¿Qué es el minimalismo? Una revisión del estilo de arte visual

La escultura del 2000 by Walter De Maria , 1992, vía LACMA

El minimalismo transformó el arte moderno tal como lo reconocemos ahora. Centrado en gran medida en la música y la estética desde la década de 1960, sus antepasados ​​escultóricos Donald Judd, Robert Morris y Sol LeWitt pusieron en marcha una búsqueda de décadas de liberación creativa. Este resumen histórico detalla su metamorfosis a lo largo de los siglos..

¿Quién inspiró el minimalismo?

No. VI / Composition No. II por Piet Mondrian , 1920, vía Tate, Londres

Las tendencias reduccionistas del modernismo sentaron las bases minimalistas mucho antes de que se materializara el término. Aunque la ciudad de Nueva York finalmente incubó la popularidad del género a mediados del siglo XX, sus orígenes se remontan a 1915, cuando el artista de vanguardia Kasimir Malevich pintó su caprichoso cuadrado negro . Junto con Vladimir Tatlin, los líderes rusos se interesaron específicamente en fusionar la tecnología emergente con la vida cotidiana, recopilando objetos comunes para reducir el arte a su forma más auténtica. Las pinturas ya no servían como espejos objetivos de una sociedad tridimensional, sino como objetos autorreferenciales, que exploraban las formas en que una superficie podía superar sus propias limitaciones físicas. Otros pioneros, como el abstraccionista holandés Piet Mondrian, cuyas pinturas simples pero poderosas iluminaron la planitud del lienzo, continuaron con esta práctica durante la década de 1920. Las primeras composiciones abstractas como la suya No. VI (1920) revelan este deseo generacional de eliminar las técnicas figurativas, reduciendo la realidad a una serie de formas geométricas.

Homenaje a la plaza por Josef Albers , 1959, a través del Museo Guggenheim, Nueva York

Estos precursores catalizaron una reevaluación objetiva de lo que significaba ser artista. Esto podría atribuirse en gran medida a la aclamación de 1920 de marcel duchamp, quien luchó contra la idea de que el arte debería estar motivado solo emocionalmente. Él creía que todo el arte revolucionario debería obligar a los espectadores a interrogar aún más los sistemas de poder, descubriendo así un significado más profundo. En 1937, el escultor protominimalista Constantin Brancusi probó esta noción al viajar a Rumania y erigir su edificio de 98 pies de altura. Columna sin fin , una torre rómbica que rinde homenaje a los soldados locales caídos. El pintor Josef Albers luego consolidó las ideas minimalistas en la educación artística moderna al enfatizar la profundidad pictórica ilusoria a lo largo de su mandato en Black Mountain College. Su Homenaje a la plaza (1950) ejemplifica estos principios clave a través de colores, formas y sombras contrastantes, arraigados en estudios de diseño empírico. Siguiendo su ejemplo, los pintores de Color Field Ad Reinhardt y marca rothko pronto encabezó otro nuevo estilo visual, enfatizando la simplicidad estética y las paletas pigmentadas.

¿Cuándo comenzó el minimalismo?

Vista De Instalación De 16 Americanos por Soichi Sunami , 1959, vía MoMA, Nueva York

Los minimalistas originales tenían la intención de producir representaciones aún más literales del mundo que los rodea. Creyendo que el arte solo debe referirse a sí mismo, muchos pasaron de la pintura pictórica a la escultura o la imprenta para mejorar sus técnicas. Frank Stella, generalmente considerado el primer minimalista estadounidense, irrumpió en la escena de Nueva York con un estruendoso sonido en 1959 gracias a su famoso Pinturas Negras. Exhibido en el seminario del MoMA 16 estadounidenses exposición, esta serie de lienzos a rayas extendidos sobre marcos de madera dentados, yuxtaponiendo precedentes de willem de kooning y Franz Kline. Ausente de cualquier marca humana, la abstracción de Stella también asumió las características de su espacio dado mientras permanecía completamente plana, inexpresiva y audaz, desprovista de una toma de decisiones subjetiva. Aseguró estas pinturas negras básicas descuidadamente pero con convicción, profesando su objetualidad. con orgullo Su icónico 1964 cotizar más tarde se convirtió en un mantra teórico para los minimalistas de todo el mundo: lo que ves es lo que ves.

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La exposición de la galería verde de 1964

Intitulado por donald judd , 1963, a través de la Fundación Judd, Nueva York

En el año, una alineación creativa visionaria floreció en la Green Gallery de Nueva York. El curador Richard Bellamy coordinó una serie de exposiciones fundamentales Nuevo trabajo para hacer desfilar voces prometedoras a través de una variedad de medios. Construido con madera contrachapada comercial, Robert Morris blandió su Sin título (Pieza de esquina) (1964), enmarcando el espacio desde un nuevo punto de vista. Mientras tanto, y flavin dio a conocer sus legendarias situaciones fluorescentes, cuya reacción demostró que los materiales cotidianos podían infiltrarse con elocuencia en la alta sociedad. Flavin's oro, rosa y rojo, rojo (1964), la primera pieza de piso de Minimalist, se encontraba entre otras obras de arte eléctricas en exhibición. Cabecilla popular donald judd también hizo su debut como escultor serio aquí menos de un año antes con su sorprendente Sin título (1963) , presentando un total de cinco espectáculos a lo largo de su breve ocupación. Sin embargo, a pesar de mezclarse en Green, ninguno de estos pioneros se etiquetó a sí mismo como minimalista. Académicos destacados se comprometieron a idear un nuevo vocabulario para describir este movimiento monumental.

Ensayos publicados sobre minimalismo

una y tres sillas por jose kosuth , 1965, vía MoMA, Nueva York

Los ensayos críticos publicados a mediados de la década de 1960 finalmente establecieron un paradigma minimalista predominante. En 1965, Donald Judd publicó su tratado Objetos específicos , en el que de hecho rechazó la denominación Minimalismo. En cambio, argumentó que el género debería reconocerse como objetos específicos, ergo una categoría artística que no se clasifica fácilmente como pintura o escultura únicamente. Por lo general, los minimalistas fusionaron estos dos medios oblicuamente, anulando las convenciones europeas tradicionales en favor de fenomenología . (Este estudio filosófico sopesó la experiencia subjetiva sobre la verdad objetiva, subrayando cómo las respuestas a una obra de arte varían entre contextos). La mayoría también se centró en replicar objetos tridimensionales lo más cerca posible, erradicando la autoría a través de herramientas industriales y configuraciones voluminosas e inconformistas. Debido a esta mayor preocupación por la concepción en oposición al procedimiento, el Minimalismo también surgió en concurrencia con Arte conceptual. Hitos como el de Joseph Kosuth Una y tres sillas (1965) proclamó la pregunta de la década : ¿Es arte, un objeto o ninguno de los dos?

Estructuras primarias En el Museo Judío

Vista de instalación de estructuras primarias: escultores estadounidenses y británicos más jóvenes , 1966, a través del Museo Judío, Nueva York

El minimalismo alcanzó su apogeo en 1966. Ese año, el Museo Judío acogió estructuras primarias, una exhibición de gran éxito de más de 40 artistas destacados. Organizada en diez espacios de galería separados por un paso subterráneo, la exposición también recibió un éxito mediático positivo desde el principio de su mandato. Paredes cuidadosamente seleccionadas presentaban productos recientes del relativamente eminente Tony Smith junto a Sol LeWitt, quien dio a conocer su Sin título (1966) , una escultura de piso de madera que profetiza su obra posterior. Estructuras primarias también lanzó creativos en ciernes como Anne Truitt en el centro de atención con Sea Garden (1964) , más tarde conocida por sus instalaciones a gran escala. Pinturas en la cúspide del Minimalismo y Color-Field, como la de Ellsworth Kelly Disco azul (1963), también hizo acto de presencia. Al hacerlo, Estructuras primarias permutó para siempre la idea de un espacio de galería, poniendo en primer plano un concepto cohesivo en lugar de examinar sus partes individuales. El artista ideal ya no creaba simplemente. Ahora, estos soñadores partieron al diseño.

Pintura Sistémica en el Guggenheim

Lawrence Alloway instalando pintura sistémica , 1966, a través del Museo Guggenheim, Nueva York

Otras instituciones emularon rápidamente esta tradición. En septiembre de 1966, el Guggenheim celebró Pintura Sistémica , una fusión de formas de arte estadounidenses como Hard-Edge y lienzos con formas. La abstracción geométrica tomó preferencia en esta presentación del mejor talento de Nueva York, aunque faltaba una descripción del minimalismo en todo su catálogo. Por muy útil que fuera esta decisión, los artistas expuestos parecían incuestionablemente minimalistas. de neil williams Hábitos sartoriales de Billy Bo (1966) colgado perpendicular al de Frank Stella Wolfeboro IV (1966) en la High Gallery, dos joyas entre un cartel interdependiente. Los espacios de exposición occidentales también estaban cambiando en general en esta época, y los museos clásicos ampliaban sus funciones. salones de arte, una versión alemana de un espacio de galería contemporáneo, comenzó a aparecer en toda Europa, reglamentada en función de la rotación. Cooperativas como Espacio de artistas de Nueva York proporcionó continuamente plataformas para que los innovadores expresaran hipótesis únicas. Las críticas resultantes fueron entusiastas, mejorando la percepción pública de lo que realmente podría convertirse el minimalismo.

Un cambio hacia el posminimalismo

Sin título (L-Beams) por roberto morris , 1965, vía The Whitney Museum, Nueva York

A fines de la década de 1960, el minimalismo se dividió en teorías dispares. Robert Morris abrió el camino con Notas sobre la escultura 1-3 , sus ensayos de 1966 que denotan un marco formal para que los compañeros lo sigan. En particular, evaluó psicología de la gestalt, que postula que un todo ordenado es mayor que la suma de sus componentes. Morris articuló completamente esta implicación al enfatizar las partes unidas [para] crear una resistencia máxima a la separación perceptiva, que no requiere unidades regularizadas o intervalos simétricos. Probando esta premisa antes, había actualizado su escultura más notable hasta la fecha, (Sin título) (L-Beams). Tres poliedros idénticos en forma de L equilibrados en distintas posiciones, dependientes unos de otros mientras engañan a los espectadores para que perciban diferentes tamaños. (Tenía un ensamblaje diferente cada vez). Más tarde, también postularía cómo un arreglo de partes es un aspecto literal de la existencia física de la cosa. Esta mayor atracción por los materiales sin concesiones sentó las bases para lo que más tarde se llamaría posminimalismo.

Cubo enterrado que contiene un objeto de importancia pero de poco valor por Sol LeWitt , 1968, vía The No Show Museum, Zúrich

Mientras el minimalismo florecía en otra fase, sus discípulos revelaron sus raíces. Sol LeWitt llevó el modelo de Morris más allá en 1967 cuando hizo circular su ensayo Párrafos sobre el arte conceptual. Considerado por la mayoría como el manifiesto oficial del movimiento, afirmó que el aspecto de la obra de arte no es demasiado importante. Más bien, LeWitt creía que no importa qué forma pueda tener finalmente, debe comenzar con una idea, proclamando así que es el proceso de concepción y realización que preocupa al artista. Estos principios lo siguieron a lo largo de su trascendental carrera de cuarenta años, sin embargo, afirmó abandonar el minimalismo por completo en 1968. Para marcar su despedida, compuso Cubo enterrado que contiene un objeto de importancia pero de poco valor , literalmente enterrando un cubo en un jardín local. Hoy, solo quedan fotografías de este evento efímero, que presagia la desaparición de una época pasada. LeWitt lo bautizó como la muerte de la postura del autor.

Una nueva generación de posminimalistas

embarcadero espiral por Roberto Smithson , 1970, a través de la Fundación Holt Smithson, Santa Fe

A principios de la década de 1970, el minimalismo progresó en varias ramificaciones de artistas independientes. Los antepasados ​​​​Judd y Morris inspiraron al artista de Process Ricardo Serra, cuya escultura específica del sitio Cambio (1972) demuestra una curiosidad posminimalista con la combinación de convenciones exteriores e interiores. Aunque fue su primera incursión en el desierto, no inventó la rueda por completo. El compatriota Robert Smithson compiló embarcadero espiral dos años antes, una estructura en forma de remolino hecha de seis mil toneladas de rocas negras. Otros artistas de la tierra, como Walter De Maria, también se subieron a este carro. Mientras tanto, el naciente bruce nauman rindió homenaje a Flavin aprovechando las instalaciones de luz exterior con su neón La Brea (1972) . Sin embargo, no todos los críticos se regocijaron con esta moda creativa. El historiador Michael Fried escribió un análisis mordaz para Foro de arte durante la década de 1960 , acusando a los minimalistas de impulsar la ideología en lugar del arte. Si bien reconoció su importancia, Fried también rechazó la teatralidad inherente del minimalismo. Un ajuste de cuentas necesario amaneció en el horizonte.

Una revolución feminista en el arte

Solos Somos Impotentes Juntos Somos Fuertes por See Red Taller de Mujeres , 1976, vía The Victoria and Albert Museum, Londres

Pronto surgió una rebelión durante 1974. La promoción de una exposición en Galería Leo Castelli , un Robert Morris desnudo infló su pecho cubierto de cadenas de oro, fotografiado poniéndose un casco de la era nazi. Los manifestantes que anteriormente participaron en el Movimiento por los Derechos Civiles se ofendieron legítimamente por este retrato prejuicioso y pidieron que se retire la imagen. En particular, muchos objetores eran mujeres que luego giraron para centrarse en el tema más amplio de la igualdad racial y de género. Lo que siguió posteriormente solo puede describirse como un efecto dominó fenomenal, que trastornó todos los rincones de la industria contemporánea. Mujeres artistas que se alinearon con la segunda ola del feminismo estadounidense tomó las calles a las galerías de piquetes o museos se cree que promueve prácticas injustas. Pronto, las cabeceras exclusivamente femeninas fundaron revistas como herejías, y disertaciones como la de Linda Nochlin ¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas? hizo circular el globo. Los volantes feministas que declaran juntas somos fuertes pintaron un futuro rico en diversidad.

la cena por judy chicago , 1974, a través del Museo de Brooklyn

En poco tiempo, esta fortaleza feminista se manifestó dentro de las artes. Vanguards hizo campaña contra el campo posminimalista dominado por hombres con el objetivo de destronar energía desequilibrios y brutalidad. Judy Chicago capitaneó esta persecución con La cena (1974) , una escultura de cerámica que representa un banquete ceremonial. Aquí, cálices de oro y porcelana pintada en porcelana descansan junto a manteles individuales que representan a mujeres destacadas de la historia, reutilizando la esfera doméstica estereotipada. (Chicago estableció el Taller Estudio Feminista y El edificio de la mujer también.) Las composiciones simbólicas, artesanales y hechas a mano también surgieron del deseo de subvertir el statu quo. Lynda Benglis experimentó al mismo tiempo vertiendo resina para fabricar Come carne (1975) , tiempo eva hesse logró un resultado similar a través del látex, la fibra de vidrio y el plástico. Nancy Graves empuñó restos de piel y huesos de animales en su estimada serie Camellos (1968) y Fuera de los fósiles (1977), esculturas tan realistas que son casi asombrosas. Los mayores esfuerzos para deconstruir el monolito minimalista se afianzaron durante las próximas décadas.

Minimalismo durante años posteriores

Intitulado por donald judd , 1991, vía MoMA, Nueva York

Aún así, los minimalistas de soltera no se cayeron completamente del radar. Judd trabajó hasta su muerte en 1994, magnificando su uso de herramientas no convencionales tanto para aluminio como para esmalte. En Sin título (1980) , regeneró un motivo de pila anterior a través de acero, aluminio y perspex, atendiendo cuidadosamente cada detalle. Luego, Judd dispuso cinco columnas de colores en su escultura de suelo esmaltado. Sin título (1991), borrando las huellas de un punto focal compositivo. Walter De María instalado La escultura del 2000 un año más tarde en Zúrich, colocando dos mil varillas de yeso poligonales en la Kunsthaus. LeWitt luego pasó a garabatear dibujos como Dibujo de pared # 1268 (2005), renderizado directamente en una pared de la galería para parecerse a una escultura. Aunque Morris cambió el trabajo figurativo en la década de 1970, inevitablemente volvió a la escultura con Puerta de bronce (2005), un arco de acero cor-ten que divide un pabellón de jardín en Italia. Conmemoró una última mostrar en la Galería Leo Castelli antes de fallecer en 2018.

Minimalismo en el arte visual hoy

Dibujo de pared #1268 por Sol LeWitt , 2005, a través de la galería de arte Albright-Knox, Buffalo

Hoy en día, el minimalismo se emplea con mayor frecuencia como una palabra coloquial para denotar simplicidad. Reducido a lo esencial, los efectos posteriores del género se extienden desde la decoración del hogar hasta los automóviles, el cine e incluso la escritura. Sin embargo, dentro de la esfera de las artes, el minimalismo indudablemente evoca recuerdos de un momento radical en la historia humana, una lucha por la libertad que muchos aún luchan hoy. Por involuntario que esto haya sido, marcó el comienzo de una era artística más democrática, una en la que las mujeres, las personas de color y otros grupos marginados podían permitirse un asiento en la mesa. El minimalismo también rompió las barreras entre los medios típicos y, al mismo tiempo, revolucionó la experiencia del artista y del espectador. Al hacerlo, sus sucesores desmantelaron efectivamente la jerarquía artística prevaleciente en los Estados Unidos de la posguerra, una vez comandada por influyentes críticos. Clemente Greenberg. Estas ramificaciones nunca se pueden revertir. Pero para aquellos minimalistas renegados que buscaron una insurgencia inicial durante la década de 1960, tal vez este sea exactamente el punto.