Arte cubista para tontos: una guía para principiantes

Botella de Vieux Marc, vidrio, guitarra y periódico de Pablo Picasso, 1913, vía Tate, Londres

arte cubista surgió en la primera década del siglo XX, liderado por Pablo Picasso y Georges Braque. Comenzó como una forma de arte experimental que cuestionaba la forma en que percibimos los objetos y cómo llegamos a entenderlos. El movimiento cubista, como muchos otros movimientos de este período de la historia, dio la espalda a las ideas tradicionales de la pintura que se habían inculcado desde el Renacimiento.

Definición del arte cubista

botella y peces por Georges Braque , 1910-12, vía Tate, Londres

El arte cubista puede verse como una conversación lúdica con el arte, tanto en su posición en la sociedad como en sus métodos para representar la realidad. En esta conversación, el cubismo le pide al espectador que piense, no solo que responda a la sensualidad del color y la línea que podríamos encontrar, por ejemplo, en una pintura impresionista. De hecho, en el primer visionado de un Braque o un Picasso durante sus años cubistas, el espectador desconcertado queda asombrado por sus composiciones monocromáticas y desordenadas.

Aunque el movimiento cubista tuvo una vida relativamente corta, desempeñaría un papel integral en la historia de arte modernista . El arte cubista se convirtió en una influencia en muchos otros movimientos artísticos, como El estilo y Expresionismo , en su búsqueda de representación a través de la abstracción. Para comprender el arte cubista y responder a la pregunta de '¿qué es el cubismo?', debemos profundizar en la historia del arte y la preocupación modernista por encontrar una forma de arte que muestre con precisión la modernidad.

La formación del movimiento cubista

Ladera en Provenza por Paul Cézanne , 1890-92, vía National Gallery, Londres

Desde el Renacimiento,la pintura de Europa occidental se había preocupado por cómo crear una imagen racional, tridimensional, sobre una superficie plana, bidimensional; hacia naturalismo y lejos de abstracción . Había, por supuesto, una multiplicidad de métodos para hacerlo y debates sobre qué tema debía representarse, pero el hecho era que los artistas necesitaban crear una ilusión de espacio para el espectador. Esta ilusión de espacio formó el punto de vista en el que un espectador podía entender la pintura.

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El naturalismo mantendría las riendas de la pintura hasta finales del siglo XIX, cuando los artistas comenzaron a cuestionar la artificialidad de la pintura. pintores como Édouard Manet había comenzado a pintar en un estilo que ahora vemos como una forma temprana de pintura impresionista; Vincent Van Gogh transformó lo que vio en cómo lo afectó, emocionalmente. Estos artistas estaban experimentando y tratando de entender cómo percibimos el mundo: ¿es a través de una impresión de una escena o cómo nos sentimos acerca de una escena? Otra pregunta sería hecha por Paul Cezanne : ¿cómo pintamos un objeto cuando cambia continuamente a medida que nos movemos a su alrededor? Los objetos no nos llegan desde una perspectiva, sino desde muchas.

Bodegón con tarro de jengibre y berenjenas de Paul Cézanne, 1893-1894, a través del Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

Fue Paul Cézanne quien iniciaría este proyecto de entender cómo renderizar objetos desde múltiples perspectivas. El naturalismo, pues, era artificial y falso a la vida; representó objetos desde un punto de vista en un punto en el tiempo. El movimiento cubista buscaba un nuevo lenguaje visual que expresara con precisión la realidad.

Los años fundacionales

Viaducto en L'Estaque por Georges Braque , 1908, vía Smarthistory; con Horta de Ebro by Pablo Picasso , 1909, vía MoMA, Nueva York

de picasso Las Damas de Aviñón (1906) no es solo una de las obras de arte más influyentes del siglo XX, sino el comienzo del movimiento cubista. Es abrupto, discordante, compuesto de fragmentos, y no hay espacio para que el espectador mire. Las figuras se deforman y abstraen, recordándonos la superficie plana sobre la que se crea la pintura. Sin embargo, serían Georges Braque y sus pinturas de homenaje a Cézanne las que formularían las ideas centrales del primer arte cubista, también llamado analítico.

Las pinturas de Braque de la zona de L'Estaque de 1908 mostraban casas y árboles despojados de sus formas desnudas, las formas que componen el objeto, de una manera caótica. El espacio está condensado y la fuente de luz cuestionable. Braque quería acabar con el ilusionismo de la pintura y confrontar al espectador con lo que era una pintura; un lienzo bidimensional de signos. Al conocer a Picasso, se propusieron experimentar esta idea a través del género de la naturaleza muerta.

Las Damas de Aviñón by Pablo Picasso , 1906, vía MoMA, Nueva York

Querían cuestionar el ilusionismo de la pintura y cómo un artista puede representar lo que ve, ya que esa es la pregunta fundamental para un artista, sin congelar un momento en el tiempo. Lo que proporcionó la naturaleza muerta fue una forma de experimentar con la deconstrucción de objetos, la constricción del espacio y la visualización de múltiples puntos de vista. El arte cubista analítico se convertiría en un arte de concepción más que de percepción. Era una idea intelectual sobre cómo llegamos a comprender los objetos que nos rodean.

Lo que encontramos, entonces, en el cubismo analítico es un lienzo caótico de formas que significan objetos. El título de la pintura dará alguna pista de lo que deberíamos estar buscando. Por ejemplo, en Braque Mandora , podemos ver claramente la boca y las cuerdas de la mandora, pero las cuerdas cambian constantemente como si nos estuviéramos moviendo mientras las miramos. El lienzo está formado por muchas superficies, sombreadas arbitrariamente para que el espectador no sepa dónde está la fuente de luz; las formas en la pintura se eluden, creando un efecto de mirada cambiante a través del tiempo. Esta pintura juega con la ilusión de pintar mientras socava esa ilusión.

Mandora de Georges Braque, 1909, vía Tate, Londres; con botellas y vasos de Pablo Picasso, 1912, a través del Museo Guggenheim, Nueva York

Los últimos años

Botella de Ron y Periódico by Juan Gris , 1914, a través del Museo Guggenheim, Nueva York; con Tazón de frutas, violín y botella by Pablo Picasso , 1914, vía Tate, Londres

El movimiento cubista se transformaría en 1912 cuando Jorge Braque decidió pegar un trozo de tela de aceite en su pintura. Este fue el comienzo del cubismo sintético. El arte cubista sintético dio a Picasso y Braque una dimensión más al jugar con la noción de arte. El período tardío del arte cubista analítico había integrado el uso de letras estarcidas en el lienzo para recordarle al espectador su planitud, pero ahora el uso de papel pegado proporcionó una tensión incongruente en el lienzo que interrumpió el reino de las bellas artes.

El uso de la tela de aceite por parte de Braque en su composición marcó el colapso de las 'bellas artes'. La tela de aceite se hizo mecánicamente y se produjo en masa, por lo que no requería habilidad artística. De hecho, Braque estaba diciendo implícitamente que las bellas artes eran cosa del pasado; una declaración verdaderamente moderna. La habilidad para pintar de forma natural había desaparecido ahora que uno podía adherirse a una pieza barata de material que parecía real; en el caso de Braque, era un paño de aceite que parecía una veta de madera.

El uso del collage en el arte cubista sintético fue notable por la forma en que creaba tensión en el lienzo. Al colocar un objeto real en el lienzo junto a formas esbozadas, estaba jugando con la noción de ilusionismo y realidad. Esta ambigüedad llamaba la atención sobre la falsedad de la pintura tradicional y apuntaba hacia la epistemológico diferencia entre arte y representación. Al hacer uso de una forma de arte 'inferior', el collage, Braque y Picasso desafiaron a las bellas artes en su poder de representar la realidad.

El salón cubista

Paisaje por Albert Gleizes , 1912, a través del Museo Guggenheim, Nueva York

Aunque se considera que Braque y Picasso son los pioneros del movimiento cubista, estaban fuera del ojo público y creaban piezas para patrocinio privado. Sin embargo, otros artistas como Jean Metzinger, Fernand Leger y Robert Delaunay estaban cultivando un estilo a la manera cubista. Estos artistas eran miembros de un grupo llamado Sección D'Or y fueron los principales pintores en dar a conocer al público el arte cubista.

Estos artistas cubistas diferían de Braque y Picasso en varios aspectos. Pintaron lienzos más grandes con temas más grandiosos como tema; los paisajes de la ciudad, los retratos y las afectaciones espirituales fueron todos temas para los cubistas del Salón. Podemos ver en su trabajo una ocupación con la modernidad y la creación de una nueva forma de arte para su tiempo. También tenían muchas más inclinaciones filosóficas, tomando ideas del filósofo influyente y contemporáneo. henri bergson con su idea de Duree; toda la vida existe en una unidad de memoria y visión.

La Torre Eiffel Roja por Robert Delaunay, 1911-12; con La ciudad por Robert Delaunay , 1911, a través del Museo Guggenheim, Nueva York

Este grupo ofreció quizás un acercamiento más lógico al arte cubista, mientras que Braque y Picasso se centraron en jugar con el arte y su tradición mientras realizaban innovaciones estilísticas. Los pintores de Section D’or se preocuparon por cómo un individuo ve la realidad en la experiencia de la modernidad, y se preocuparon por llamar la atención del público hacia esta experiencia.

El arte cubista y el siglo XX

El crítico de arte por Raoul Hausmann , 1919-20; con Portales Z 105 o Casas de Kurt Schwitters , 1918, vía Tate, Londres

La demostración del arte cubista de Braque y Picasso tendría un efecto duradero en el arte modernista. Su exploración de la expresión formal los llevó a cuestionar los supuestos culturales sobre el arte y la realidad, una técnica que sería retomada por dadaísmo y Surrealismo . Exploraron la diferencia cultural entre el arte 'alto' y el 'bajo', creando una síntesis que abriría las puertas a nuevas exploraciones creativas.

Después de la Primera Guerra Mundial, hubo un llamado a la vuelta al orden en la pintura; el caos y destrucción de tantas vidas motivó una revisión del arte; usándolo para examinar la cultura, no para escudriñar la realidad, aunque esto, en general, no lograría detener la calamidad de los años previos a la Segunda Guerra Mundial.

Guernica by Pablo Picasso , 1937, via Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid

Esto no significó una pérdida de reconocimiento para la experimentación cubista. Hacia el final de la Primera Guerra Mundial, el arte cubista se había establecido como un nuevo lenguaje visual de la modernidad, convirtiéndose en sí mismo en una bella arte. Los lienzos caóticos eran ahora un método aplicable para la expresión. En 1937, cuando las fuerzas nazis bombardearon la ciudad de Guernica, el horror llevó a Picasso a pintar su propia interpretación de los hechos para concienciar sobre la destrucción. Él también, por supuesto, utilizó el método cubista para expresar esa realidad; porque ¿qué era la destrucción sino la pulverización de personas, edificios y el paisaje en fragmentos dispersos?