Arte modernista para tontos: una guía para principiantes

Detalles de Bal du Moulin de la Galette por agosto Renoir, 1876; felicidad de vivir de Henri Matisse, 1905; y Tren suburbano llegando a París por Gino Severini, 1915

El término modernismo se refiere a un movimiento en las artes que estaba interesado en retratar las concepciones y las experiencias de la sociedad moderna. Con origen en la Francia del siglo XIX, el arte modernista llegaría a una audiencia mundial por sus atrevidas experimentaciones en temas y estilos. La obra del modernismo fue tan diversa porque la modernidad, como tema, ofreció un terreno tan convincente y fértil para la representación. El arte y los artistas estaban tratando de descubrir qué significaba ser 'moderno'. Era una reconstrucción de la sociedad a medida que se movía a su alrededor.

Introducción al arte modernista

Música en los Jardines de las Tullerías por Édouard Manet , 1862, vía National Gallery, Londres

La palabra 'moderno' implica contemporaneidad, o nuevo, pero cuando pensamos en el arte modernista, la palabra 'moderno' se relaciona con cambios específicos en la sociedad y la cultura. La sociedad moderna fue el producto de la revolución industrial y científica, señalando el final de una antigua forma de vivir la experiencia cultural. La modernidad, y lo que significaba ser moderno, se convirtió en una actitud autoconsciente para artistas del siglo XIX que había tomado conciencia de cómo había cambiado la sociedad, y cómo ésta debía ser representada.

Comenzamos a ver, a mediados del siglo XIX, una preocupación artística por aspectos de la sociedad que se consideraban 'modernos'; la creciente riqueza de la clase media; invenciones tecnológicas; y la cultura urbana y el laicismo. La experimentación en el arte, sin embargo, no fue bien recibida, y se necesitaría la audacia de los individuos, arriesgando su reputación, para colocar un espejo ante esta nueva sociedad.

La vanguardia y la sociedad

los picapedreros por Gustave Courbet , 1849, vía Phaidon Press

Hay una razón clara por la cual el modernismo comenzaría en Francia. La Revolución Francesa a fines del siglo XVIII había planteado la pregunta: ¿cómo hacemos una sociedad libre e igualitaria? Fue esta autoconciencia de la cultura francesa en ese momento lo que preparó el escenario para un compromiso artístico con la sociedad moderna. El término, 'primer plano,' originalmente utilizado en un contexto militar para significar el 'primer hombre en salir', fue adoptado por el socialista Henri de Saint-Simon. Luego describió a un artista que serviría a las necesidades de la gente y la sociedad, no a las clases dominantes.

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La vanguardia, entonces, necesitaría comprender la sociedad moderna si tuviera que pintar para la gente. Esto significó acabar con el programa tradicional de pintura prescrito en las academias y juzgado en los Salones; temas mitológicos , escenas bíblicas y eventos históricamente significativos estaban fuera de contacto con la realidad de la sociedad moderna. Este deseo de pintar la 'historia real', las cosas de la vida cotidiana, fue lo que impulsó el primer movimiento de arte modernista: Realismo .

La comida de los pobres por Alfonso Legros , 1877, vía Tate, Londres

Courbet, el fundador de Realismo , era socialista, por lo que dirigía su mirada a los súbditos de las clases trabajadoras. Encontró una manera de pintar una forma de representar a aquellas personas que la sociedad había pasado por alto en su empresa cada vez más capitalista. El realismo, sin afiliación política, se extendería para plantear la pregunta esencial del arte modernista: ¿cuál es la experiencia “real” de la modernidad?

Modernismo y la ciudad

El Pont Neuf por claude monet , 1871, a través del Museo de Arte de Dallas

La ciudad y la cultura urbana se convertirían en un símbolo de la modernidad. Se jactó de una experiencia notable con su constante cambio de multitudes, avances tecnológicos y edificios que se avecinan; un complejo microcosmos de logros humanos. Muchos emigraron de las zonas rurales de los alrededores para jugar con la posibilidad de acumular riqueza en la ciudad. La ciudad daba una idea de optimismo y azar; una experiencia emocionante de ritmo rápido desconocida para la vida del pueblo.

El arte modernista iniciaría su andadura representativa de la ciudad en la década de 1870 con Manet y los impresionistas. El realismo se había quitado de encima el peso de la pintura académica y la impresionistas hizo lo mismo, siendo de los primeros en reconocer la fertilidad artística de la ciudad. Su pintura trató de capturar esta experiencia cambiante y acelerada de la vida en la ciudad y en esto, desarrollaron un nuevo estilo y tema para la pintura. Era un estilo para la vida moderna. Fue objeto de burla por parte de los tradicionalistas del Salón, pero debido a que la modernidad permitió una nueva riqueza de clase media, impresionistas como Renoir y Muchos podría pintar para el patrocinio privado.

Bal du Moulin de la Galette por August Renoir , 1876, vía Musée d'Orsay, París

La ciudad, sin embargo, vendría con un reverso de alienación y anonimato. El individuo podría sentirse abrumado por el gran tamaño. También pueden haberse sentido aislados con su persona menospreciada, y las personas a su alrededor en constante movimiento, ilegibles e indiferentes. A estos sentimientos se les daría un lenguaje visual por Edvard Munch , y más tarde, el grupo expresionista alemán, El puente . Munch se desarrolló temprano expresionismo en sus esfuerzos por representar la soledad y la angustia inquietante que sentía al estar en el corazón de la ciudad.

El drama de la representación

Tarde en la calle Karl Johan por Edvard Munch , 1892, vía The Independent

A medida que finalizaba el siglo XIX, la larga tradición de la pintura estaba siendo deconstruida para encontrar una nueva forma que se adaptara a la modernidad. El estilo tradicional se basaba en la Renacimiento idea de lo que debería ser un cuadro: un espacio construido racionalmente con una perspectiva singular, como si uno estuviera mirando a través de una ventana. Se hizo evidente que este estilo de pintura no reflejaba los valores modernos.

Los valores modernos habían transformado gradualmente a la sociedad en una dirección diferente. La creencia en la religión organizada se desvaneció para muchos en el occidente ilustrado. El capitalismo comenzó a triunfar sobre la aristocracia terrateniente, creando una marcada división entre las clases dentro de la sociedad. La industria y la invención promovieron una idea de optimismo, mientras que la nueva ciencia de psicoanálisis reveló las nociones inquietantes de que el hombre está en desacuerdo consigo mismo. Para un ciudadano moderno en la ciudad, la vida parecía multifacética, fragmentada y confusa.

Tren suburbano llegando a París por Gino Severini , 1915, vía Tate, Londres

Lo que emerge en el arte modernista es la voluntad del individuo de crear y explorar nuevas vías para reflejar esta nueva realidad; buscaban un nuevo lenguaje visual. Esto condujo a una proliferación de movimientos artísticos alrededor del cambio de siglo, cada uno de los cuales competía por la idea de la modernidad. A finales de la primera década del siglo XX, el público que la veía esperaba un nuevo impacto visual en forma de movimiento artístico.

júbilo y abstracción

felicidad de vivir por Henri Matisse , 1905, a través de la Fundación Barnes, Filadelfia

La magnitud de los movimientos a principios del siglo XX es en sí misma una lección para comprender el estado de ánimo contradictorio de esta época. Por ejemplo, donde Ernst Ludwig Kirchner encontraron alienación y ansiedad en la ciudad, miembros de la Sección D'Or encontró una hermosa conectividad; futurismo trató de representar la belleza del movimiento y la ráfaga de ritmo rápido de la modernidad, mientras que Suprematismo encontró refugio en formas geométricas simples.

Sin embargo, lo que es similar en estos movimientos es su rechazo a la larga tradición renacentista. Esta tradición fue ridiculizada como 'ilusionismo'; era falso para el mundo y para el sentimiento humano. Hubo una búsqueda de arte que se creara fuera de esta tradición. primitivismo se convertiría en una influencia importante para los artistas durante este tiempo porque ofrecía otra forma de ver el mundo. Se consideró que el primitivismo no estaba contaminado por el control racional y, por lo tanto, representaba una expresión más verdadera de la vida emocional.

Suprematismo dinámico por Kazimir Malévich , 1915, vía Tate, Londres

Esta disipación del ilusionismo fue una fuerza importante que se sintió dentro del arte modernista. Los artistas ahora buscaban lo genuino en sus obras de arte. Sintieron que era su trabajo mostrar al público que el lienzo era bidimensional y que no se requería ilusionismo para provocar el pensamiento y la belleza. Por ejemplo, las primeras abstracciones de Kandinsky fueron un esfuerzo por mostrar que la belleza puede ser evocada por líneas y colores no objetivos.

Después de la Primera Guerra Mundial , había un pesimismo que impregnaba la cultura occidental. Que una cultura fundada en la racionalidad y el progreso podría conducir a tal devastación. La formacion de dadaísmo era un símbolo de esta perspectiva pesimista; querían acabar con cualquier tipo de significado en el arte. Sin embargo, el nihilismo inherente creó demasiada tensión para que el grupo se estabilizara y la mayoría de sus miembros se convertirían en Surrealismo . El surrealismo estuvo influenciado por las nuevas teorías de El psicoanálisis de Sigmund Freud . Creían que las tensiones en la cultura podrían curarse si el individuo pudiera integrar la mente consciente e inconsciente.

Arte modernista: el lenguaje visual establecido

Metamorfosis de Narciso by Salvador Dalí , 1937, vía Tate, Londres

El modernismo comenzó a estancarse en Europa debido al auge de Fascismo y Comunismo . El control autoritario reprimió la creatividad, lo que llevó a muchos a migrar a los EE. UU. para continuar con sus prácticas. Nueva York se convertiría en la última semilla del arte modernista con la Expresionistas abstractos formándose en la década de 1950. Tomaron mucho de estos emigrados y del arte modernista anterior que comenzó a exhibirse en los EE. UU.

Estaba claro en la década de 1960 que el arte modernista había establecido un lenguaje visual para reflejar las realidades de la modernidad. Si el arte modernista parece difícil de entender, visualmente, es porque la modernidad está llena de contradicciones y una variedad de experiencias que es difícil de comprender por completo. El arte modernista buscaba formas creativas que visualizaran la experiencia de ser moderno y ahora podemos apreciar su audacia. Ahora podemos ser capaces de contemplar la forma en que la geometría se cruza y encontrar belleza en ella; podemos inspeccionar los objetos que nos rodean un poco más de cerca y ver que su forma no es tan simple.