3 mujeres japonesas inspiradoras que hicieron videoarte
El videoarte surgió a finales de la década de 1960 como producto de una nueva tecnología de video portátil que permitía a las personas poseer y transportar fácilmente su propio equipo de grabación. Favorecido en los círculos artísticos de vanguardia y experimentales, el medio impulsó investigaciones sobre la relación cada vez más fluida de la tecnología con uno mismo, el cuerpo, el lenguaje y el tiempo mismo. A continuación presentamos a tres artistas japonesas que estuvieron a la vanguardia del videoarte y fueron pioneras en el medio en la década de 1970, encabezando su desarrollo en Japón e internacionalmente.
1. Shigeko Kubota: la madre del videoarte
Eclipsada en el pasado por su marido y padre del videoarte Nam June Paik , Shigeko Kubota (1937-2015) ahora es a menudo considerada la madre del videoarte. Su primera retrospectiva en el Museo Americano de la Imagen en Movimiento en 1991 la reconoció como una figura pionera en el desarrollo del vídeo como medio artístico. En la escena artística de vanguardia de Tokio de la década de 1960, colaboró con colectivos como Centro rojo alto y Grupo Ongaku . Tras conocer a artistas de vanguardia como John Cage y Yoko Ono, fue invitada por el Fluir fundador George Maciunas venga a Nueva York. Se mudó allí en 1964.
Fluir , el movimiento artístico de vanguardia más innovador e influyente de la década de 1960 en Nueva York, le proporcionó un entorno que le permitió libertad creativa sin los prejuicios y las limitaciones que existían en Japón. Aquí comenzó a explorar el videoarte, colaborando con el colectivo musical de su primer marido, David Behrman. Unión de artes sónicas , y participando en festivales de vanguardia y videoarte a principios de los años 1970.
Gracias a sus conexiones japonesas, pudo acceder a las últimas tecnologías de vídeo antes de que llegaran a Occidente. Popularizado a principios de la década de 1970, el nuevo Sony Portapak ( Vídeo densuke en japonés), una grabadora de vídeo portátil que funciona con baterías, permitió a los artistas ver su grabación en tiempo real y reproducirla inmediatamente. Kubota llevaba su Portapak a todas partes, documentando su vida cotidiana. Pronto desarrolló una prolífica práctica de vídeo, dividiendo principalmente su trabajo en diarios en vídeo y video esculturas .
Sus obras narrativas autobiográficas tituladas Diario roto Retrata su vida profesional y personal desde la década de 1970 en adelante. Kubota filmó el primer capítulo de sus diarios monocanal, Un día en el Instituto de las Artes de California (1970–71), durante su estancia en CalArts. Por su video escultura. vídeo poema, Usó un sintetizador Paik/Abe, que proporciona coloración abstracta en video, para manipular y superponer imágenes.
Ella capturó sus viajes europeos en Europa 1/2 al día (1972), que culmina en París, con un homenaje a la tumba de una de sus mayores inspiraciones, marcel duchamp . Una mezcla de imágenes sintetizadas y material documental, Chicas y canciones en vídeo para Navajo Sky (1973) la ve viviendo durante un mes con una familia navajo en una reserva en Chinle, Arizona. En Diario roto: mi padre (1973-75), una narración profundamente personal de su duelo por la muerte de su padre, utilizó el vídeo y la televisión para su ritual de procesar la pérdida.
Las videoesculturas de Kubota combinaron su formación formal en escultura con su interés por el videoarte y surgieron de su deseo de transformar la fragilidad del video en algo permanente y monumental. Sus referencias abarcaron desde Duchamp hasta la naturaleza. Su primera serie de videoesculturas fue duchampiana, con La tumba de Marcel Duchamp (1972–1975/2019) siendo la primera obra, seguida de otras piezas inspiradas en el arte de Duchamp. Basado en la pintura de Duchamp de 1912, Duchampiana: Desnuda bajando una escalera (1975–76/83) es una escalera de madera con cuatro monitores encerrados que muestra el movimiento repetido de una modelo femenina desnuda bajando una escalera.
En tres montañas (1976–79), la artista exploró su relación con la naturaleza. Se trata de un objeto con forma de montaña, que combina el formato de un diario con esculturas. En esta pieza, la artista reflexiona sobre el tiempo que pasó en el Gran Cañón y los desiertos de Arizona y Nuevo México. En Cataratas del Niágara (1985/2021) hay 10 monitores de televisión invertidos que caen en cascada sobre un estanque reflectante, expresando la creencia del artista en la relación cada vez más simbiótica entre la naturaleza y la tecnología.
En 1996, la práctica de Kubota se detuvo cuando se dedicó a cuidar a su marido, que sufrió un derrame cerebral. Su último trabajo, un diario en vídeo, reflejó su amor por Nam June Paik. A petición de la artista, se creó la Shigeko Kubota Video Art Foundation tras su fallecimiento en 2015. Está situada en la casa histórica de la pareja en Mercer Street en Nueva York.
2. Fujiko Nakaya: impulsor del videoarte
Fujiko Nakaya (n. 1933, Sapporo, Hokkaido) es conocida principalmente por sus esculturas de niebla que han adornado una variedad de lugares alrededor del mundo desde finales de los años 1980. Nakaya se mudó a los Estados Unidos a una edad temprana con su padre físico Ukichiro. Mientras su padre se preparaba para su primera expedición a Groenlandia para estudiar el hielo y la nieve, Nakaya se mudó a París y Madrid para estudiar pintura, después de graduarse en Bellas Artes en la Universidad Northwestern de Illinois en 1957. La influencia de su padre jugó un papel importante en el desarrollo. de su carrera artística, particularmente su creencia de que la realización de las verdades científicas dependía de la colaboración entre los seres humanos y la naturaleza.
Nakaya conoció a destacados artistas experimentales estadounidenses en la década de 1960. Trabajó con la coreógrafa Deborah Hay para 9 Noches: Teatro e Ingeniería , un festival de actuaciones colaborativas entre artistas e ingenieros de Bell Laboratories. El evento fue organizado en 1967 por Julie Martin, los ingenieros Billy Klüver y Fred Waldhauer, y los artistas Robert Rauschenberg y Robert Whitman, fundadores del colectivo artístico Experiments in Art and Technology (E.A.T.). En 1969, Nakaya estableció la sucursal del colectivo en Tokio. Posteriormente fue invitada por Klüver a colaborar en el Expo '70 en Osaka, donde realizó su primera escultura de niebla para el Pabellón Pepsi.
En la década de 1970, Nakaya se convirtió en una figura clave en la escena del videoarte experimental de Japón, contribuyendo a su desarrollo y conectando a artistas norteamericanos y japoneses. Animado por el videoartista canadiense y E.A.T. miembro Michael Goldberg, Nakaya comenzó a trabajar con video. En 1972, se asoció con Goldberg y el artista y teórico de vanguardia Katsuhiro Yamaguchi y organizó la primera exposición de videoarte de Japón. Comunicación por vídeo: kit de hágalo usted mismo en Tokio. Como resultado, Yamaguchi, Nakaya y otros diez artistas fundaron el colectivo de videoarte. Vídeo Hiroba , cuyos miembros expusieron más tarde en la exposición de Barbara London de 1979 Vídeo de Tokio a Fukui y Kioto en el MoMA.
Sus primeros trabajos Amigos de las víctimas de Minamata: diario en vídeo (1972) capturó a manifestantes en sentadas en la Corporación Chisso de Tokio contra la contaminación de las aguas con mercurio por parte de la empresa.
Nakaya también realizó videoesculturas e instalaciones, como su colaboración de 1973 con Hakudo Kobayashi y Yuji Morioka para La sabiduría de las personas mayores: ADN cultural , una instalación interactiva que recopiló entrevistas en vídeo con personas mayores en residencias y centros comunitarios. El objetivo del artista era compartir su sabiduría. Otras obras destacadas incluyen la Manos serie, que presenta Estática de un huevo (1973), una grabación de vídeo sin cortes que muestra al artista intentando hacer que dos huevos se mantengan en posición vertical, y Coordinación: mano derecha/mano izquierda (1979), que muestra la acción de afilar un lápiz con un cuchillo.
Después de fundar Processart Inc en 1979 para distribuir obras de arte en video, Nakaya abrió la primera galería de videoarte del país llamada Video Gallery SCAN, nombrada así por su amigo y colaborador Bill Viola. La organización independiente dirigida por artistas lanzó la carrera de jóvenes artistas de video y medios y promovió intercambios y colaboraciones internacionales antes de cerrar en 1992. La galería fue sede de numerosos eventos, incluida la serie de exposiciones ENFOQUE DE ESCANEO que contó con obras de Bill Viola, Nam June Paik y Mako Idemitsu. El equipo de SCAN también organizó el Festival Internacional de Video y Televisión de Japón en Spiral, Tokio (en 1987, 1989 y 1993), exhibiendo obras de artistas como Shigeko Kubota, Dumb Type y Marina Abramovic.
Entre sus obras más destacadas se encuentran Escultura de niebla #08025: F.O.G. (1998), realizado para la exposición individual de Robert Rauschenberg en el Museo Guggenheim Bilbao, y Diente de Londres (2017) realizado a través de colaboraciones con Ryuichi Sakamoto y Shiro Takatani. En 2019, la Art Tower Mito de Tokio celebró Resistencia de la niebla , su primera gran retrospectiva en Japón, que presenta una colaboración con el coreógrafo y bailarín Min Tanaka. Su exposición vida de niebla (2022) en Haus Der Kunst en Berlín incluyó dos nuevas obras de niebla creadas para el museo.
3. Mako Idemitsu: la feminista del videoarte
Mako Idemitsu (n. 1940, Tokio) es un pionero del videoarte y el cine experimental japonés. Su padre Sazō Idemitsu, fundador de la empresa petrolera Idemitsu Kōsan, era un ávido coleccionista de arte. Tradicionalmente confuciano y patriarcal, su padre tenía la tendencia a negar a su esposa e hijas su individualidad e independencia. La relación de Idemitsu con él era problemática. La artista acabó repudiada por su padre tras elegir vivir en California.
En 1962, Idemitsu se licenció en Historia japonesa en la Universidad Waseda de Tokio, donde su frustración por la misoginia de sus profesores sumó a sus sentimientos feministas.
En 1964, Idemitsu comenzó a estudiar en la Universidad de Columbia en Nueva York, donde se sintió libre de explorar el ambiente multicultural de la ciudad sin el bagaje de los vínculos de su familia con la escena artística japonesa. Después de un breve paso por Europa, se mudó a Santa Mónica, California, donde vivió de 1965 a 1972, y se casó con el artista estadounidense Sam Francis en 1966. Sus sueños de liberarse del control confuciano y patriarcal pronto fueron aplastados, cuando se dio cuenta de que incluso Entre la comunidad hippie y las contraculturas de la California de los años 60, era ineludible cierto grado de chovinismo masculino. Ella y Francis tuvieron dos hijos, Osamu y Shingo, este último se convirtió en pintor como su padre.
Buscando un papel fuera del de esposa y madre, Idemitsu encontró inspiración trabajando con una cámara Super 8, que luego se expandió al ámbito de 16 mm. Desarrolló un interés por el feminismo y el Movimiento de Liberación de la Mujer. Su 1972 Casa de la Mujer capturó el casa de mujer , una instalación de arte y un espacio de performance organizado por Judy Chicago y Miriam Shapiro, cofundadoras del Programa de Arte Feminista de CalArts. Su vídeo feminista fundamental Lo que hizo una mujer (1973) habla de los roles, responsabilidades y expectativas preocupantes de las mujeres. Como muchos de sus trabajos en vídeo, funciona como una crítica del trato a las mujeres en la sociedad japonesa.
Idemitsu era consciente de que sus obras probablemente serían difíciles de entender para un público de habla inglesa que no estuviera familiarizado con el idioma y la cultura japonesa. Así, después de mudarse a Tokio durante un año con Francisco y sus dos hijos en 1973, decidió quedarse cuando su marido regresó a casa. Aunque se sintió más reprimida en Tokio, su práctica cinematográfica le permitió expresar mejor sus sentimientos en su país de origen que en Estados Unidos. ella la produjo At Santa Monica (1973-5) y En cualquier lugar (1975-8), utilizando las películas que rodó en Estados Unidos. En Japón también pudo liberarse de la etiqueta de La esposa de Sam Francis y ser su propio yo artístico individual. Pronto comenzó a colaborar con videoartistas locales y se involucró en el colectivo Video Hiroba con Fujiko Nakaya. El artista canadiense Michael Goldberg se convirtió en su colaborador frecuente y se desempeñó como director de fotografía de muchos de sus videos.
Arraigada en el pensamiento feminista, la obra de Idemitsu reflexiona sobre los roles de género, la naturaleza de la identidad personal y el yo. También se centró en la familia moderna de Japón y su papel en la opresión de las mujeres japonesas. También representó escenas de abuso doméstico, acoso y violación en el ámbito doméstico. La filósofa existencialista, teórica social y activista feminista francesa Simone de Beauvoir fue una de las principales influencias de Idemitsu. Su trabajo Kae, actúa como una niña (1993) se inspiró en la obra de De Beauvoir. El segundo sexo .
La acción de sus vídeos suele girar en torno a la vida familiar y las interacciones domésticas. También hay formas incorpóreas. Por ejemplo, en ella Gran madre En la trilogía, las mujeres incorpóreas se presentan como las madres y el superyó del protagonista. Personifican toda una vida de valores culturales y normas sociales aprendidos y, por tanto, son un ideal internalizado del que el protagonista no puede escapar. Otro día de ama de casa (1977) se inspiró en la propia frustración de la artista por ser ama de casa. El premiado La situación de Kiyoko (1989) reflexiona sobre sus luchas por encontrar su voz artística, a pesar de la presencia patriarcal controladora en su vida.