4 artistas de la época victoriana que hicieron arte por el arte

Detalles de junio llameante por Sir Frederic Leighton, 1895; y El sueño del día por Dante Gabriel Rossetti, 1880

La frase arte por el arte puede parecer simple, pero estas cuatro palabras marcaron el comienzo de un nuevo movimiento artístico en la era victoriana de Londres. El arte por el arte se originó como una traducción al inglés del eslogan francés el arte por el arte . En la década de 1860, el concepto fue popularizado por walter pater , un influyente crítico de arte británico. Su trabajo ayudó a sentar las bases del Movimiento Estético, que unió a un grupo diverso de artistas, artesanos y poetas de la época victoriana de vanguardia bajo el lema el arte por el arte.

Arte por el arte: un trasfondo

Walter Pater era famoso por utilizar una prosa florida en sus ensayos de historia del arte y reseñas críticas del arte y la literatura de la época victoriana. Su trabajo a menudo se centró en el deseo de la belleza, el amor al arte por el arte, y con frecuencia predicaba que el mejor arte llega a ti profesando francamente que no darás nada más que la más alta calidad a tus momentos a medida que pasan, y simplemente por el bien de esos momentos. Estas filosofías contradecían directamente las tradiciones centenarias de los prestigiosos Real Academia de Arte y las normas sociales de la época victoriana.

Sinfonía en Blanco, No.III por James Abbot McNeill Whistler , 1865-67, a través del Instituto Barber de Bellas Artes, Birmingham

En la Gran Bretaña del siglo XIX, la cultura dominante dictaba una moral estricta. El arte se utilizó principalmente para expresar mensajes éticos, políticos, sociales o religiosos. Mientras tanto, la Real Academia todavía enseñaba una jerarquía de arte que favorecía Clásico y alta Renacimiento italiano temas y estilos. Construido sobre el concepto del arte por el arte, el Movimiento Estético pretendía acabar con todo esto, insistiendo en que los artistas no deberían tener que justificar su trabajo más allá de su valor intrínseco.

Fue dentro de este contexto cultural que los creadores de diversas disciplinas adoptaron como credo el arte por el arte, incluido el Hermandad Prerrafaelita , los pintores del Movimiento Estético liderados por James Abbot McNeill Whistler , interioristas de la movimiento de artes y oficios dirigido por william morris , y los poetas de la Escuela Carnal dirigidos por Algernon Charles Swinburne . Todos creían que se debería permitir que su medio elegido existiera al margen de cualquier función didáctica o utilitaria. En el ámbito de la pintura, el tema y la narrativa ya no eran relevantes, un enfoque revolucionario para la época, y el arte por el arte dio a luz un nuevo y emocionante género de arte que incluía contribuciones de estos cuatro notables artistas de la época victoriana.

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1. James Abbott McNeill Whistler: Poesía de la vista

Arreglo en Gris y Negro No. 1 (Retrato de la Madre del Artista) por James Abbot McNeill Whistler , 1871,vía Musée d'Orsay, París

Whistler fue un artista nacido en Estados Unidos que se convirtió en uno de los líderes del Movimiento Estético. Aunque nunca se destacó particularmente en un entorno académico, Whistler estudió en París junto con el impresionistas y luego se instaló en Londres, donde se asoció con los artistas de vanguardia de la época victoriana. A partir de estas influencias, Whistler ayudó a allanar el camino para que el arte por el arte realmente se hiciera popular.

Walter Pater afirmó que todo arte aspira constantemente a la condición de música. Whistler también se sintió atraído por la idea de que la música es la forma de arte más ejemplar por el arte. Esto se debe a que una pieza musical sin letra y, por lo tanto, sin una narrativa o un tema definitivos, solo puede apreciarse por su belleza. De hecho, Whistler aspiraba a lograr este efecto en el arte visual, llegando incluso a nombrar sus pinturas no según sus temas, sino con términos musicales como Armonía , Arreglo , Nocturno , y Sinfonía . Con respecto a su estilo de nombres poco convencional, Whistler explicó Así como la música es la poesía del sonido, la pintura es la poesía de la vista, y el tema no tiene nada que ver con la armonía del sonido o el color.

Incluso el infame retrato de la madre de Whistler es ante todo una disposición estética de colores y formas. Solo se conoce coloquialmente como Retrato de la madre del artista, mientras que su título oficial: Arreglo en Gris y Negro No. 1 —sugiere que la pintura no es más que una composición estética de colores apagados.

Nocturno: Azul y Oro — Puente Viejo de Battersea por James Abbot McNeill Whistler , ca. 1872-75, vía Tate, Londres

De manera similar, Whistler pintó con frecuencia escenas del brumoso río Támesis por la noche en una serie que llamó nocturnos . Cada Nocturno presenta una composición notablemente plana y simple, una paleta de colores monótona y pinceladas amplias y translúcidas. El resultado final es un efecto visual de ensueño de luz y color en lugar de una pintura de paisaje convencional de un lugar familiar. Los espectadores de la era victoriana se sorprendieron por la apariencia aparentemente inacabada y el tema indefinido de estas pinturas, tanto que un demanda judicial siguió

2. Albert Moore: lujo pausado

soñadores por Albert Moore , 1882, a través del Museo y Galería de Arte de Birmingham, Birmingham

Cuando era un joven artista, Moore estaba fascinado por escultura antigua . Pasó horas estudiando y esbozando el Mármoles de Elgin , una colección de esculturas griegas antiguas de la Partenón en el Museo Británico de Londres. Su destreza académica y Estilo neoclásico le otorgó espacio para exhibiciones en la Royal Academy of Art, pero su feroz independencia artística finalmente le impidió participar plenamente junto con los académicos más tradicionales.

Moore es bien conocido por sus composiciones decadentes de figuras femeninas en varios estados de descanso y relajación, típicamente colocadas dentro de un escenario clásico imaginario y altamente decorativo. A diferencia del tipo de arte promovido por la Royal Academy, las pinturas de Moore no contienen narraciones históricas ni mensajes perceptibles. Las figuras femeninas no existen como tema, sino como uno más de los muchos elementos de una composición estética. Sus identidades e incluso sus expresiones faciales son deliberadamente vagas, pero los cuerpos, las telas, las texturas y las paletas de colores armoniosos artísticamente representados demuestran la habilidad de Moore para combinar una gran cantidad de detalles decorativos para lograr un efecto lujoso pero relajado.

Granadas por Albert Moore , ca. 1875, en Guildhall Art Gallery, Londres, a través de Art UK

De hecho, la mayoría de sus pinturas, como Granadas , llevan el nombre de cosas hermosas como flores y frutas, o momentos del día y estaciones. Estos títulos no describen la narrativa o el tema, ni siquiera mencionan los objetos más notables de las pinturas. En cambio, enfatizan el efecto decorativo general que la pintura pretende lograr. Si bien cada parte de las pinturas de Moore representa una forma reconocible, todos los objetos y figuras están tan abstraídos de cualquier característica que los identifique que existen solo para completar una composición estética que se disfruta por su belleza: un excelente ejemplo del arte por el arte.

3. Dante Gabriel Rossetti: Retrato sensual

El sueño del día por Dante Gabriel Rossetti , 1880, vía Victoria and Albert Museum, Londres

Tanto pintor como poeta, Rossetti es recordado por sus retratos altamente decorativos de mujeres, muchos de los cuales tienen poesía inscrita en los marcos o incluida en la composición. Rossetti fue miembro fundador de la hermandad prerrafaelita y, como tal, se sintió atraído por las fuentes de inspiración medievales anteriores a Rafael ,el favorito de la Royal Academy Viejo maestro pintor renacentista. Rossetti también estaba interesado en experimentar con lo que Walter Pater denominó poesía pictórica, u obras de arte que logran una expresión completa mediante el dibujo y el color, en lugar de contar una historia.

Rossetti no exhibió obras en público con frecuencia durante su vida, pero su reputación creció a medida que los visitantes de su estudio difundieron la noticia de sus audaces innovaciones. También fue conocido por mantener la compañía de varias musas femeninas. A Rossetti le atraían específicamente las mujeres que tenían rasgos angulosos y fuertes, peinados voluminosos y una presencia seductora, muy en contraste con la Era victoriana ideal de feminidad delicada y mojigata.

boca besada por Dante Gabriel Rossetti , 1859, a través del Museo de Bellas Artes de Boston

boca besada fue el primero de los retratos de una sola figura característicos de Rossetti. Inspirado en un proverbio italiano del mismo nombre, un extracto del cual está inscrito en la parte posterior del lienzo, boca besada representa a la musa, modelo y, a veces, amante de Rossetti, Fanny Cornforth . En esta pintura, Cornforth y su entorno se mezclan para crear un efecto estético: su llamativo cabello anaranjado, su ropa verde aterciopelada y sus accesorios dorados se combinan con el arreglo floral en el fondo y el tejido ornamentado en primer plano, ambos aplanados de forma poco natural. para enfatizar aún más la importancia de la composición como un todo. No hay ningún lugar, historia, persona o período de tiempo reconocible en boca besada — es simplemente un objeto de belleza.

4. Frederic Leighton: el clasicismo de la época victoriana

Madre e hijo (cerezas) por Frederic Leighton , 1865, a través del Museo y Galería de Arte Blackburn

Leighton tuvo éxito comercial durante su vida debido a su estilo de inspiración clásica y formación académica. Estudió pintura y escultura en Florencia y París, luego se instaló en Londres, donde se asoció con varios artistas de la época victoriana y diseñó un residencia opulenta para el mismo. A diferencia de otros artistas del Movimiento Estético, que se mantuvieron al margen de la escena artística de Londres, Leighton se convirtió en miembro de pleno derecho de la Royal Academy of Art e incluso se desempeñó como su presidente. Allí, pudo promover el concepto de arte por el arte desde dentro del establecimiento.

junio llameante por Sir Frederic Leighton , 1895, in Museo de Arte de Ponce, via Google Arts & Culture

Considerado el mejor cuadro de la carrera de Leighton, el ilustre junio llameante fue redescubierta en la década de 1960 después de haber desaparecido de la vista del público tras la muerte del artista. Tiempo junio llameante muestra la formación académica de Leighton en anatomía humana, él tuerce sutilmente las reglas de representación para utilizar la figura de la mujer y el resto de la escena como herramientas decorativas en lugar de ilusiones convincentes. La monumentalidad de la figura de la mujer se enfatiza al alargar sus piernas para llenar demasiado los muebles y exagerar el tono ardiente y el movimiento dinámico de sus cortinas, que es casi indistinguible de su cabello extendido.

Como las mujeres ociosas de Albert Moore, junio llameante El reposo de ella la convierte en una parte pasiva, quizás incluso inanimada, de una escena decorativa de ensueño, aunque, si se intentara en la vida real, su pose probablemente no sería tranquila. Aunque Leighton habría podido pintar perfectamente una figura humana que se aleja en el espacio tridimensional, junio llameante demuestra cómo su interés por el arte por el arte podría inspirar una comprensión del clasicismo no como una técnica académica o una referencia histórica, sino como una estética maleable.

Legado del arte por el arte

Según James Whistler , el arte debe ser independiente de todas las tonterías, debe estar solo y apelar al sentido artístico de la vista o el oído. Al practicar su creencia compartida en el arte por el arte y atreverse a aventurarse más allá de los confines del arte didáctico tradicional, estos cuatro pintores de la era victoriana ayudaron a preparar el escenario para modernistas del siglo XX empujar los límites del arte aún más en las próximas décadas.