25 pinturas famosas: obras maestras curadas en museos
Montagne Saint-Victoire de Paul Cézanne (1887), Los cazadores en la nieve de Pieter Bruegel (1565), Vista de Toledo de El Greco (1596), Caballos azules de Franz Marc (1911).
Aprendemos sobre pinturas famosas, obras maestras, desde que somos bastante jóvenes. Incluso a esta edad, podemos apreciar algo de la belleza que producen la forma y el color. A medida que exploramos museos y galerías, adquirimos nuestro propio gusto por la belleza, la apreciación cultural y nuestra propia consideración de lo que es una obra maestra. Con bastante frecuencia, nuestras exploraciones nos devuelven a una obra maestra canónica que ahora podemos apreciar bajo una nueva luz, un nuevo estado mental; sólo después de haber ampliado nuestro conocimiento de lo que hace que una pintura sea magistral.
Aquí hay 25 de las pinturas más famosas en los museos
25. lamento de cristo por Giotto
Lamento de Cristo por Giotto, 1305, Fresco, en la Capilla Scrovegni, Padua
de Giotto Lamentación nos muestra una escena bellamente coreografiada de dolientes alrededor del cuerpo de Cristo, reflejada por los ángeles que se agitan en agonía en los cielos azules. Esta escena está tomada del trabajo al fresco de Giotto realizado en la capilla de la arena en Padua, Italia. Giotto, aquí, estaba rompiendo con una tradición establecida de pintura, el bizantino , y marcando el comienzo del amanecer de El Renacimiento . Su uso del paisaje, el muro de piedra, dirige la mirada hacia Cristo y el rostro afligido de la Madre María.
Giotto enmarca a Cristo en dos voluminosas figuras que nos han dado la espalda, una proeza compositiva original para la época, y que ofrece esta escena divina como algo muy humano. Podemos conectarnos con los dolientes gracias a este realismo intuitivo que Giotto ha aportado a su fresco. Giotto está instigando un nuevo lenguaje visual para expresar escenas de significado religioso.
24. El jardín de las delicias , Detalle desde Infierno Por Jerónimo El Bosco
El Jardín de las Delicias (Detalle: Infierno) por Jerónimo El Bosco , 1503-15, via Museo del Prado, Madrid
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¡Gracias!de jerónimo el bosco El jardín de las delicias terrenales es un tríptico que muestra la progresión desde el Paraíso hasta el Infierno. Las pinturas de cada sección son grandes y están llenas de maravillosos, sorprendentes e imaginativos recursos que han desconcertado a los historiadores del arte. Como se ve en este detalle, el lienzo está repleto de enigmas y un aluvión de escenas que abruman al espectador. La habilidad de Bosch para representar su visión fantástica emociona y sorprende al espectador. Su lienzo surrealista está cubierto de extrañas figuras que atraen al espectador.
La hilaridad y el terror del Infierno son casi impenetrables para la facultad de generar sentido del espectador, pero, no obstante, nuestras emociones se evocan como si entendiéramos. Sabemos que estamos viendo el Infierno en toda su sangre y es horrible en todos los sentidos de la palabra. Bosch ha logrado transmitir terror, repulsión y asombro a través de la incoherencia.
23. La última cena By Jacopo Tintoretto
La última cena por Jacopo Tintoretto, 1592, en la Iglesia de San Giorgio Maggiore, Venecia
de tintoretto La última cena muestra una maravillosa preocupación por los efectos de la luz en un interior poco iluminado. Tintoretto está cambiando la perspectiva habitual de La última cena para crear una composición interesante. Podríamos pensar en leonardo da vinci La famosa interpretación de con el uso de la perspectiva lineal. Aquí, somos guiados por las iluminaciones de la luz: la sombra proyectada desde el cuello de una sirvienta lleva nuestra mirada directamente a Jesucristo.
Maravillosos, aireados, ángeles emergen como el humo que se eleva para inundar la habitación. Es un lienzo lleno de movimiento. Tintoretto infundió al lienzo una belleza seductora, que está arreglada por el juego de luces. Tintoretto da la bienvenida al espectador a una escena donde la luz de Cristo consume e informa nuestra visión.
22. Los cazadores en la nieve por Pieter Brueghel
Los cazadores en la nieve por Pieter Bruegel , 1565, a través del Kunsthistorisches Museum Viena
Bruegel 's Los cazadores en la nieve retrocede mucho más allá hasta el pueblo bajo los elevados riscos cubiertos de nieve. Bruegel ha creado ambigüedad en torno a la cálida sensación de volver a casa y la falta de comida con la que los cazadores parecen haber regresado. Los distantes patinadores sobre hielo disfrutan de lo que les ha ofrecido el invierno mientras que los cazadores, en primer plano, junto con sus flacos perros de caza, se han enfrentado a los estragos del invierno.
La pintura evoca esta facultad narrativa en el espectador; les pide que comprendan la dinámica de la vida del pueblo. Sin embargo, Bruegel no ha permitido que este elemento domine la estética de un pueblo en el desierto frío. El blanco de la nieve cubre la escena con cuervos solitarios posados sobre los árboles sin hojas. La amplia extensión del invierno es desafiada por la gente del pueblo que atiende una llama.
21. Vista de Toledo By El Greco
Vista de Toledo by El Greco , 1596, vía The Met Museum, Nueva York
El Greco’s impresionante pintura sobre Toledo es sorprendentemente adelantada a su tiempo. Las enormes nubes trepan sobre la ciudad esparciendo oscuridad sobre el ambiente. También crea un telón de fondo para los edificios que se yerguen rígidos en comparación con los arbustos cepillados del primer plano. El río comienza justo debajo de nuestro ojo en la esquina derecha y lo seguimos hasta el puente. No hay una persona a la vista, solo los austeros edificios de mármol agazapados en la colina.
Esta es una vista más emblemática que realista de la ciudad. El Greco parece estar ofreciéndonos una representación simbólica de nuestra relación con lo divino, tal como se ve a través de la naturaleza; las nubes abrumadoras y el campo que fluye. Sentimos que las nubes están cerca de desatar una tormenta, un presentimiento que ya tiene a la ciudad arrastrándose por la ladera. Esta pintura expresa bellamente el significado simbólico entre la ciudad, hecha por el hombre, y el poder de lo Divino.
20. El triunfo de Baco por Diego Velázquez
The Triumph of Bacchus by Diego Velazquez, 1628, via Museo del Prado, Madrid
En esta pintura, Velazquez ha fusionado la figura clásica de Baco con el juerguista español contemporáneo. Lo que hace que esta pintura sea interesante es cómo el artista juega con la atención del espectador. como el dios Baco mira hacia otro lado, los dos hombres sonríen con complicidad hacia el espectador, felices de participar en este rito báquico. De hecho, estos dos hombres nos recuerdan a personas que podríamos ver en cualquier pub local.
El contraste de Velázquez entre la figura clásica y los plebeyos es marcado y divertido. Baco mira hacia otro lado mientras corona a un plebeyo con la hoja de laurel; el regalo del vino, y el relax, es para todos. Las miradas de los dos hombres parecen invitar, parecen estar sonriendo y diciendo, eres igual que yo.
19. La pesadilla Por Henry Fuseli
La pesadilla por Henry Fuseli , 1781, a través del Instituto de Artes de Detroit
El terror de una pesadilla suele ir acompañado de un peso sobre el cuerpo; la tensión que algún sueño ha infligido a la mente y al cuerpo. La imagen de Fuseli logra dar un lenguaje visual al tormento y la naturaleza incomprensible de la pesadilla . Un gremlin se sienta en el estómago de la mujer, paralizándola. Es la hora de las brujas. Una yegua negra asoma la cabeza por las cortinas con ojos opacos. Fuseli le está dando al espectador una experiencia visual milagrosa del marco irracional de una pesadilla.
El gremlin que se sienta, paciente e incognoscible en su búsqueda, tensa el vestido suave de la dama. Se gira para mirar al espectador con una mirada extraña, como si le estuviera reprochando por perturbar su misión. de fuseli Pesadilla muestra una hazaña extraordinaria de imaginación al abordar este tema y dar vida a algo que preferiríamos mantener detrás de la cortina.
18. newton por William Blake
newton por William Blake , 1805, vía Tate, Londres
blake tenía un estilo individualizado que se alejaba de la neoclásico / Romanticismo de su dia Las imágenes de Blake están forjadas con simbolismo y seductora simplicidad. Esto es lo que hace que sus pinturas sean tan cautivadoras. En newton , Blake logra demostrar por qué sentía desdén por el gran científico. Newton está midiendo un objeto con forma de pergamino en lugar de ser consciente del color detrás de él; está encorvado, midiendo, en lugar de vivir y notar la belleza de la naturaleza que no puede medir.
El uso que hace Blake del desnudo clásico en un entorno insondable (algunos comentaristas creen que está en el fondo del mar) es una forma de representar esta idea simbólica. Blake tiene formas delicadamente paralelas para advertirnos que no demos la espalda al azar y al misterio de la vida. Los dedos de Newton se extendieron como la brújula; sus caderas y su espalda giran como el pergamino; el pergamino que está midiendo parece fluir de su propio cuerpo, desprovisto de color o intriga.
17. La muerte de Sardanápalo Por Eugène Delacroix
Muerte de Sardanápalo por Eugène Delacroix , 1827, a través del Louvre, París
Delacroix 's Muerte de Sardanápalo crea un ritmo espectacular dentro de esta pintura por su uso del color. El rojo intenso comienza en la esquina superior izquierda y se derrama en diagonal. Delacroix ha utilizado este rico color para representar en paralelo la violencia que puebla la escena. Los cuerpos están extendidos, un hombre tira de un caballo ricamente ataviado, lujosas joyas abarrotan el primer plano, todo flotando en este río rojo.
Delacroix no ha dejado mucho espacio desatendido; lo ha llenado con movimiento y cortinas para imitar el estado de ánimo de la pintura. El espectador está absorto en el tema hasta que llega al epónimo Sardanapalus, recostado, contemplando tranquilamente en la cama. Miente en marcado contraste con los eventos del primer plano. Es el hombre que se suicidará después de que todos sus placeres hayan sido destruidos. Este momento captado por Delacroix es a la vez desgarrador y atractivo.
16. Tormenta de nieve: barco de vapor frente a la boca de un puerto Por J. M. W. Tornero
Tormenta de nieve: barco de vapor en la boca de un puerto por J. M. W. Tornero , 1842, vía Tate, Londres
Tornero demostró estar adelantado a su tiempo con esta representación impresionista de una tormenta de nieve. A diferencia de sus contemporáneos, estaba tratando de pintar la impresión, emocional y visual, de lo que se siente estar en una tormenta de nieve. Esto lo llevó a ser pionero en una forma temprana de abstracción . El remolino de color monocromático envuelve al espectador, mientras que una breve visión de claridad permanece precariamente en el medio del lienzo.
Hay una historia, ahora considerada apócrifa, de que Turner fue atado al mástil de un barco durante una tormenta para experimentar la violencia de la naturaleza. Se puede ver por qué esto podría haber sido creído. La interpretación de Turner es intuitiva y dramática, palpitando con energía y subsumiendo. Es una composición brillante que muestra la incapacidad humana para resistir los extremos de la naturaleza.
15. la urraca por Claudio Monet
la urraca por claude monet , 1868, vía Musee D'Orsay, París
Muchos ha logrado capturar una escena de quietud rodeada de nieve en esta famosa pintura. Solo se ven algunas casas entre las ramas cargadas de nieve; un par de pasos aparecen ante la puerta. El horizonte está oscurecido por la nieve que cubre la tierra, por lo que apenas se ve dónde comienza el cielo. La escena de Monet es una hermosa impresión que logra connotar sentimientos de un paseo solitario en un brillante día de invierno.
La urraca se posa en la valla, única forma de vida explícita en el cuadro. No hay ninguna razón por la que Monet pintó esto además del hecho de que lo conmovió. Esta escena de la naturaleza puede conmovernos debido a un sentido estético inherente que se mueve dentro de nosotros. Monet no necesita buscar un significado simbólico superior porque todo está justo frente a él.
14. El carril de los álamos Por Alfred Sisley
La calle de los álamos por Alfred Sisley , 1890, vía, Musée D'Orsay, París
Esta delicada representación de un camino de álamos en esta famosa pintura atrae al espectador con el uso de líneas ortogonales. Sisley parece invitarnos por la avenida entre los árboles moteados de luz. Dos figuras salen a la carretera, ajenas a esta maravillosa avenida que Sisley ha puesto a nuestra disposición. El rico color que desprende la luz se oscurece gradualmente hacia el punto de fuga.
Un río corre a la izquierda y algunas casas se pueden ver más lejos en la distancia. Sisley ha pintado esta escena maravillosamente ambiental, empapada de luz, de tranquilidad meditativa. No hay prisa, ni multitudes frenéticas de energía, sino un relajante paseo por una avenida de árboles. Las sombras se alargan, insinuando que el día está llegando a su fin, quizás para un momento de tranquila reflexión. Sisley ha ordenado su lienzo con pinceladas pequeñas y delicadas, y los colores parecen fusionarse entre sí, creando un rico mundo de belleza tranquila.
13. Montagne Saint-Victoire con un gran pino Por Paul Cézanne
Montagne Saint-Victoire con un gran pino por Paul Cézanne , 1887, vía The Courtauld Institute of Art, Londres
cezanne ha retratado maravillosamente esta escena construyendo campos de color para crear una pintura de increíble profundidad. Cézanne pasaría una gran cantidad de tiempo tratando de comprender el entorno en el que pintaba y tratando de comprender cómo pintar lo que percibía. Podemos distinguir las formas debajo de la montaña como campos y casas, pero en una inspección más cercana, los elementos de cada uno parecen mezclarse y chocar.
Es una parte de la hermosa estética de Cézanne que da la impresión de que las formas aparecen a la vista, como cuando estamos procesando nuestro entorno mientras miramos. Nuestro enfoque se extiende para tomar la totalidad, pero está habilitado para detallar los detalles, en cambio, vemos impresiones vagas y la combinación de colores a nuestro alrededor.
12. Trigal con cuervos Por Vincent van Gogh
Trigal con cuervos por Vincent van Gogh , 1890, a través del Museo Van Gogh, Ámsterdam
van Gogh ha pintado una escena desgarradora. Los cuervos de este famoso cuadro, a dos o tres pinceladas, se van o regresan al campo de trigo. El negro de la noche parece engullir lentamente el azul del día; un camino serpentea lejos de la vista. El estilo de pintura de Van Gogh logra afectar la forma tan bien que sabemos lo que estamos mirando y, al mismo tiempo, los colores parecen expresar más de lo que implican.
El poderoso uso del color de Van Gogh y su método de pintura trabajan juntos para producir una pintura cargada de emociones. La negrura que se filtra a través del cielo azul nos habla de un desastre inminente; los cuervos son como una creciente ansiedad. La fuerte resonancia emocional de Van Gogh con su tema crea este atractivo expresionismo que transforma un paisaje natural en uno emocional.
11. Paisaje tahitiano Por Paul Gauguin
Paisaje tahitiano por Paul Gauguin , 1891, a través del Instituto de Arte de Minneapolis
Gauguin La famosa pintura aporta una nueva vitalidad al arte de finales del siglo XIX. Hay una maravillosa melodía creada por el rico color. Gauguin ha logrado la calidez a partir de un esquema de color antirrealista, y en ese sentido, la pintura es más realista por este toque experimental. La figura solitaria lleva algunos suministros mientras un perro espera al borde del camino. El campo amarillo se intercala con una rica gradación de verde y naranja. Los colores resaltan el sol para el espectador.
Gauguin se había sentido harto de Francia y había viajado a Tahití para revigorizar su gusto por la pintura y reavivar su capacidad de expresión. Podemos ver aquí, en esta vibrante escena de paisaje, que Gauguin ofreció una alternativa a la pintura natural al pintar de esta manera expresiva. El paisaje no solo es estéticamente agradable con este nuevo método, sino que la imagen comienza a actuar como un símbolo de una expresividad libre, sin las trabas de un control controlado. naturalismo .
10. La nube rosa, Antibes Por Paul Signac
La nube rosa, Antibes por Paul Signac , 1916, a través del Museo de Bellas Artes de Boston
Signac El estilo de se asemeja a un mosaico en sus colores sutilmente mezclados. Es una abstracción casi perfecta de la naturaleza y, al mismo tiempo, pertenece a ese estado de ánimo impresionista que sabe que esta imagen agradable nunca volverá a existir. La nube de Signac es un mensajero del sol; sostiene la luz y la esparce sobre el lienzo en una hermosa exhibición. La única vela se ve empequeñecida por el tamaño, desplazándose fácilmente en su reflejo.
Signac's puntillista la técnica coloca áreas minúsculas de color una al lado de la otra para que sean paralelas a las gradaciones de color que vemos en la naturaleza; cómo nuestro cerebro procesa el efecto de la luz y el color. Signac congela este momento en el tiempo para restablecerlo como un recuerdo natural que podamos tener de una vela solitaria.
9. Separación por Edvard Munch
Separación por Edvard Munch , 1896, a través del Museo Munch, Oslo
Mascar tenía una habilidad penetrante para expresar el drama interno no solo de la angustia individual sino también de las pasiones que existen entre dos individuos. En Separación , el hombre se desploma agarrándose el corazón, que parece haberse derramado sobre su mano; debe mantenerlo en su lugar para mantenerse con vida. El símbolo de la mujer ahora se transforma en el entorno convirtiéndose en parte de la playa y el cielo. Esta famosa pintura es una maravillosa metáfora de cómo la memoria del amor persiste en el mundo físico.
El estilo de pintura de Munch enfatiza la emoción interna y cómo esa emoción interna reacciona con el mundo que nos rodea. No es necesario que Munch estudie la precisión en el color o la forma para mostrar lo que desea. Ha pintado en bloques de colores, dando al espectador estas figuras obvias. Entendemos mucho del hombre por sólo unos pocos detalles de la cara; es más el color. La aplicación algo 'descuidada' de la pintura se suma a esta sensación directa y contundente de separación.
8. Improvisación 28 (Segunda Versión) Por Wassily Kandinsky
Improvisación 28 (segunda versión) por Wassily Kandinsky , 1912, a través del Museo Guggenheim, Nueva York
Kandinsky Las abstracciones de fueron muy influyentes en el siglo XX. Mostró una cualidad estética de que la pintura no necesita tener un objeto para evocar emoción y meditación. El título de Kandinsky para esta famosa pintura, Improvisación, recuerda a sus espectadores cierta musicalidad que intenta emular a través del color y la línea. Kandinsky debe haber sido consciente de la construcción de sentido inherente en la que consiste la percepción. En improvisación 28, podemos distinguir rostros, ojos, paisajes, casas sin ningún espacio coherente. De hecho, las formas que vemos son simplemente líneas y colores que suponemos son estas cosas familiares.
Kandinsky le pide al espectador que aprecie la composición como se aprecia una pieza musical. Es cómo uno siente un movimiento armónico a través de una pieza, los contrastes de las secciones y la dinámica del sonido. Podemos encontrar belleza también en la línea y el color sin ningún 'significado' u objeto coherente.
7. Los grandes caballos azules por Franz Marc
Los grandes caballos azules por Franz Marc , 1911, a través del Walker Art Center, Minneapolis
franz marc La composición de es una cascada de formas. La suavidad con la que ha compuesto los caballos y se refleja en el ambiente crea una armonía digna de música. Marc gana mucho pero su colorido antirrealista. Los caballos azules son serenos, majestuosos, casi celestiales. Sus cabezas rozando evocan una sensación de tranquilidad y comodidad, de comida y unión. La yuxtaposición de colores primarios se encuentra con el espectador en una expresividad reconfortante.
Franz Marc ha sabido expresar la serenidad de la naturaleza sin naturalismo. Los árboles de marfil fluyen a través del lienzo. Nada en esta imagen parece discordante o cortante. Todo fluye en este color sensual creando una unidad de forma. Esta sencilla escena de caballos pastando se ha transformado en una apreciación armoniosa de la naturaleza por el uso del color de Marc en esta famosa pintura.
6. El viaje ansioso Por Giorgio De Chirico
El viaje ansioso por Giorgio de Chirico , 1913, vía MoMA, Nueva York
De Chirico La composición claustrofóbica de 's desconcierta nuestra perspectiva como una mente ansiosa que se presta demasiada atención a sí misma. Sin embargo, el vacío en esta famosa pintura, a pesar de que el lienzo está lleno de formas, es notable en su efecto. De Chirico es bien conocido por su estilo enigmático y aquí podemos ver por qué. El tren echa humo detrás de un pequeño muro de ladrillo como si estuviera impaciente. El poder y la vista del tren son siniestros, recordando al espectador a una bestia enjaulada.
De Chirico fue una fuente de influencia para el surrealistas quien sintió que él era su predecesor en su habilidad para retratar estados internos de la mente. Sus columnatas sombreadas están llenas de misterio, aprensión y soledad. El orden del lienzo es estricto y restrictivo. Con formas arquitectónicas, de Chirico ha logrado evocar algo del yo interior.
5. dinamismo de un ciclista Por Umberto Boccioni
Dinamismo de un ciclista de Umberto Boccioni, 1913, en la Colección Peggy Guggenheim, Venecia
de boccioni Futurista la pintura es un elogio del movimiento y de la velocidad. Hay algo glorioso en el ciclista que ha sido abstraído en una serie de formas. Al igual que el cubista método, Boccioni está jugando con cómo percibimos una forma cuando está en movimiento. Se trata de romper con las formas estrictas del espacio racional para entrar en un nuevo espacio donde las formas han sido desestabilizadas y maravillosas.
Boccioni El color de se suma a esta sensación de velocidad; crea una estética fuera del movimiento. El azul en la parte superior derecha fluye rápidamente hacia el centro, donde se contrarresta con amarillos dorados. El azul es recogido además por el rostro del hombre, solo reconocido por las líneas generales. El blanco emana de los palpitantes amarillos, morados y azules, como un tren que se deshace del humo, aunque no sean más que ruedas. La ciclista de Boccioni es determinada y hermosa, brindándonos una nueva apreciación visual de la velocidad.
4. amantes Por René Magritte
Los amantes por René Magritte , 1928, vía MoMA, Nueva York
Magritte fue un maestro del juego y sigue los pasos de de Chirico por su ambigüedad y resonancias enigmáticas. En esta famosa pintura, Magritte nos atrae con una extraña pintura de dos figuras, los amantes, besándose. Nunca se tocan porque sus cabezas están envueltas en sábanas blancas. ¿Qué podemos hacer con esto? No necesitamos hacer nada al respecto, aunque la mente está acostumbrada a hacerlo. ¿Se trata de la incapacidad de dos personas para nunca verse realmente, entenderse?
El estilo de pintura altamente realista de Magritte crea una oportunidad perfecta para alterar este realismo mediante su uso del enigma. La imagen de Magritte es humorística. El beso, que parece ser tan apasionado, cae de bruces en el afecto. Hay una confianza en ambos amantes que hace que las sábanas blancas sean las más absurdas. Magritte disfrutaba con los acertijos de la psicología y la filosofía y dominaba una habilidad asombrosa para reproducir tales acertijos en un lienzo.
3. Guernica By Pablo Picasso
Guernica by Pablo Picasso , 1937, via Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
picasso interpretación del bombardeo de 1936 de Guernica es un poderoso símbolo de destrucción. Picasso se dio cuenta de que el naturalismo no habría retratado la experiencia del terror con tanta eficacia como su método cubista. El lienzo nos parece caótico y difícil de interpretar; el uso del monocromatismo, las formas sueltas, parciales, y la distorsión de la figura. Las formas se aplanan y se fragmentan dentro de este único edificio.
La realidad de la destrucción ha destruido una forma de representación. Picasso siente que cualquier tipo de naturalismo pondría la razón y la artificialidad en el lienzo, lo que viciaría el significado y el poder para Picasso. El bombardeo y la destrucción es la fragmentación de las formas, induciendo al caos.
2. Metamorfosis de Narciso By Salvador Dalí
Metamorfosis de Narciso by Salvador Dalí , 1937, vía Tate, Londres
La meditación de Dalí sobre el mito de narciso es una imagen maravillosamente precisa pero elusiva. Dalí está interesado en cómo percibimos y qué hacemos con nuestras percepciones. Podemos ver el uso de Dalí de la doble toma, donde percibimos un objeto como otra cosa antes de darnos cuenta de lo que es. Aunque, para Dalí y el surrealistas , se preguntarían qué percepción es 'real' y qué nos dice nuestro inconsciente; cómo nos engañamos a nosotros mismos.
El estilo de pintura de Dalí, que él llamaría “fotografía en color pintada a mano”, abarca tanto la realidad como el engaño. La figura pétrea de Narciso se convierte en la mano que sujeta el huevo, del que florece el narciso. Dalí contrasta el paso del tiempo con la percepción, real o engañosa, para ofrecer una nueva exploración visual del mito de Narciso, el mito que tiene mucho que ver con la percepción. Se trata de cómo nos percibimos a nosotros mismos y cómo nos perciben los demás.
1. Halcones nocturnos Por Edward Hopper
Halcones nocturnos por Edward Hopper , 1942, a través del Instituto de Arte de Chicago
Tolva La famosa pintura de aquí recuerda a De Chirico en su sentido de soledad evocado por la arquitectura. Hopper, sin embargo, ha optado por realismo para lograr este efecto. El gran ventanal muestra a algunas personas de noche bajo la luz artificial y la calle afuera se siente fría, vacía y sin sonido. Los dos hombres en la barra parecen reflejarse, una mujer de rojo se queda en blanco y un anciano atiende la barra.
Hay una innegable sensación de estancamiento. Tanto es así que inquieta al espectador. Hopper ha elevado la barra de poca monta para representar algo convincente sobre la vida humana; sobre la soledad y la soledad; sobre esperar; sobre cómo se gasta nuestro tiempo en la noche solitaria. El realismo de Hopper trae esto a casa con fuerza. La vista limitada, como atrapada mientras uno camina, parece enfatizar esta lejanía de la individualidad.
La curiosidad de las pinturas famosas
Cuando exploramos pinturas famosas, estamos buscando nuestro propio sentido estético y cómo esto refleja nuestra propia comprensión de nosotros mismos y del mundo. A menudo se nos muestran pinturas famosas que se han visto, en un contexto cultural más amplio, para evocar sentimientos de belleza y experiencia con los que todos podemos identificarnos. Sin embargo, estas pinturas a veces no se acercan a nuestros propios sentimientos del mundo. Necesitamos emprender nuestra propia educación no oficial de pintura para encontrar y apreciar nuestro propio lenguaje visual.