo Picasso y Georges Braque y experimentó con otras influencias externas durante el tiempo que realizó obras cubistas. Su autorretrato ejemplifica estas influencias combinadas. Tiene una máscara de estilo africano en el centro, rodeada de elementos de collage típicos del cubismo sintético y presenta la paleta de colores apagados del cubismo analítico.
Guernica (1937) by Pablo Picasso
Guernica by Pablo Picasso , 1937, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia
Guernica es una de las obras más famosas de Picasso y es reconocida como una de las obras de arte contra la guerra más prolíficas de la historia moderna. La pieza se realizó en respuesta al bombardeo de 1937 de Guernica, una ciudad vasca en el norte de España, por fuerzas fascistas italianas y nazis alemanas. Representa a un grupo de animales y personas que sufren a manos de la violencia de la guerra, muchos de los cuales están desmembrados. Está representado en un esquema de color monocromático, con contornos finos y formas de bloques geométricos.