El arte más impactante y controvertido jamás creado

Stuart Brisley, And For Today... Nothing, 1972, performance, Gallery House, Goethe Institute, Londres

A lo largo de la historia, los artistas han buscado formas de sacudir la tradición y cuestionar el papel del arte. Su coraje ha abierto emocionantes nuevos caminos en el arte , y cambió nuestra forma de ver el mundo de maneras sorprendentes e inesperadas. Pero correr riesgos tiene un costo y no siempre vale la pena, al menos no durante la vida del artista. Algunos de los artistas más revolucionarios de todos los tiempos han sido avergonzados públicamente, enviados a prisión o casi muertos en nombre del gran arte. Echemos un vistazo a lo largo de la historia del arte a algunas de las obras de arte más impactantes y controvertidas jamás realizadas.

1. Miguel Ángel, el juicio final, La Capilla Sixtina, 1541

Miguel Ángel, el juicio final (detalle), 1541, vía Correo de Nueva York

Desde el momento de su inauguración en 1541, la salvajemente caótica maraña de cuerpos humanos desnudos en de miguel ángel el juicio final audiencias asombradas y horrorizadas en igual medida. Los cuerpos desnudos habían aparecido en el arte antes Miguel Ángel, pero lo que más sorprendió a los visitantes fue la gran cantidad de desnudos en todos los ámbitos, desde personas comunes hasta santos y mártires. Para colmo, incluso incluyó genitales gráficos totalmente expuestos, lo que llevó al cardenal Oliviero Carafa a acusarlo de obscenidad inmoral. Se pintaron hojas de higuera y taparrabos sobre las partes expuestas del cuerpo, cambiando la naturaleza de la obra de arte original. Permanecieron en esta controvertida obra de arte hasta que se restauró el Capilla Sixtina cientos de años después, en la década de 1980 Pero para entonces, la revolucionaria muestra de carne humana de Miguel Ángel ya había impactado profundamente la historia del arte, desde el manierismo hasta el arte. Barroco decadencia a la desnudez sin filtros de la contemporaneidad.

2. Eduardo Manet, Olimpia, 1863

Olympia de Edouard Manet, 1863, vía Musée d'Orsay

pintor realista francés El icónico de Edouard Manet Olimpia , 1865 sacudió la sociedad hasta la médula. Mostrado por primera vez en el Salón de París en 1865, la pintura de Manet representa a una modelo desnuda recostada en un sofá mientras un sirviente le regala flores. Manet imitó deliberadamente la composición de de Tiziano famoso Venus de Urbino, 1534, pero le dio a su versión una serie de actualizaciones controvertidas. La mirada directa y confrontativa de su modelo sorprendió al público que estaba acostumbrado a ver mujeres pasivas y recatadas. Que Manet hubiera utilizado una modelo real, Victorine Meurent, en lugar de una musa mitológica también fue bastante impactante, pero hizo una serie de sugerencias de que ella era una prostituta: el nombre Olympia se asociaba comúnmente con las trabajadoras sexuales en la década de 1860 en París, mientras que su el entorno se hizo eco del estilo de un tocador parisino. El gato negro arqueado en la base de la cama de Olympia también era un símbolo bien conocido de promiscuidad sexual. Edouard Manet fue rechazado por el Salón de París, pero sus avances llevaron a una generación de impresionistas y modernistas a seguirlo.

3. Pablo Picasso, Las Damas de Aviñón, 1907

Pablo Picasso, Las señoritas de Avignon, 1907, vía MoMA

picasso mantuvo Las Damas de Aviñón , 1907, escondido en su estudio durante mucho tiempo. Incluso sus propios amigos se horrorizaron cuando finalmente lo vieron. Los fragmentos agresivos de color angular y artificial y la perspectiva rota y distorsionada fueron lo suficientemente impactantes, pero una vez que se reveló el verdadero alcance de su tema, el público quedó horrorizado. Un grupo de cinco mujeres desnudas posan como desnudos clásicos, pero no son bellezas idealizadas. En cambio, los pinta con rostros exagerados inspirados en las máscaras africanas que vio en París. Museo Etnográfico. Reducir sus cuerpos a una serie de formas afiladas y amenazantes les da una cualidad amenazadora, al igual que sus miradas frías e inquebrantables. Avignon era una calle muy conocida en el barrio rojo parisino, lo que no deja dudas de que estas mujeres eran prostitutas. Chocando juntos angular cubista formas y temas de confrontación, Picasso rompió por sí solo las convenciones y marcó el comienzo de una nueva ola de arte contemporáneo . El crítico de arte Jonathan Jones escribe, Les Demoiselles d'Avignon es la grieta, la ruptura que divide el pasado y el futuro.

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4. Marcel Duchamp, Fuente, 1917

marcel duchamp, Fuente, 1917 (réplica de 1964), vía Tate, Londres

Dada experimentalist marcel duchamp Fuente , 1917 hizo historia, encabezando el amanecer del arte conceptual. Para crear la obra Duchamp simplemente compró un urinario de una fábrica, lo firmó con el seudónimo de R. Mutt y lo presentó a la Sociedad de Artistas Independientes. La sociedad se sintió profundamente ofendida por la obra, calificándola de indecente e inmoral, afirmando que La Fuente puede ser un objeto muy útil en su lugar, pero su lugar no está en una exposición de arte y no es, por definición, una obra de arte. . En desafío, Duchamp había Fuente fotografiado profesionalmente por el renombrado fotógrafo Alfred Stieglitz en una galería, mientras que un editorial anónimo probablemente escrito por Duchamp fue publicado en el periódico de izquierda el ciego argumentando, Si el Sr. Mutt... hizo la fuente no tiene importancia. Él lo ELIGIÓ. Tomó un artículo ordinario de la vida... y... creó un nuevo pensamiento para ese objeto. Este argumento de que cualquier objeto podía convertirse en una obra de arte revolucionó las prácticas artísticas y sigue teniendo repercusiones en la actualidad.

5. Carolee Schneemann, alegría de la carne, 1964

Carolee Schneemann, Meat Joy, 1964, documentación de la actuación

artista de performance estadounidense Carolee Schneemann alegría de la carne , 1964, desafió los estereotipos misóginos con desnudez frontal total y exhibiciones de carne erótica retorciéndose. Combinando lo que llamó una lista de la compra de ingredientes, que incluían pescado crudo, pollo y salchichas, junto con pintura, plástico brillante y cuerda, reunió a un grupo de mujeres desnudas que se revolcaban en estas sustancias como perdidas en un éxtasis orgásmico. Las reacciones fueron extremas; un miembro de la audiencia estaba tan furioso que incluso trató de estrangular a Schneemann, mientras que otro declaró, no sé qué es, pero no es arte. Pero el arte sexualmente liberado de Schneemann reveló al público un nuevo tipo de feminidad sin restricciones, abriendo el camino para una ola de artistas feministas a lo largo de la década de 1970.

6. Stuart Brisley, Y por hoy... Nada, 1972

stuart brisley, Y Por Hoy… Nada, 1972, actuación, Gallery House, Goethe Institute, Londres

artista de performance británico de stuart brisley Y Por Hoy… Nada , 1972, se representó en las profundidades de un edificio destartalado y en mal estado en Londres. Un baño sucio se llenó hasta el borde con agua negra y carne podrida, donde las moscas y los gusanos se pudrieron. Brisley yació desnudo en este desastre sucio todos los días durante dos semanas, con la cabeza colocada lo suficientemente lejos del agua para que aún pudiera respirar. Luego, se invitó a pequeños grupos de visitantes a ingresar al edificio y observarlo en este estado vulnerable, medio muerto. Sometiendo su cuerpo a una situación casi intolerable, Stuart Brisely llamó la atención de los espectadores sobre la frágil línea entre la vida y la muerte, una actitud que tendría un profundo impacto en el arte contemporáneo lo que siguió. Esta actuación fue parte de una exposición colectiva en Gallery House, Goethe Institution, Londres, pero el olor a agua fría llena de despojos en descomposición se volvió tan repugnante que todos los demás artistas lo obligaron a irse.

7. Judy Chicago, la cena, 1974-9

Judy Chicago, The Dinner Party, 1974–79, Museo de Brooklyn, donación de la Fundación Elizabeth A. Sackler. Foto: Donald Woodman

La monumental instalación de Judy Chicago la cena , 1974-9, es un símbolo icónico del feminismo de la década de 1970. Se prepara un gran banquete triangular con 39 cubiertos, cada uno en homenaje a mujeres influyentes a lo largo de la historia. Concebida como una alternativa femenina a la última cena, mide 48 pies de largo por cada lado y tardó más de cinco años en completarse. Con mucho, el aspecto más impactante del trabajo fue la representación abierta de los genitales femeninos; cada placa está decorada con una variación de una forma vulvar o tiene la forma de ella. La obra fue presentada en Museo de Arte Moderno de San Francisco y atrajo a un gran número, pero las reacciones fueron vitriólicas, etiquetando el trabajo como pornográfico y ofensivo. Destinado a una gira por los Estados Unidos, otros museos cancelaron rápidamente. Tomó décadas para que el mundo del arte se entusiasmara con este trabajo y reconociera su radicalidad, pero hoy tiene un hogar permanente en el Centro Sackler del Museo de Brooklyn .

8. Marc Quinn, Uno mismo, 1991

Marc Quinn, Self, 1991, imagen vía Marc Quinn

artista británico de marc quinn Uno mismo , 1991 es una réplica completa de tamaño natural de su cabeza en su propia sangre congelada. Se necesitaron diez pintas de su sangre para completar la escultura, que solo puede existir en un estado permanentemente congelado. Quinn realizó su primera versión de esta obra en un momento de lucha personal cuando sufría de alcoholismo; Al comparar su dependencia del alcohol con la necesidad de congelar la cabeza, la escultura se convirtió en un poderoso reflejo de la dependencia humana. Continuó haciendo más en la serie, reflexionando sobre su rostro cambiante a medida que el proceso de envejecimiento cambiaba tanto su apariencia externa como sus órganos internos. Flotando en un estado suspendido sin vida, la sangre congelada se acumula en la superficie de esta cabeza incorpórea, creando una visión sombría. Los críticos lo acusaron de poco más que sensacionalismo vampírico, mientras que otros vieron el lugar de la obra en una larga tradición de autorretrato, desde Rembrandt a Cindy Sherman. De cualquier manera, la exploración de un material tan incómodamente íntimo ha abierto una gran cantidad de nuevas posibilidades en el arte contemporáneo.

9. Coño motín, Oración punk: Madre de Dios, ahuyenta a Putin, 2012

Pussy Riot, Oración punk: Madre de Dios, aleja a Putin, 2012

grupo de protesta punk ruso las de pussy riot Oración punk: Madre de Dios, aleja a Putin , 2012 fue una actuación de guerrilla en la Catedral de Cristo Salvador de Moscú. Al irrumpir en el púlpito de la iglesia vestidos con ropas llamativas y pasamontañas, saltaron, bailaron, se arrodillaron y se persignaron hasta que los guardias de seguridad los agarraron y los sacaron del edificio. Más tarde, ese mismo día, se agregó una banda sonora abrasadora a este video, con letras que atacan el régimen opresor de Putin y sus vínculos con la iglesia ortodoxa rusa, ¡antes de que llamaran a María, madre de Dios (para) expulsar a Putin! Publicado en las redes sociales, el video se extendió como un reguero de pólvora y llegó a una audiencia internacional en cuestión de días. Los funcionarios rusos se enfurecieron tanto que sentenciaron a dos miembros destacados del grupo, Nadezhda Tolokonnikova y Maria Alyokhina, a dos años de prisión, acusándolos de vandalismo motivado por el odio religioso. Se produjeron discusiones en todo el mundo sobre el duro castigo de las Pussy Riot, mientras que voces famosas pedían sin éxito su liberación. A pesar de su terrible trato en prisión, la experiencia convirtió a la pareja en celebridades mundiales que continúan haciendo arte exitoso en la actualidad.

10. Mauricio Cattelan, Cómico, 2019

Mauricio Cattelan, Cómico, 2019, plátano pegado a una pared , vendido por $ 120,000. Foto: RHONA WISE, EPA-EFE

Etiquetado como el chico malo del arte italiano, maurizio cattelan 's Cómico , 2019 se burló de las pretensiones que rodean el mundo del arte actual y ahora es reconocida como la obra de arte icónica del año. En el Art Basel Miami Beach, Cattelan Gaffer pegó una banana a la pared y le puso un precio de $120,000. Después de que se vendió, el artista David Datuna retiró la cinta gris, sacó el plátano y se lo comió, destruyendo el original. Fácilmente rehecho, el trabajo se retiró más tarde de la galería para evitar que se produjeran más bromas. Pero un artista vio otra oportunidad, grafiteando en el espacio en blanco donde habían estado las palabras Epstein no se suicidó. Cattelan sería el primero en argumentar que cada nuevo giro en su historia agrega valor a su concepto, demostrando que en estos días, casi cualquier cosa puede ser una obra de arte.